Posted on Leave a comment

Три картины в одном стиле: Картины в интерьере гостиной в современном стиле: в рамке на стене, над диваном, три картины в одном стиле

Содержание

Как называются картины состоящие из нескольких частей. Модульные картины на стену.

Александр Лискович

После того как начали ремонт,столкнулись с таким безобразием в сервисе, что когда попали сюда были приятно удивлены, что ещё всё таки есть люди которые сидят на своём рабочем месте и работают для людей. Не было ни каких предоплат ни каких вымагательств и т д. Ребята всё сделали быстро, сами привезли и потом ещё побеспокоились как нам понравилось или нет. Вот такую фирму не стыдно порекомендовать...

Байтукалова Галина

Результат превзошел все ожидания!!! Консультант Максим посоветовал увеличить размер картины, что увеличило ее стоимость. Но он был абсолютно прав Я поняла, это когда повесила картину! Выбирая картину, которая будет тебя радовать очень долго экономить не стоит...

Наталья Яковлева

Другая фирма прислала мне картину совсем не такую что я заказала. Мне удалось пережить бурю эмоций. Это были и огорчения от того что они выполнили картину совсем не так как мне хотелось. И радость от получения первой картины от КартинуМне! в совершенно точной цветовой гамме. Мне ее перерисовали и я осталась очень довольна. Не отказывайте себе в удовольствии...

Наталья Иванова

Рассказ о том, как я стала преданным поклонником "КартинуМне"!)) "Голые" стены в квартире наводили тоску и уныние... я воспользовалась бесплатной услугой "подобрать картину с дизайнером". Уже на следующий день мне скинули несколько макетов... Когда курьер привез долгожданную "бандероль" нам домой я почувствовала себя ребёнком, который распаковывает подарки на Новый год!;)) "КартинуМне"- отличная команда профессионалов...

КАРТИНЫ ИЗ НЕСКОЛЬКИХ ЧАСТЕЙ ДЛЯ ИНТЕРЬЕРА НА СТЕНУ

Что же такое картины из нескольких частей или картин? Это просто еще одно название модульных картин. Сегодня вы узнаете, что модульные картины, как только не называют, и мы даже составили диаграмму популярности разных названий и расписали примерное появление каждого названия и небольшие интересные истории по каждому, читайте, вам будет интересно.

Картины из частей главным образом делятся на диптихи, триптихи и полиптихи. Соответственно это картины из двух, трех, четырех и более частей. Ниже мы описали каждый вариант таких картин. Самые популярные картины триптихи. Но люди любят полиптихи за их размер. 5 частей это довольно внушительно и можно отлично разместиться на стене. Сделать больше расстояния и картина увеличиться до приятного размера. Читайте и знакомьтесь.

Вам наверняка захочется посмотреть фото картин из нескольких картин или частей и купить на стену, в самом низу мы разместили галерею и ссылочку на полный раздел всех фотографий, а попасть в каталог каждого вида картин вы можете попасть уже чуть ниже и выбрать себе подходящий вариант. Это достаточно интересно. Сможете вдохновиться, и увидеть до покупки как все выглядит.

Какие бывают картины из частей

Диптихи - это картины из двух частей. Название пошло из церковных икон, которое складывалось как книга. Картины из двух частей популярны как креативный элемент, потому как встречаются очень редко в интерьерах.

Можно использовать интересные варианты отражений и креативные деления.

Триптихи

Триптихи - самые популярные картины из частей. Чаще всего ищут в интернете. Состоят из 3 частей. Могут быть как одной высоты так и на разных уровнях.
Оформление одного уровня считается классикой и применяется во многих интерьерах.

Полиптихи

Полиптихи - картины из четырех и более частей. Поли - много (лат.) Любимое деление большинства женщин.5 частей удобно раскинуть на стене, использовав большие расстояния можно сэкономить на размере и сделать большую красивую модульную картину. Существует огромное количество разнообразных делений, так же можно придумать свое.

Популярные картины, разделенные на несколько частей нашего интернет магазина

Мы подобрали интересные позиции картин разделенных на части интернет магазина КартинуМне!. Посмотрите какие бывают эти картины здесь и триптихи и диптихи и полиптихи. И ссылка на полный раздел всех хитов. Если вы не подберете ничего интересного перейдите в полный каталог картин разделенных на несколько частей.

Вы сможете выбрать интересный раздел и подраздел в нем. Так будет проще подобрать интересный вариант картин из частей в интернет магазине и купить в один клик. Если же вам сложно выбрать, воспользуйтесь бесплатной примеркой. От вас нужно только фото, просто оставьте заявку в любом месте.

Невероятные истории появления картин из частей

У картин состоящих из нескольких картин или частей огромное количество названий, придуманных, скорее всего, просто так случайно или взятых где-то из истории. Интересно узнать, как все было на самом деле. Поэтому мы подготовили небольшой обзор по каждому названию и его использованию. Фантазия людей поистине удивляет. Читайте, вы этого не знали.

Разберём каждое название подробно

1. Картины из частей

Картины, состоящие из нескольких частей

Картины, состоящие из нескольких частей, главная основа здесь «часть», она формирует дополнительное название. Давайте посмотрим, как народ придумал это слово. В германском языке существовало слово «чашт».

После завоевания народа, проживающего на территории современной Чехии, слово перешло в обиход чехов без изменения значения, но с видоизмененным названием – «част» (кусок).

История появления слова в великом и могучем языке весьма интересна. На государеву службу в царство Московское принимали жителей зарубежья. Они основали немецкую Слободу, которая существует до сих пор (располагается на территории современной Москвы). По ошибочному мнению, в Слободе проживали немцы, но название «города в городе» пошло не от современной народности. НемЦы – люди немые говорить «по-нашему». Соответственно, помимо германцев, в поселении обитали голландцы и те же самые чехи. Они могли свободно заниматься собственным производством – пивоварением и виноделием, продажей гастрономических изысков, без уплаты налогов. Чехи коптили колбасы, мясо на кости, а готовый деликатес именовали «частью».

Стоит отметить, что чешские колбасы полюбились Петру Первому еще с малого возраста. Именно поэтому, он и жил в немецкой Слободе с гражданской женой Анной Монс.

Шли года, за ними столетия. Со временем слово из сугубо гастрономической сферы перешло в обиход современных жителей России. А картинами из частей стали называть полотна, состоящие из нескольких частей, составляющих.

2. Составные картины

Разберем другое название от составных картин для интерьера на стену, главная часть будет «составные». Погрузимся в историю этого слова. Слово составные (производное от «состав») имеет глубокие корни. Сложно предугадать из какого именно контекста выдернули наши прадеды это слово. Ведь его лингвистическое «путешествие» началось более чем десять столетий назад.

Об этрусках и их могущественной империи не осталось следа практически ни в одной исторической книге, справочнике. В период зарождения Древнего Рима, народ Этрурии совершенствовался в искусстве. Именно тогда и возникло слово «состатус», обозначающее ничто иное как «кусочек мозаики». От древней цивизации слово перешло к римлянам, которые укоротили его. Позже, в римском варианте, оно перекочевало в итальянский язык.

Так бы и не появилось в нашем лексиконе слово «составные», если бы не Аристотель Фьораванти, который занимался строительством Успенского собора при Иване Третьем. Однажды, увидев, как художник, расписывающий южный ассиметричный свод храма, уронил палитру на его архитектурный проект он воскликнул: «Состати!» (что означало «смешение»).

С тех пор именно так стали называть соединение нескольких компонентов в одно целое: составы лекарских рецептов, составы документов государственной важности.

В наши дни составом принято называть скопление железнодорожных вагонов. Прочно термин вошел и в армейскую сферу жизни. А теперь можно купить составные картины для интерьера на стену и разнообразить свое жилище, рассказывая всем интереснейшую байку с нашего сайта:)

Не сложно понять, почему именно так стали называть картины. Как и состоящий из нескольких вагонов поезд, каждый фрагмент составной картины дополняет предыдущий, образовывая полноценное художественное полотно.

3. Картины из нескольких картин

Картина, состоящая из нескольких картин на стену

Сложно поверить, но словосочетанию, которое сейчас применяется по отношению к модульным картинам, состоящим из нескольких картин, мы обязаны империи селевкидов.

Государство было образовано приемников великого Александра Македонского, которое и было названо в его честь. Представители древней эпохи были сильны, как в военном деле, так и в искусстве. Селевкиды расписывали внутри свои дома фресками. Зачастую из нескольких фресок, они «собирали» одну большую, которая имела определенный смысл. Их стали называть «фресками из фресок». Со временем, декоративный элемент перекочевал на территорию Киевской Руси, а позже – к нам.

Вооружившись этой историей, смело выбирайте картину, состоящую из нескольких картин на стену в нашем каталоге. Можете называть их любым названием и блистать знаниями.

4. Разделённые картины

Разделенные картины на несколько частей

Интересные корень у нашего предложения разделенные картины на несколько частей.

«Разделенные», его и будет рассматривать. Но это вполне логичное название, когда картину можно собрать, если соединить расстояния и разделить снова. История слова «разделенные» уносит читателя назад на две тысячи лет до нашей эры. На территории современной Греции, некогда существовала микенская цивилизация. Ее жители были сильны, как в строительстве, так и искусстве, изготавливали глиняные таблички, именуемые тупумами.

Для выдавливания символов по глине, использовали трехгранную палочку – «делит», и ей же делили таблички на несколько частей. Преимущественно микены использовали их для составления хозяйственных списков и задач. Стоит отметить, что первый глиняный «документ» расшифровали в пятидесятых годах XX века.

К сожалению, микенская цивилизация пала под силой дарийцев. Но культурным наследием государства стали пользоваться древние греки. А тем временем, слово «делит» продолжало свое путешествие, пока не перешло в русский язык, в значении – разъединять. Понять образование словосочетания «разделенные картины на несколько частей» легко, ведь каждое полотно делиться на части, которые при соединении становятся целостным изображением.

Диптихи триптихи полиптихи

Все слова: полиптих, диптих и триптих имеют греческие корни. В период Древней Греции необычным словом «птихо» называли соединенные восковые таблички или дощечки. Чтобы скрепить готовую «книгу», в уголках табличек проделывали небольшие аккуратные отверстия, через которые продевали связующее «звено». Зачастую использовали шнурок. Соединенные подобным образом дощечки именовали в зависимости от их количества: диптихом - два соединения, три – триптихом. А если дощечек было больше трех – полиптихом (от греческого «поли» – множественный).

В период расцвета Киевской Руси эти слова использовались без искажения смысловой нагрузки. Первые образцы, которые удалось расшифровать, относятся к 11 веку. Их предназначение ничем не отличалось от принципа использования осовремененных записных книжек. Но наличие на деревянных бортиках азбуки, возможно, применялось и для обучения письму. Интересные диптихи триптихи полиптихи ищите в каталогах в вверху страницы.

Сегментированные картины, главная часть очевидна, читаем. Слово «сегментированный» берет свои корни у истоков цивилизации Древней Греции. В период V-IV вв. до н.э. стало популярным направление театральных фестивалей. Они были логичным продолжением Дионисий (праздника в честь бога виноделия - Диониса). Стоит отметить, что представления со сценами из жизни богов длились сутками. Каждую из импровизированных пьес для удобства стали называть «сегментусом»

Позже, римляни, которые захватили греков, заставили народ отречься от греческого языка и выучить латинский. Доподлинно известно, что латынь послужила основой для формирования большой группы романских языков (начиная от румынского, португальского и заканчивая сардинским языками).

В наши дни, в русском языке слово «сегментированный» (от слова «сегмент») используется в качестве обозначения частей, участков одного целого. Купите сегментированные модульные картины для интерьера и эти полотна станут красивым предметом оформления для вашего дома надолго.

Диаграмма популярности разных названий картин из частей

Фото картин из нескольких частей на стену

Посмотрите небольшую подборку фото картин из частей, вам будет заранее понятно, как выглядят такие картины и как они используются в интерьере. По ссылочке под всеми фото вы можете перейти на страницу всех картин из нескольких частей фото. Смотрите и вдохновляйтесь, какие есть идеи применения, какие используются картины и цвета, просто смотрите симпатичные интерьеры и фото картин на стену из нескольких частей.

Какие картины из нескольких частей купить на стену

Сложно представить, что всего лишь одно полотно способно изменить интерьер комнаты и внести ощущение комфорта и уюта в дом. Если купить картины из нескольких частей на стену домой как раз и получится такая способность. Ассортимент настолько богат и впечатляющий, что подобрать недостающее «звено» для своей обители сможет каждый.

Лаконичные изображения, выполненные в пастельной гамме, хорошо смотрятся в ярких помещениях. Ведь перед обитателями стоит цель – добавить интерьеру простоты и не превратить дом в яркую несуразицу. Тем более, что с интерьером в стиле эклектики или знойной Африки, это очень просто сделать.

Напротив, для блеклых стен, единственным украшением которых являются настенные часы, лучше купить картины на стену из нескольких частей с красочными цветами, симпатичными абстракциями и живописными неизведанными уголками Земли.

История модульных картин из многих частей для интерьера

Хотите немного просветиться и узнать о появлении модульных картин из многих частей для интерьера в современном виде. Много времени до нас придумали нечто подобное, давайте читать. Китай издавна славился высоким уровнем развития искусства еще с давних времен. Во времена зарождения Киевской Руси, великий император поставлял на территорию современного украинского государства расписные амфоры. На двух сторонах изделий изображали геометрические фигуры, хаотичные линии, требующие наличия воображения от созерцателя.

Киевские князя были под впечатлением от умения китайских мастеров создавать мозаичные шедевры, искусно собранные в одно целое и имеющие определенный смысл. Затем, этот прием китайского искусства стали использовать и на Руси. А его продолжением стали модульные картины из многих частей для интерьера, украшающие дома по всему миру.

Картины по сей день считаются самыми популярными элементами для декорации помещений. С помощью модульных картин ручной работы или выполненных современными методами печати уникальных изображений на натуральных холстах можно привнести в жизнь не только стиль, но и настоящеее искусства.

В нашем интернет магазине вы сможете купить составную картину на стену, выполненную в любом из понравившихся мотивов различных тематик. В ассортименте имеются работы абстракционистов, интересные пейзажи, портреты, цветочные композиции, изображения животных и подводных миров, картины для детей, натюрморты, изображения городов, строгие силуэты, изумительные репродукции знаменитых художников и множество других изображений современных дизайнеров, способных украсить любую комнату в доме, будь то гостиная, детская, балкон, кухня, спальня или комната отдыха. Подобные настенные декорации широко используются в дизайне интерьеров офисных и иных посещаемых людьми помещений.

Мы предлагаем всем любителям прекрасного - модульные картины, выполненные по современным печатным технологиям или холсты ручной работы с использованием богатых и сочных цветов и оттенков акриловых красок и геля.

Особенности наших модульных картин заключаются в уникальных идеях и решениях. Изображения на холстах значительно отличаются от приевшихся предложений других магазинов. В нашем ассортименте только свежие и уникальные картины современных художников и дизайнеров, работающих в разных стилях и вдохновляющихся интересными находками в сфере искусства со всего мира. Мы в курсе последних трендов и стараемся постоянно обновлять нашу коллекцию.

Благодаря удобному каталогу вы сможете не только выбрать интересующее вас направление, но и цветовую гамму, количество модулей, составляющих единую композицию, а также ценовой диапазон.
Помимо 8 000 готовых предложений каждый желающий сможет заказать картину, отвечающую личным вкусам. Вы сможете самостоятельно выбрать понравившуюся фотографию, а профессиональные художники перенесут изображение на модули, создав гармонию единой картины. Количество, геометрическую форму и размер каждого модуля можно подобрать, также отталкиваясь от индивидуальных предпочтений.

Для правильного выбора картины необходимо учесть следующее:
Размер. Для просторных помещений отличным украшением станут крупные сборные панно с большим количеством и размером модулей (до 8 шт.), а для малогабаритных квартир лучше выбрать компактные варианты. Важно помнить, модульная картина не должна превышать размер объекта мебели, над которым будет расположена.
Цветовая гамма. Выбирать цветовую палитру картины нужно отталкиваясь от цветов, преобладающих в интерьере помещения. Постельные тона идеально дополнят приглушенные тона картины, а иногда и яркие акценты способны внести долю радости.
Сюжет. Сюжет картины, сборной из модулей позволяет дополнить любую комнату в доме, а также офисное помещение.
Размещение. Чтобы картина смотрелась красиво, расстояние между каждым модулем должно составлять несколько сантиметров. Не стоит забывать об этом при приобретении элемента настенного декора для себя или в подарок.

Модульные картины от мастерской «Картина Град» – это яркий акцент для вашего интерьера, сделанный с любовью! Покупайте недорогие модульные картины у нас! Вешайте модульные картины на стену вашего дома!

Модульная составная картина из частей

Составная картина из нескольких частей или как её называют - модульная картина. Украшение дома такой картиной - сегодня есть одно из самых модных направлений в дизайне современных интерьеров.

Модульные составные картины, если они состоят из двух отдельных модулей - картин то их называют - диптих, из трёх соответственно - триптих, а если составных частей больше трёх - полиптих. Художественный стиль этих картин называется - модерн-арт (модерн переводиться как «современный», арт - «живопись», то есть: арт модерн это попросту - «современная картина»). Так что же такое составная картина? Каждая часть такой картины пишется, или чаще всего сегодня печатается на отдельном модуле - холсте.

Модули этой картины крепятся на стену рядом на некотором (предусмотренном художником) расстоянии друг от друга. Способ оформления интерьера с помощью составной картины создает в помещении иллюзию движения, и делает саму картину более живой и настоящей.

Модульные картины (диптих, триптих, полиптих) -тематика такой картины может быть совершенно любой: – природа, натюрморт, графика, город, абстракция, и даже портрет.

Картины выполненные методом печати на холсте станут отличной альтернативой реально написанным картинам ручной работы.
Напечатанные на холсте картины по достоинству оценят любители современных оригинальных тенденций в дизайне интерьера.

Модульные картины своими руками

Такую картину с лёгкостью можно сделать и самому, как говорится своими руками. -Возьмите понравившееся вам изображение нужных размеров и разрежьте его на части, в зависимости от задуманного проекта. В качестве основы для модулей будущей картины можно использовать к примеру, пластины из пенопласта, или толстый картон, на которые и наклеиваются части рисунка. Можно также взять и обычные рамки для фотографий, и вставить части картины в них. Вот и всё, -можно вешать на стену!

Даже самая банальная картина или даже обычный печатный постер порезанный на части - модули превращается в нечто совершенно новое, живое. Такая картина, и вообще любая живопись в стиле арт модерн, моментально превратит любой интерьер в современный и модный.

Интерьер – это внутреннее пространство, с его убранством. В оформлении интерьеров используют разные декоративные элементы. В наше время стали популярны . Их используют в дизайне различных помещений: офисов, ресторанов, квартир, кафе, гостиниц.

Картины из нескольких частей разделенные на некоторое количество сегментов (модулей). Они объединены одним сюжетом, тематикой, идеей. Модульная картина бывает разных видов:

Еще существуют симметричные и асимметричные . В симметричных – модули одинаковые по размерам и с четкими границами. В асимметричных – размер модулей разный и расположение их не совпадает.

Модульные картины в интерьере помещений разных типов

Картины из нескольких частей чаще всего размещают на стенах. Части необходимо расположить на определенном расстоянии. Так панно будет смотреться эффектнее. Если сделать все правильно, то полотно и помещение «оживут». Модульное изображение украсит и подчеркнет стиль квартиры, ресторана, гостиницы, стоит только правильно выбрать и расположить его.

Модульные картины задают настроение помещению, поэтому необходимо подобрать изображение, которое будет соответствовать выбранному помещению. Существуют различные рисунки для гостиных, кухонь, спален, детских, прихожих, коридоров. Также можно подобрать панно для офисов, ресторанов, гостинец. В гостиных можно использовать иллюстрации городских пейзажей, изображения природы. В спальне хорошо смотрятся полотна со сдержанными сюжетами, изображениями пар или цветочных мотивов.

Детскую можно украсить панно с лошадьми, картами, глобусами, цветами или парусником. Для кухни используют рисунки с цветами, натюрмортами или бытовыми зарисовками. Для коридоров или прихожих можно выбрать абстрактные, яркие с контрастными цветами модульные полотна. Для офисов используют картины пастельных тонов, чтобы они украшали кабинет, но не отвлекали. Для кафе или ресторанов используют абстракции, натюрморты.

Иногда люди, которые видят картины, разделенные на несколько частей, задаются вопросом о том, как они называются и где можно приобрести такие современные художественные произведения. Речь идет о модульных картинах – они представляют собой целое изображение, которое разбивается на несколько частей, после чего маленькие картины частями закрепляются на стену, создавая целостную композицию.

Количество модулей в составных картинах может быть самым разным – популярность получили картины диптихи, триптихи, полиптихи (состоящие из двух, трех и большего числа модулей соответственно). Вы сможете купить сборные картины для интерьера в нашем интернет-магазине Allmyart, который предлагает широкий ассортимент современных художественных произведений, а также обладает и другими положительными качествами.

Почему модульные картины так популярны?

Модульные картины из разных частей – еще одно популярное направление в современном искусстве. Они отражают несколько событий одного сюжета, при этом также собираясь в единое целое. Помимо этого, сегментные картины, купить которые вы сможете в интернет-магазине Allmyart уже сегодня, имеют внушительный набор весомых достоинств:

  • Панно из нескольких картин придают интерьеру более привлекательный вид, а также прочно притягивают восхищенные взгляды гостей квартиры и дома, клиентов офиса.
  • Картины, разбитые на части, отлично подходят для использования, как в домашнем интерьере, так и в офисном, настраивая рабочий коллектив на трудовой день.
  • Картина из многих частей может быть использована не только по прямому назначению – большие вертикальные и горизонтальные полотна хорошо скрывают дефекты стен.

Таким образом, использование модульных картин позволяет создать в помещениях комфортную и уютную атмосферу, создать особое настроение и оставить положительное впечатление у гостей.

Достоинства наших модульных картин

Картины, состоящие из нескольких частей, купить которые вы можете в интернет-магазине Allmyart, изготавливаются на нашем собственном производстве. Это определяет следующие достоинства наших современных художественных произведений:

  • Нами может быть изготовлена картина из нескольких фотографий по индивидуальному заказу, и помимо этого мы производим классические варианты изображений, которые придутся по вкусу каждому ценителю прекрасного.
  • Изображение на нескольких картинах, изготовленных в нашей мастерской, остается ярким и глубоким даже на протяжении нескольких лет после производства. Это достигается благодаря специальному финишному лаку, который мы наносим на все холсты после осуществления фотопечати.
  • Картина на нескольких полотнах, купленная в нашем интернет-магазине, обойдется вам существенно дешевле без потери качества.

Спешите купить сегментированные картины для интерьера в интернет-магазине Allmyart, чтобы украсить интерьер дома или офиса современными элементами дизайна!

Домашняя галерея: 10 проверенных вариантов развески картин

Добавить в избранное

Сложно найти более универсальный предмет для украшения дома, чем картины. Этот элемент декора поражает своей способностью вписываться в абсолютно любой интерьер, причем независимо от назначения комнаты и ее стилистики. Хотите полностью изменить настроение помещения? Просто купите несколько красивых картин и создайте настоящую галерею у себя дома. А мы, в свою очередь, поделимся с вами самыми интересными и, главное, проверенными способами их развески.

1. Прямоугольник или квадрат

Для подобной композиции необходимо не меньше трех картин. Они могут быть разными по размеру, горизонтальными или вертикальными. Необязательно соблюдать одинаковое расстояние между ними. Главное, выполнить основное условие – создать контур правильного квадрата или прямоугольника.

2. Идеальный триптих

Если вы хотите развесить группу произведений в гостиной над диваном, присмотритесь к довольно распространенному способу под названием «триптих». Всё что нужно – повесить близко друг к другу три картины в изящных рамах с перекликающимся сюжетом и одной цветовой гаммой. А для того чтобы они гармонично смотрелись в интерьере, подгадайте с размером так, чтобы они в общей композиции повторяли длину дивана.

3. По горизонтали

Возможно, такой вариант не назовешь оригинальным, но тем не менее он имеет право на существование. Лучше всего выбрать картины примерно одного размера и формата и разместить их на стене так, как будто вдоль них проведена невидимая горизонтальная линия. Прекрасный способ украсить интерьер длинной комнаты.

4. По вертикали

Независимо от высоты потолков в квартире, размещение картин по вертикали одна над другой будет довольно выигрышным вариантом. Если потолки низкие, то таким образом вы сможете визуально их приподнять, так как взгляд будет тянуться вверх. Ну а в просторном помещении данный трюк поможет равномерно распределить зрительную нагрузку, и комната не будет казаться неуютной.

5. Шпалерная развеска

Один из самых эффектных способов размещения большого количества картин в интерьере – шпалерная развеска, при которой они занимают всю стену. Здесь нет никаких правил: выбирайте любые рамы (они могут быть как одинаковыми, так и абсолютно разными по форме, материалу, цвету), дополняйте общую композицию зеркалами, постерами, настенными скульптурами, домашними растениями, да всем чем угодно. Если в вашей квартире есть одинокая пустующая стена – обязательно присмотритесь к этой идее развески.

6. Заполняем угол

А почему бы не расположить картины L-образно, то есть украсить ими две смежные стены, задействовав один из углов комнаты. Тоже очень впечатляющий способ устроить домашнюю галерею, который обязательно вызовет массу восторгов у ваших гостей.

7. Задействуем полки

Не хотите портить стены лишними отверстиями? Тогда для вас есть прекрасная альтернатива! Смастерите или приобретите несколько узких настенных полочек, установите их над кроватью или диваном, а затем расставьте на них свои любимые картины, а также семейные фотографии. В данном случае лучше отказаться от огромных полотен, остановившись на небольших компактных вариантах.

8. Строгая симметрия

Здесь речь идет о большой группе картин четного количества (шесть и более), которые выполнены в одном стиле, одной цветовой гамме, заключены в одинаковые рамы и не отличаются по размеру. Вешая их на стену, обратите внимание на симметрию: картины должны располагаться недалеко друг от друга, причем на равном расстоянии как по горизонтали, так и по вертикали.

9. Ассиметрично, но сбалансированно

Полностью противоположный вариант и довольно сложный в исполнении, так как потребуется не только много времени для получения идеального результата, но и наличие хорошего вкуса. Нам нужен микс из картин самых разных форм, размеров и обрамления, но при этом общая картинка должна получиться сбалансированной и гармоничной. Совет: создайте для начала макеты (формочки) из бумаги и непринужденно «поиграйте» ими, прикрепив чем-нибудь к стене и меняя местами.

10. Дополнительные аксессуары

Для того чтобы композиция из картин «ожила», разбавьте ее декоративными предметами. Это могут быть красочные постеры, необычные светильники, дизайнерские изображения голов животных, зеркала, фигурки, настенные тарелки, маски и другие аксессуары. Главное, сохранить целостность общей картины и не переусердствовать с дополнительным украшательством.

Как сочетать яркие фото, постеры и картины в интерьере: 5 советов

 

Привет, читатели блога “Твой дизайнер”! Сегодня я хочу вернуться к насущной теме декорирования интерьера своими руками – с помощью фото и картин. Оформление стен фотографиями, коллажами и постерами – это замечательный способ украсить и оживить ваш интерьер.  

 

Сколько прекрасных снимков мы храним на жестких дисках компьютеров и в социальных сетях! Отберите лучшие кадры, напоминающие вам о счастливых моментах жизни и составьте стильную композицию на стене. Удачных кадров, как правило, не так много, и зачастую все они имеют свою цветовую схему и обработку. В сегодняшней статье – несколько советов о том, как сочетать различные по цвету постеры и фотографии в гармоничной и притягательной фотогалерее.  

 

 1. Правильные рамы

Самый простой способ объединить фотографии различных цветов – подобрать рамы одного цвета, стиля и размера. Если у вас имеются различные по цвету рамы, просто покрасьте их, например, акриловой краской – она хорошо ложится и быстро сохнет.

Если вы хотите оживить интерьер и задействовать большое количество изображений, используйте рамы двух цветов: черные и белые, коричневые и золотые и т.д.

2. Правило трех цветов
Это правило применимо ко многим аспектам декораторского искусства. Я уже упоминала о нем, говоря про оформление стеллажей и полок. Если вы боитесь, что галерея получится слишком пестрой, постарайтесь сочетать не более трех различных цветов + один базовый нейтральный оттенок в своей композиции.
3. Сочетайте изображения с мебелью, декором и текстилем
Многоцветная яркая композиция будет смотреться гармонично, если основные цвета фотографий и картин будут перекликаться с подушками, обивкой мебели, ковром, шторами.
4. Черно-белые + цветные

Вы можете сочетать в одной галерее как монохромные, так и цветные фотографии, если все они будут объединены единой тематикой. Например, к фотографиям из отпуска в Европе вы можете добавить черно-белые снимки Эйфелевой башни или старые репортажные снимки Парижа. Портреты ваших бабушек и дедушек будут прекрасно смотреться рядом с современными снимками вашей семьи.

5. Яркая эклектика для неординарного интерьера
Если вы хотите сделать ваш интерьер ярким и запоминающимся, если вы не боитесь экспериментов, пусть вас не смущают пестрые фотографии и картины, вставленные в рамы разных цветов, форм и стилей. Подобные сочетания создают модный интерьер в стиле эклектика, привлекающий творческих натур и придающий квартире оживленную атмосферу.

 

 

 

 

В нашем блоге вы также можете узнать пару секретов о том, как развесить фотографии и картины на стене быстро и без лишних отверстий в стене. Оставайтесь с нами – подписывайтесь на обновления блога!  

Читайте также:

Как эффектно разместить картины в гостиной: 10 советов и идей

1 Смоделируйте расположение

Дизайн интерьера: INTRO INRED

Если вам по душе какая-то картина в магазине, не спешите с ее покупкой до того, как определите для нее подходящее место. Измерьте размеры картины и вырежьте макет из картона или бумаги. После этого приложите этот макет в разных локациях — над диваном, комодом или камином. Рассчитайте высоту и будьте готовы даже подвигать мебель, прежде чем найдете для картины или композиции из картин то самое нужное место.

2 Подберите пропорции

Фото: Desenio

Картина должна быть пропорционально соразмерна мебели в гостиной: это очень важно для общей композиции интерьера и зрительного восприятия. Она не должна теряться на фоне мебели или забирать на себя все внимание.

Считается, что картина размещена оптимально, если ее боковые границы немного короче мебели, над которой она находится. Это же касается и композиций из картин или фотографий. Исключением является тот вариант, когда дизайнер заполняет всю стену картинами по принципу галереи (сейчас это модный микротренд), но при этом остальные стены должны быть совершенно свободными.

3 Подумайте о фоне

Дизайн интерьера: студия Enjoy Home

Если вы действуете не вышеописанному принципу музея, то около каждой картины необходимо создать некое «буферное пространство» для расслабления зрительного восприятия. Такой прием позволит наиболее органично вписать картины в интерьер гостиной.

4 Составьте сюжет

Образно выделите центр картины или композиции так, чтобы срединная горизонтальная линия картины совпадала с фокусом взгляда. Самый простой способ — повесить картину или несколько картин по центру стены. Изображение и стилистику сюжета подберите под стиль и концепцию интерьера: например, классика дружит с симметрией и более строгими линиями, а современные стили сочетаются с более смелыми цветовыми гаммами и образами.

Дизайн интерьера: Юлия Веселова

Избегайте расположения картин вблизи высоких шкафов и ниже 60 см от плинтуса: если хотите низко — лучше просто поставьте картину, прислонив ее к стене. Учтите, что большие вертикальные изображения способны визуально увеличить объем комнаты или стены, а слишком маленькие картины будут выглядеть не очень органично на пустой стене.

5 Масштабная композиция

Дизайн интерьера: Domus Nova

Если у вас достаточно места на стене, чтобы разместить большое количество небольших картин или постеров, к этой хадаче лучше подойти с подготовкой. Не торопитесь и соберите идеальную композицию из произведений искусства в разных стилях. В идеале нужно экспериментировать с будущей развеской, раскладывая композицию на полу и выбирая асимметричный сценарий, при котором крупные изображения собирают вокруг себя малоформатные иллюстрации.

6 Группа картин в углу

Дизайн интерьера: MOODERN

Углы — слабое место во многих квартирах, но если после угла есть небольшой пустой простенок — это ваш случай. Здесь будет и своя линия симметрии — стык между стенами: при этом композиция вытянется в одну сторону по горизонтали, а по другую займет место в простенке.

7 Картины на полках

Дизайн интерьера: Esther Hershcovich

Одна из самых простых схем, которая позволяет гармонично расставить фотографии в рамах, — организовать их на нескольких узких горизонтальных полках. Например, заполнить таким образом нишу или расстояние между шкафами. Расставить картины можно одну к другой или даже внахлест.

8 Галерейная развеска

Дизайн интерьера: David Rausch Studio

Этот музейный прием, при котором изображения крепят на лески, часто используют в тех случаях, когда нет возможности сверлить стены в десяти местах. Для квартиры есть более простой и оригинальный прием — натянуть лески в пространстве большой рамы, а картины повесить симметрично в ней.

9 От пола до потолка

Дизайн интерьера: Elaine Musiwa

Эту вертикальную стратегию тоже можно взять на вооружение, если вас не пугают смелые эксперименты. Очевидное преимущество такого подхода — коллекцию можно дополнять и видоизменять по настроению, не боясь, что схема развалится, если изъять из нее какой-нибудь фрагмент.

10 Над дверью

Дизайн интерьера: Adam Butler Photography

Обычно фотографии и картины советуют размещать на уровне глаз, чтобы их было удобно разглядывать, но мир дизайна знает и более хитрые приемы. Например, слишком высокие потолки в гостиной (и такое бывает!) можно визуально опустить, если развесить изображения под самым потолком — над линией шкафов или дверных проемов.

Как развесить картины в интерьере

Категория: Архитектурная композиция

Здравствуйте, дорогие пользователи школы дизайна studyas. com! Сегодня на уроке вы узнаете, как красиво и гармонично развесить картины в интерьере различных комнат и заполнить ими пустую стену(ы). Ведь, зачастую, картины в интерьере вешают там, где стена не имеет декора, то сегодня мы также рассмотрим основные правила, как лучше вписать их в пустую стену.

Как развесить картины в интерьере правильно и красиво – этот вопрос неизбежно возникает у многих, после окончания ремонта или всех основных стадий проекта, когда возможно приступить к непосредственному декорированию дома или квартиры. Безусловно, если вам нужно развесить одну-две картины, и для которых место уже определено, такой задачи у вас не появится. Но когда их несколько, либо вы пожелаете устроить галерею семейных фото, определенные секреты правильного расположения картин в интерьере вам не помешают.

Запомните самое важное правило, что картины вовсе не должны быть дорогостоящими, чтобы удивлять. В интерьере этой гостиной видно отчетливо, что основную роль в дизайне интерьера играют именно картины. Они очень простые, выполнены в ярких, свежих тонах, перекликающихся с мебелью (цвет паспарту), стена же подчеркнуто нейтральная. Результат – в комнате создается уютный светлый центр, обнесённый настоящим вернисажем.

А в дизайне интерьеров американцев довольно популярен приём art wall – т. е. стена, всецело увешанная картинами. Необязательно помещать на стену произведения искусства – можно сотворить art wall при помощи фото (в т. ч. семейных), постеров, рекламных винтажных плакатов и т.д. Такое решение используется в основном в современных интерьерах.

Подбор картин

Правильно подобранная и размещённая картина(ы) способна структурировать интерьер:

  • когда помещение поделено на зоны, тогда она обращает внимание на зонирование; 
  • при очень пустой стене, она исправит положение; 
  • если для помещения характерна симметричность, то картина в центре обязательно её подчеркнёт. 

Вообще картины подбираются и развешиваются в интерьере по правилам архитектурной композиции. Они подбираются и размещаются исходя из пропорций стен комнаты, цвета, по принципам симметрии-асимметрии, равновесия и т.д. По-хорошему, для их правильного подбора и расположения нужно иметь хорошо намётанный глаз. Но никто не запрещает вам попробовать самостоятельно разобраться в этом вопросе, главное соблюдайте определённые правила.

В первую очередь форму, размеры и расположение картин нам диктует сама стена, на которой их планируется развесить. Это как чистый холст для художника, и его нужно интересно и красиво заполнить по всем правилам композиции. 

Большое свободное пространство стены требует большого заполнения. Это может быть одна большая, либо несколько маленьких, сгруппированных в единый композиционный элемент, картин, фото и т.д. При этом нужно обязательно учитывать пропорции стены. Для высоких стен выбирают высокие картины или группируют вертикальный ряд маленьких, для горизонтальных - ряд вытянутых.

Группировка картин

Симметричная. Когда одна большая картина расположена точно в центре – это обращает внимание на общую симметрию интерьера. Если мы мысленно переместим её влево или вправо (на фото ниже) – мы обнаружим, что гармония уже будет нарушена.

Но можно использовать несколько меньших по размеру картин, и группировать их в симметричные и асиметричные группы. В симметричные группы принято собирать самые интересные и красивые предметы искусства или фото, которые вы будете с удовольствием рассматривать.

При развешивании на одной стене нескольких картин достигается интересное явление ритмизации всего пространства. Правило это выполнимо преимущественно в интерьерах со сдержанным цветовым исполнением. А если у картин и фото рамки одинаковые, то вся группа ещё больше будет восприниматься единой серией.

А если все картинки одного размера и расположены в строгой симметрии, интерьер в итоге получается более стабильным и строгим. Обратите внимание, над длинным диваном свободная стена декорирована тремя абстрактными картинами. Вообразим эту стену без них – и поразимся, какое большое значение они внесли в общий дизайн. Отсюда можно сделать заключение:

- Три большие картины одинаковой высоты, которые развешены в ряд, свободную стену делают очень живой и интересной.

Асимметричная. Асимметричное расположение более характерно для заполнения пустующего пространства стены, а не для экспозиции любимых произведений или фотографий. Коллекции произведений искусства и фото различных форм и размеров могут быть организованы с большим интересом. Секрет в том, чтобы они хорошо сочетались друг с другом. Можно выдерживать расстояние между предметами группы или вообще перекрывать их одна другой для создания непринужденной атмосферы.

Благодаря фотографиям разного размера и их асимметричного размещения появляется явная динамика в интерьере.

Тут нужно заметить, что картины повешены асимметрично и имеют разный размер, однако динамики не появляется потому как они весьма большие и каждой из них принадлежит как бы своя часть стены, они не образуют единой полосы или линии.

Делают это, дабы картины друг друга не перебивали, и чтобы можно было полюбоваться каждой в отдельности. Поэтому крупные произведения искусства правильнее развешивать друг от друга на расстоянии и асимметрично.

Следовательно, сделаем небольшой вывод из вышесказанного:

- Асимметричное размещение и разный размер картин делают интерьер динамичным, а один размер и симметрия, напротив, привносят строгость и устойчивость в интерьер.

Правило это особо актуально в отношении монохромных и чёрно-белых фото или картин.

Угловая. Весьма удачный дизайнерский и декораторский прием, когда картины формируют угол, благодаря чему эта зона в кабинете оказывается завершенной.

А если вы пожелаете в гостиную установить угловой диван, возьмите на вооружение этот приём – возможно, как раз «угловая» картина закончит деление на зоны ваш интерьер.

Вовсе не обязательно развешивать свои картины или фотографии на уровне глаз. Вполне можно использовать их просто как предмет заполнения свободного пространства стен, выкладывая из них целые участки стен.

Но часто картины в интерьере не развешивают, а просто ставят на какой-либо предмет, например: камин, столик, полки. Такой приём позволяет собрать воедино разные по размерам произведения искусства за счёт одинакового основания (уровня), на котором они находятся.

Вообще группировать между собой можно не только картины или фотографии, но также и зеркала. Вот такие интересные элементы группировки предметов искусства и зеркала можно достичь, используя зеркало как центральный элемент в подобной композиции.

Или вообще можно использовать только зеркала в качестве картин, т.е. вместо них. Такой приём особенно хорошо подойдёт для тёмных и маленьких помещений. Ведь всем известно, что зеркала отражают свет и добавляют блеска в интерьер.

В тоже время, обязательно оставляйте достаточно свободного пространства стены между картинами (или зеркалами) и другими предметами и элементами интерьера. Это также важно, как и размещение и группировка их самих.

Прекрасный эффект получается, когда оттенки произведений искусства хорошо сочетаются и перекликаются с оттенками остальных аксессуаров и предметов вашего интерьера. Это делает пространство всецело гармоничным и завершённым.

А чтобы вам было удобнее подбирать и размещать картины для интерьера, «примеряйте» их на полу. Лично я всегда выкладываю и группирую их на полу, так всегда намного легче и проще сгруппировать как надо разные картины и сразу увидеть конечный результат.

Похожие материалы:

♥ Если вам понравилась эта статья, пожалуйста, нажмите кнопку вашей любимой социальной сети:

Добавить комментарий

TOP-30 cамых дорогих художников XX века

Больше, чем искусство, или просто бизнес?

 

 

 

Автор

Поль Сезанн

Страна Франция
Годы жизни 1839–1906
Стиль постимпрессионизм

 Художник родился на юге Франции в небольшом городке Экс-ан-Прованс, но живописью стал заниматься в Париже. Настоящий успех пришел к нему после персональной выставки, организованной коллекционером Амбруазом Волларом. В 1886 году, за 20 лет до своего ухода, он перебрался на окраину родного города. Поездки к нему молодые художники называли «паломничеством в Экс».

130х97 см
1895 год
стоимость
$250 млн
продана в 2012 году
на частных торгах

Творчество Сезанна понять легко. Единственным правилом художника была прямая передача предмета или сюжета на холст, поэтому его картины не вызывают недоумения зрителя. Сезанн соединил в своем искусстве две главные французские традиции: классицизм и романтизм. С помощью красочной фактуры он придавал форме предметов удивительную пластичность.

Серия из пяти картин «Игроки в карты» написана в 1890–1895 годах. Сюжет их одинаков – несколько людей увлеченно играют в покер. Отличаются работы только количеством игроков и размерами холста.

Четыре картины хранятся в музеях Европы и Америки (Музей д’Орсе, Метрополитен-музей, Фонд Барнса и Институт искусств Курто), а пятая до недавнего времени была украшением частной коллекции греческого миллиардера-судовладельца Георга Эмбирикоса. Незадолго до своей смерти, зимой 2011 года, он решил выставить ее на продажу. Потенциальными покупателями «свободной» работы Сезанна стали арт-дилер Уильям Аквавелла и галерист с мировым именем Ларри Гагосян, предлагавшие за нее около 220 млн долларов. В результате картина досталась королевской семье арабского государства Катар за 250 млн. Крупнейшая арт-сделка в истории живописи была закрыта в феврале 2012 года. Об этом в Vanity Fair сообщила журналистка Александра Пирс. Она узнала стоимость картины и имя нового владельца, а затем информация проникла в СМИ всего мира.

В 2010 году в Катаре открылись Арабский музей современного искусства и Катарский национальный музей. Сейчас их коллекции пополняются. Возможно, пятая версия «Игроков в карты» приобретена шейхом с этой целью.

Самая дорогая картина в мире


Владелец
Шейх Хамад
бин Халифа аль-Тани

Династия аль-Тани правит Катаром более 130 лет. Около полувека назад здесь были обнаружены огромные запасы нефти и газа, что вмиг сделало Катар одним из богатейших регионов мира. Благодаря экспорту углеводородов в этой маленькой стране зафиксирован самый большой ВВП на душу населения. Шейх Хамад бин Халифа аль-Тани в 1995 году, пока отец находился в Швейцарии, при поддержке членов семьи захватил власть. Заслуга действующего правителя, по мнению экспертов, в четкой стратегии развития страны, создании успешного имиджа государства. Сейчас в Катаре появились конституция и премьер-министр, а женщины получили право голоса на парламентских выборах. Кстати, именно эмир Катара основал новостной канал «Аль-Джазира». Огромное внимание власти арабского государства уделяют культуре.

 

 

Автор

Джексон Поллок

Страна США
Годы жизни 1912–1956
Стиль абстрактный экспрессионизм

Джек Разбрызгиватель – такое прозвище Поллоку дала американская публика за особую технику живописи. Художник отказался от кисти и мольберта, а краску разливал по поверхности холста или фибролита во время непрерывного движения вокруг и внутри них. С ранних лет он увлекался философией Джидду Кришнамурти, главный посыл которой – истина открывается во время свободного «излияния».

122х244 см
1948 год
стоимость
$140 млн
продана в 2006 году
на аукционе Sotheby’s

Ценность работ Поллока – не в результате, а в процессе. Автор не случайно называл свое искусство «живописью действия». С его легкой руки оно стало главным достоянием Америки. Джексон Поллок смешивал краску с песком, битым стеклом, а писал куском картона, мастихином, ножом, совком. Художник был настолько популярен, что в 1950-х подражатели нашлись даже в СССР. Картина «Номер 5» признана одной из самых странных и дорогих в мире. Один из создателей компании DreamWorks Дэвид Геффен приобрел ее для частной коллекции, а в 2006 году продал на аукционе Sotheby`s за 140 млн долларов мексиканскому коллекционеру Дэвиду Мартинесу. Однако вскоре юридическая фирма от имени своего клиента выпустила пресс-релиз, где сообщалось, что Дэвид Мартинес не является владельцем картины. Доподлинно известно только одно: мексиканский финансист действительно в последнее время коллекционировал произведения современного искусства. Вряд ли он упустил бы такую «крупную рыбу», как «Номер 5» Поллока.

 

 

Автор

Виллем де Кунинг

Страна США
Годы жизни 1904–1997
Стиль абстрактный экспрессионизм

Выходец из Нидерландов, он эмигрировал в США в 1926 году. В 1948-м состоялась персональная выставка художника. Арт-критики оценили сложные, нервные черно-белые композиции, признав в их авторе великого художника-модерниста. Большую часть жизни он страдал алкоголизмом, но радость создания нового искусства чувствуется в каждой работе. Де Кунинга отличает импульсивность живописи, широкие мазки, из-за чего порой изображение не умещается в границах холста.

121х171 см
1953 год
стоимость
$137 млн
продана в 2006 году
на частных торгах

В 1950-х на картинах де Кунинга появляются женщины с пустыми глазами, массивной грудью, уродливыми чертами лица. «Женщина III» стала последней работой из этой серии, участвующей в торгах.

С 1970-х годов картина хранилась в Тегеранском музее современного искусства, однако после введения жестких правил морали в стране от нее стремились избавиться. В 1994-м работа была вывезена из Ирана, а еще через 12 лет ее владелец Дэвид Геффен (тот самый продюсер, который продал полотно Джексона Поллока «Номер 5») уступил картину миллионеру Стивену Коэну за 137,5 млн долларов. Интересно то, что Геффен в один год стал распродавать свою коллекцию живописи. Это породило массу слухов: например, что продюсер решил купить газету Los Angeles Times.

На одном из арт-форумов было высказано мнение о сходстве «Женщины III» с картиной Леонардо да Винчи «Дама с горностаем». За зубастой улыбкой и бесформенной фигурой героини ценитель живописи разглядел грацию особы королевских кровей.  Об этом говорит и плохо прорисованная корона, венчающая голову женщины.

 

 

Автор

Густав Климт

Страна Австрия
Годы жизни 1862–1918
Стиль модерн

 Густав Климт родился в семье художника-гравера и был вторым из семи детей. Три сына Эрнеста Климта стали художниками, а прославился на весь мир только Густав. Большую часть детства он провел в бедности. После смерти отца на него легла ответственность за всю семью. Именно в это время Климт развивает свой стиль. Перед его картинами замирает любой зритель: под тонкими мазками золота отчетливо виден откровенный эротизм.

138х136 см
1907 год
стоимость
$135 млн
продана в 2006 году
на аукционе Sotheby’s

Судьба картины, которую называют «Австрийской Моной Лизой», легко может стать основой для бестселлера. Работа художника стала причиной конфликта целого государства и одной пожилой дамы.

Итак, на «Портрете Адели Блох-Бауэр I» изображена  аристократка, жена Фердинанда Блоха. Ее последней волей было передать картину австрийской государственной галерее. Однако Блох в своем завещании отменил дарение, и полотно экспроприировали нацисты. Позже галерея с трудом выкупила «Золотую Адель», но тут объявилась наследница – Мария Альтман, племянница Фердинанда Блоха.

В 2005 году начался громкий процесс «Мария Альтман против Австрийской республики», по итогам которого картина «уехала» вместе с ней в Лос-Анджелес. Австрия приняла беспрецедентные меры: велись переговоры о займах, население жертвовало деньги, чтобы выкупить портрет. Добро так и не победило зло: цену Альтман подняла до 300 млн долларов. На момент разбирательства ей было 79 лет, и она вошла в историю как человек, изменивший волю Блох-Бауэр в пользу личных интересов. Картина была приобретена Рональдом Лаудерем, владельцем «Новой галереи» в Нью-Йорке, где и находится по сей день. Не для Австрии, для него Альтман снизила цену до 135 млн долларов.

 

 

Автор

Эдвард Мунк

Страна Норвегия
Годы жизни 1863–1944
Стиль экспрессионизм

Первая картина Мунка, ставшая известной во всем мире, – «Больная девочка» (существует в пяти экземплярах) – посвящена сестре художника, умершей от туберкулеза в возрасте 15 лет. Мунка всегда интересовала тема смерти и одиночества. В Германии его тяжелая, маниакальная живопись даже спровоцировала скандал. Однако, несмотря на депрессивные сюжеты, его картины обладают особым магнетизмом. Взять хотя бы «Крик».

73,5х91 см
1895 год
стоимость
$119,992 млн
продана в 2012 году
на аукционе Sotheby’s

Полное название картины – Der Schrei der Natur (в переводе с немецкого – «крик природы»). Лицо то ли человека, то ли инопланетянина выражает отчаяние и панику – эти же эмоции испытывает зритель при взгляде на картину. Одно из ключевых произведений экспрессионизма предупреждает темы, ставшие острыми в искусстве XX века. По одной из версий, художник создал ее под влиянием психического расстройства, которым страдал всю жизнь.

Картина дважды была украдена из разных музеев, но ее возвращали. Получивший небольшие повреждения после кражи «Крик» отреставрировали, и он снова был готов к показу в Музее Мунка в 2008 году. Для представителей поп-культуры произведение стало источником вдохновения: Энди Уорхол создал серию его принтов-копий, а маска из фильма «Крик» сделана по образу и подобию героя картины.

На один сюжет Мунк написал четыре версии произведения: та, что находится в частной коллекции, выполнена пастелью. Норвежский миллиардер Петтер Олсен выставил ее на аукцион 2 мая 2012 года. Покупателем стал Леон Блэк, не пожалевший за «Крик» рекордной суммы. Основатель компаний Apollo Advisors, L.P. и Lion Advisors, L.P. известен своей любовью к искусству. Блэк – покровитель колледжа Дартмута, Музея современного искусства, Арт-центра Линкольна, Столичного музея искусств. Он обладает крупнейшей коллекцией картин современных художников и классических мастеров прошлых столетий.

 

 

«Обнаженная на фоне бюста и зеленых листьев»

Автор

Пабло Пикассо

Страна Испания, Франция
Годы жизни 1881–1973
Стиль кубизм

По происхождению он испанец, а по духу и месту жительства – настоящий француз. Собственную художественную студию Пикассо открыл в Барселоне, когда ему было всего 16 лет. Потом он уехал в Париж и провел там большую часть жизни. Именно поэтому в его фамилии двойное ударение. В основе стиля, придуманного Пикассо, лежит отрицание мнения, что изображенный на холсте предмет можно рассматривать только под одним ракурсом.

130х162 см
1932 год
стоимость
$106,482 млн
продана в 2010 году
на аукционе Christie’s

Во время своей работы в Риме художник встретил танцовщицу Ольгу Хохлову, ставшую вскоре его женой. Он покончил с бродяжничеством, переехал вместе с ней в роскошную квартиру. К тому времени признание нашло героя, а вот брак был разрушен. Одна из самых дорогих картин мира создана почти случайно – по большой любви, которая, как всегда у Пикассо, была недолгой. В 1927 году он увлекся юной Мари-Терез Вальтер (ей было 17 лет, ему – 45). Втайне от жены уехал с любовницей в городок под Парижем, где и написал портрет, изобразив Мари-Терез в образе Дафны. Полотно приобрел нью-йоркский дилер Поль Розенберг, а в 1951 году продал его Сидни Ф. Броуди. Супруги Броуди показали картину миру всего однажды и только потому, что художнику исполнялось 80 лет. После смерти мужа госпожа Броуди в марте 2010 года выставила произведение на торги в доме Christie’s. За шесть десятилетий цена выросла более чем в 5000 раз! Неизвестный коллекционер приобрел ее за 106,5 млн долларов. В 2011 году в Британии состоялась «выставка одной картины», где она увидела свет во второй раз, а вот имя владельца до сих пор неизвестно.

 

 

Автор

Энди Уорхол

Страна США
Годы жизни 1928-1987
Стиль
поп-арт

«Секс и вечеринки – это единственные места, где нужно появляться собственной персоной», – говорил культовый художник поп-арта, режиссер, один из основателей журнала Interview, дизайнер Энди Уорхол. Он работал с Vogue и Harper`s Bazaar, оформлял обложки пластинок, придумал обувь для компании I.Miller. В 1960-х появились картины с изображением символов Америки: супа Campbell`s и Coca-Cola, Пресли и Монро – сделавшие его легендой.

358х208 см
1963 год
стоимость
$100 млн
продана в 2008 году
на частных торгах

Уорхоловские 60-е – так называли эпоху поп-арта в Америке. В 1962 году он работал на Манхэттене в студии «Фабрика», где собиралась вся богема Нью-Йорка. Яркие ее представители: Мик Джаггер, Боб Дилан, Трумен Капоте и другие известные в мире личности. В то же время Уорхол опробовал технику шелкографии – многократного повтора одного изображения. Этот метод он использовал и при создании «Восьми Элвисов»: зритель словно видит кадры из кино, где звезда оживает. Здесь есть все, что так любил художник: беспроигрышный публичный образ, серебряный цвет и предчувствие смерти как главный посыл.

Есть два арт-дилера, продвигающих сегодня творчество Уорхола на мировом рынке: Ларри Гагосян и Альберто Муграби. Первый в 2008 году потратил 200 млн долларов на приобретение более 15 работ Уорхола. Второй покупает и продает его картины как рождественские открытки, только дороже. Но не они, а скромный французский арт-консультант Филипп Сегало помог римскому ценителю искусства Аннибале Берлингьери продать неизвестному покупателю «Восемь Элвисов» за рекордную для Уорхола сумму – 100 млн долларов.

 

 

Автор

Марк Ротко

Страна США
Годы жизни 1903–1970
Стиль абстрактный экспрессионизм

 Один из создателей живописи цветового поля родился в Двинске, Россия (сейчас – Даугавпилс, Латвия), в многодетной семье еврейского фармацевта. В 1911 году они эмигрировали в США. Ротко обучался на художественном факультете Йельского университета, добился стипендии, но антисемитские настроения вынудили его оставить учебу. Несмотря ни на что, арт-критики боготворили художника, а музеи преследовали всю жизнь.

206х236 см
1961 год
стоимость
$86,882 млн
продана в 2012 году
на аукционе Christie’s

Первые художественные опыты Ротко были сюрреалистической направленности, но со временем он упростил сюжет до цветовых пятен, лишив их всякой предметности. Сначала они имели яркие оттенки, а в 1960-е налились коричневым, фиолетовым, сгустившись до черного ко времени смерти художника. Марк Ротко предостерегал от поиска любого смысла в своих картинах. Автор хотел сказать ровно то, что сказал: только цвет, растворяющийся в воздухе, и ничего больше. Он рекомендовал смотреть на произведения с расстояния 45 см, чтобы зрителя «затягивало» в цвет, как в воронку. Осторожно: просмотр по всем правилам может привести к эффекту медитации, то есть постепенно приходят осознание бесконечности, полная погруженность в себя, расслабление, очищение. Цвет в его картинах живет, дышит и оказывает сильнейшее эмоциональное воздействие (говорят, иногда – целительное). Художник заявлял: «Зритель должен плакать, глядя на них», – и такие случаи действительно были. По теории Ротко, в этот момент люди проживают тот же духовный опыт, что и он в процессе работы над картиной. Если вы сумели понять его на таком тонком уровне, то не удивитесь тому, что эти произведения абстракционизма критики часто сравнивают с иконами.

Работа «Оранжевое, красное, желтое» выражает всю суть живописи Марка Ротко. Ее начальная стоимость на аукционе Christie’s в Нью-Йорке 35–45 млн долларов. Неизвестный покупатель предложил цену, вдвое превышающую эстимейт. Имя счастливого обладателя картины, как это часто бывает, не разглашается.

 

 

Автор

Фрэнсис Бэкон

Страна
Великобритания
Годы жизни 1909–1992
Стиль экспрессионизм

Приключения Фрэнсиса Бэкона, полного тезки и к тому же дальнего потомка великого философа, начались, когда отец отрекся от него, не в силах принять гомосексуальных наклонностей сына. Бэкон уехал сначала в Берлин, потом в Париж, а затем его следы путаются по всей Европе. Еще при жизни его работы экспонировались в ведущих культурных центрах мира, среди которых Музей Гуггенхайма и Третьяковская галерея.

147,5х198 см (каждый)
1976 год
стоимость
$86,2 млн
продан в 2008 году
на аукционе Sotheby’s

Престижные музеи стремились обладать картинами Бэкона, а вот чопорная английская публика не спешила раскошелиться на такое искусство. Легендарный премьер-министр Великобритании Маргарет Тэтчер говорила о нем: «Человек, который рисует эти ужасающие картины».

Отправным периодом в своем творчестве сам художник считал послевоенное время. Вернувшись со службы, он вновь занялся живописью и создал главные шедевры. До участия «Триптиха, 1976» в торгах самой дорогой работой Бэкона был «Этюд к портрету Папы Иннокентия X» (52,7 млн долларов). В «Триптихе, 1976» художник изобразил мифический сюжет преследования Ореста фуриями. Разумеется, Орест – это сам Бэкон, а фурии – его терзания. Более 30 лет картина находилась в частной коллекции и не участвовала в выставках. Этот факт придает ей особую ценность и, соответственно, повышает стоимость. Но что такое несколько миллионов для ценителя искусства, да еще и по-русски щедрого? Роман Абрамович начал создавать свою коллекцию в 1990-х годах, в этом на него значительно повлияла подруга Даша Жукова, ставшая в современной России модной галеристкой. По неофициальным данным, в личном владении бизнесмена есть работы Альберто Джакометти и Пабло Пикассо, купленные за суммы, превышающие 100 млн долларов. В 2008 году он стал обладателем «Триптиха». Кстати, в 2011 году была приобретена еще одна ценная работа Бэкона – «Три наброска к портрету Люсьена Фрейда». Скрытые источники говорят, что покупателем вновь стал Роман Аркадьевич.

 

 

Автор

 Клод Моне

Страна Франция
Годы жизни 1840–1926
Стиль импрессионизм

Художник признан родоначальником импрессионизма, «запатентовавшим» этот метод в своих полотнах. Первой значительной работой стала картина «Завтрак на траве» (оригинальная версия произведения Эдуарда Мане). В юности он рисовал карикатуры, а настоящей живописью занялся во время своих путешествий по побережью и на открытом воздухе. В Париже вел богемный образ жизни и не оставил его даже после службы в армии.

210х100 см
1919 год
стоимость
$80,5 млн
продана в 2008 году
на аукционе Christie’s

Кроме того, что Моне был великим художником, он еще и увлеченно занимался садоводством, обожал живую природу и цветы. В его пейзажах состояние природы сиюминутно, предметы как будто размыты движением воздуха. Впечатление усиливается за счет крупных мазков, с определенного расстояния они становятся незаметными и сливаются в фактурное, объемное изображение. В живописи позднего Моне особое место занимает тема воды и жизни в ней. В местечке Живерни у художника был собственный пруд, где он выращивал кувшинки из семян, специально привезенных им из Японии. Когда их цветки распускались, он приступал к рисованию. Серия «Кувшинки» состоит из 60 работ, которые художник писал на протяжении почти 30 лет, до самой смерти. Его зрение с возрастом ухудшалось, но он не останавливался. В зависимости от ветра, времени года и погоды вид пруда постоянно менялся, эти перемены и хотел запечатлеть Моне. Через тщательную работу к нему приходило понимание сути природы. Некоторые из полотен серии хранятся в ведущих галереях мира: Национальный музей западного искусства (Токио), Оранжери (Париж). Версия очередного «Пруда с кувшинками» ушла в руки неизвестного покупателя за рекордную сумму.

 

 

Автор

 Джаспер Джонс

Страна США
Год рождения 1930
Стиль поп-арт

В 1949 году Джонс поступил в дизайнерскую школу в Нью-Йорке. Наравне с Джексоном Поллоком, Виллемом де Кунингом и другими он признан одним из главных художников XX века. В 2012 году получил «Президентскую медаль свободы» – высшую гражданскую награду США.

137,2х170,8 см
1959 год
стоимость
$80 млн
продана в 2006 году
на частных торгах

Как и Марсель Дюшан, Джонс работал с реальными предметами, изображая их на холсте и в скульптуре в полном соответствии с оригиналом. Для своих работ он использовал простые и понятные всем предметы: пивную бутылку, флаг или карты. В картине False Start нет четкой композиции. Художник словно играет со зрителем, часто «неверно» подписывая цвета на картине, переворачивая само понятие цвета: «Я хотел найти способ изобразить цвет так, чтобы он мог быть определен каким-то другим методом». Его самая взрывная и «неуверенная в себе», по мнению критиков, картина была приобретена неизвестным покупателем.

 

 

 

Автор

Амедео Модильяни

Страна Италия, Франция
Годы жизни 1884–1920
Стиль экспрессионизм

Модильяни с самого детства часто болел, во время лихорадочного бреда он распознал свое предназначение художника. Учился рисованию в Ливорно, Флоренции, Венеции, а в 1906 году уехал в Париж, где и расцвело его искусство.

65х100 см
1917 год
стоимость
$68,962 млн
продана в 2010 году
на аукционе Sotheby’s

В1917 году Модильяни встретил 19-летнюю Жанну Эбютерн, которая стала его моделью, а потом и женой. В 2004-м один из ее портретов был продан за 31,3 млн долларов, что стало последним рекордом перед продажей «Сидящей обнаженной на диване» в 2010 году. Картину приобрел неизвестный покупатель за максимальную для Модильяни на данный момент цену. Активные продажи работ начались только после смерти художника. Он умер в нищете, больной туберкулезом, а на следующий день с собой покончила и Жанна Эбютерн, пребывавшая на девятом месяце беременности.

 

 

 

 

 

Автор

Ци Байши

Страна Китай
Годы жизни 1864–1957
Стиль гохуа

Интерес к каллиграфии привел Ци Байши к живописи. В 28 лет он стал учеником художника Ху Циньюаня. Министерство культуры Китая присвоило ему титул «Великого художника китайского народа», в 1956 году он получил Международную премию мира.

10х26 см
1946 год
стоимость
$65,4 млн
продана в 2011 году
на аукционе China Guardian

Ци Байши интересовался теми проявлениями окружающего мира, которым многие не придают значения, и в этом его величие. Человек без образования стал профессором и выдающимся творцом в истории. Пабло Пикассо говорил о нем: «Я боюсь ехать в вашу страну, ведь в Китае есть Ци Байши». Композиция «Орел на сосне» признана самым крупным произведением художника. Кроме полотна, она включает в себя два иероглифических свитка. Для Китая сумма, за которую куплено произведение, представляет рекорд – 425,5 млн юаней. Только свиток древнего каллиграфа Хуан Тинцзяня был продан за 436,8 млн.

 

 

Автор

Клиффорд Стилл

Страна США
Годы жизни 1904–1980
Стиль абстрактный экспрессионизм

В 20 лет посетил Метрополитен-музей в Нью-Йорке и был разочарован. Позже записался на курс студенческой лиги искусств, но ушел через 45 минут после начала занятия – оказалось «не его». Первая персональная выставка вызвала резонанс, художник нашел себя, а вместе с этим и признание

79х93 см
1949 год
стоимость
$61,7 млн
продана в 2011 году
на аукционе Sotheby’s

Все свои работы, а это более 800 холстов и 1600 произведений на бумаге, Стилл завещал американскому городу, где будет открыт музей его имени. Таким городом стал Денвер, но только строительство обходилось властям дорого, и для его завершения четыре работы были выставлены на аукцион. Произведения Стилла вряд ли будут участвовать в торгах когда-либо еще, что заранее повысило их цену. Картина «1949-A-No.1» продана за рекордную для художника сумму, хотя эксперты прогнозировали продажу максимум за 25–35 млн долларов.

 

 

 

 

 

Автор

Казимир Малевич

Страна Россия
Годы жизни 1878–1935
Стиль супрематизм

Малевич учился живописи в Киевской художественной школе, затем в Московской академии искусств. В 1913 году начал писать абстрактно-геометрические картины в стиле, который назвал супрематизмом (от лат.  «доминирование»).

71х 88,5 см
1916 год
стоимость
$60 млн
продана в 2008 году
на аукционе Sotheby’s

В городском музее Амстердама картина хранилась около 50 лет, но после 17-летнего спора с родственниками Малевича музей отдал ее. Художник написал эту работу в один год с «Манифестом супрематизма», поэтому на Sotheby`s еще до торгов объявили, что менее чем за 60 млн долларов она не уйдет в частную коллекцию. Так и случилось. Смотреть на нее лучше сверху: фигуры на полотне напоминают вид на землю с воздуха. Кстати, несколькими годами ранее те же самые родственники экспроприировали у музея МоМА другую «Супрематическую композицию», чтобы продать ее на аукционе Phillips за 17 млн долларов.

 

 

 

Автор

 Поль Гоген

Страна Франция
Годы жизни 1848–1903
Стиль постимпрессионизм

До семи лет художник жил в Перу, затем с семьей вернулся во Францию, но детские воспоминания постоянно подталкивали его к путешествиям. Во Франции он начал писать красками, дружил с Ван Гогом. Он даже провел с ним несколько месяцев в Арле, до того момента, как Ван Гог во время ссоры отрезал себе ухо.

93,4х60,4 см
1902 год
стоимость
$55 млн
продана в 2005 году
на аукционе Sotheby’s

В 1891 году Гоген устроил распродажу своих картин, чтобы на вырученные деньги отправиться вглубь острова Таити. Там он создал работы, в которых чувствуется тонкая связь природы и человека. Гоген жил в соломенной хижине, а на его полотнах расцветал тропический рай. Его женой стала 13-летняя таитянка Техура, что не помешало художнику вступать в беспорядочные связи. Заболев сифилисом, он уехал во Францию. Однако там Гогену было тесно, и он вернулся на Таити. Этот период называют «вторым таитянским» – именно тогда была написана картина «Купальщицы», одна из самых роскошных в его творчестве.

 

 

 

 

«Нарциссы и скатерть в синих и розовых тонах»

Автор

Анри Матисс

Страна Франция
Годы жизни 1869–1954
Стиль фовизм

В 1889 году у Анри Матисса случился приступ аппендицита. Когда он оправлялся от операции, мать купила ему краски. Сначала Матисс со скуки копировал цветные открытки, потом – произведения великих живописцев, что видел в Лувре, а в начале XX века придумал стиль – фовизм.

65,2х81 см
1911 год
стоимость
$46,4 млн
продана в 2009 году
на аукционе Christie’s

Картина «Нарциссы и скатерть в синих и розовых тонах» долгое время принадлежала Иву Сен-Лорану. После смерти кутюрье вся его коллекция искусства перешла в руки его друга и любовника Пьера Берже, который решил выставить ее на аукционе Christie’s. Жемчужиной проданной коллекции стала картина «Нарциссы и скатерть в синих и розовых тонах», написанная на обыкновенной скатерти вместо холста. Как образец фовизма, она наполнена энергией цвета, краски словно взрываются и кричат. Из известной серии картин, написанных на скатерти, сегодня эта работа единственная, которая находится в частной коллекции.

 

 

 

 

Автор

Рой Ли

хтенштейн

Страна США
Годы жизни 1923–1997
Стиль поп-арт

Художник родился в Нью-Йорке, а окончив школу, уехал в Огайо, где пошел на курсы по искусству. В 1949 году Лихтенштейн получил степень магистра изящных искусств. Интерес к комиксам и умение иронизировать сделали из него культового художника прошлого века.

91х91 см
1964 год
стоимость
$44,882 млн
продана в 2012 году
на аукционе Sotheby’s

 

Однажды в руки Лихтенштейну попала жевательная резинка. Он перерисовал картинку со вкладыша на холст и стал знаменитым. В этом сюжете из его биографии заключен весь месседж поп-арта: потребление – новый бог, и в фантике от жвачки не меньше красоты, чем в «Моне Лизе». Его картины напоминают комиксы и мультфильмы: Лихтенштейн просто увеличивал готовое изображение, прорисовывал растры, использовал трафаретную печать и шелкографию. Картина «Спящая девушка» почти 50 лет принадлежала коллекционерам Беатрис и Филиппу Герш, чьи наследники продали ее на аукционе.

 

 

 

Автор

Пит Мондриан

Страна Нидерланды
Годы жизни 1872–1944
Стиль неопластицизм

Свою настоящую фамилию – Корнелис – художник сменил на Мондриан, когда в 1912 году переехал в Париж. Вместе с художником Тео ванн Дусбургом основал движение «неопластицизм». В честь Мондриана назван язык программирования Piet.

27х127 см
1944 год
стоимость
$40 млн
продана в 1998 году
на аукционе Sotheby’s

Самый «музыкальный» из художников XX века зарабатывал на жизнь акварельными натюрмортами, хотя прославился как неопластический художник. В США перебрался в 1940-х и провел там остаток жизни. Джаз и Нью-Йорк – вот что вдохновляло его больше всего! Картина «Победа. Буги-Вуги» – лучший тому пример. «Фирменные» аккуратные квадраты получались благодаря использованию липкой ленты – любимого материала Мондриана. В Америке его назвали «самым знаменитым иммигрантом». В шестидесятых Ив Сен-Лоран выпустил известные на весь мир платья «Мондриан» с принтом в крупную цветную клетку.

 

 

 

Автор

Василий Кандинский

Страна Россия
Годы жизни 1866–1944
Стиль авангардизм

Художник родился в Москве, а его отец был родом из Сибири. После революции он пытался сотрудничать с советской властью, но вскоре понял, что законы пролетариата созданы не для него, и не без сложностей эмигрировал в Германию.

275х190 см
1911 год
стоимость
$40 млн
продана в 2007 году
на аукционе Sotheby’s

Кандинский одним из первых полностью отказался от предметной живописи, за что и получил звание гения. Во время нацизма в Германии его картины были отнесены к «дегенеративному искусству» и нигде не выставлялись. В 1939 году Кандинский принял французское гражданство, в Париже он свободно участвовал в художественном процессе. Его картины «звучат», словно фуги, поэтому многие получили название «композиций» (первая написана в 1910 году, последняя – в 1939-м). «Композиция № 5» – одна из ключевых работ в этом жанре: «Слово “композиция” звучало для меня как молитва», – говорил художник. В отличие от многих последователей, он планировал то, что изобразит на огромном холсте, будто писал ноты.

 

 

Автор

Фернан Леже

Страна Франция
Годы жизни 1881–1955
Стиль кубизм-постимпрессионизм

Леже получил архитектурное образование, а затем был слушателем Школы изящных искусств в Париже. Художник считал себя последователем Сезанна, был апологетом кубизма, а в XX веке имел успех еще и как скульптор.

96,5х129,5 см
1912–1913 год
стоимость
$39,2 млн
продана в 2008 году
на аукционе Sotheby’s

Дэвид Норманн, президент интернационального отдела импрессионизма и модернизма Sotheby`s, считает огромную сумму, заплаченную за «Даму в голубом», вполне оправданной. Картина относится к знаменитой коллекции Леже (художник написал три картины на один сюжет, в частных руках сегодня – последняя из них. – Прим. ред.), и поверхность полотна сохранилась в первозданном виде. Автор сам отдал эту работу  в галерею Der Sturm, потом она попала в коллекцию Херманна Ланга, немецкого собирателя модернизма, а теперь принадлежит неизвестному покупателю.

 

 

 

 

Автор

Эрнст Людвиг Кирхнер

Страна Германия
Годы жизни 1880–1938
Стиль экспрессионизм

Для немецкого экспрессионизма Кирхнер стал знаковой персоной. Однако местные власти обвинили его в приверженности к «дегенеративному искусству», что трагически сказалось на судьбе его картин и на жизни художника, покончившего с собой в 1938 году.

95х121 см
1913 год
стоимость
$38,096 млн
продана в 2006 году
на аукционе Christie’s

После переезда в Берлин Кирхнер создал 11 зарисовок уличных сцен. Его вдохновляли суматоха и нервозность большого города. В картине, проданной в 2006 году в Нью-Йорке, особенно остро чувствуется тревожное состояние художника: люди на берлинской улице напоминают птиц – изящных и опасных. Она стала последней работой из знаменитой серии, проданной на аукционе, остальные хранятся в музеях. В 1937 году нацисты жестоко обошлись с Кирхнером: 639 его работ были изъяты из немецких галерей, уничтожены или проданы за границу. Художник не смог этого пережить.

 

 

 

 

Автор

Эдгар Дега

Страна Франция
Годы жизни 1834–1917
Стиль импрессионизм

История Дега как художника началась с того, что он работал копировальщиком в Лувре. Он мечтал стать «знаменитым и неизвестным», и в итоге ему удалось это. В конце жизни оглохший и ослепший 80-летний Дега продолжал посещать выставки и аукционы.

64х59 см
1879 год
стоимость
$37,043 млн
продана в 2008 году
на аукционе Sotheby’s

«Балерины всегда были для меня лишь предлогом, чтобы изобразить ткани и ухватить движение», – говорил Дега. Сюжеты из жизни танцовщиц как будто подсмотрены: девушки не позируют художнику, а просто становятся частью атмосферы, пойманной взглядом Дега. «Отдыхающая танцовщица» была продана за 28 млн долларов в 1999 году, а меньше чем через 10 лет ее купили уже за 37 млн – сегодня это самая дорогая работа художника, когда-либо выставленная на торги. Большое внимание Дега уделял рамам, сам проектировал их и запрещал менять. Интересно, какая рама установлена на проданной картине?

 

 

Автор

Хуан Миро

Страна Испания
Годы жизни 1893–1983
Стиль абстрактное искусство

Во время гражданской войны в Испании художник был на стороне республиканцев. В 1937 году он бежал от фашистской власти в Париж, где жил в нищете вместе с семьей. В этот период Миро пишет картину «Помогите Испании!», обращая внимание всего мира на засилье фашизма.

 

89х115 см
1927 год
стоимость
$36,824 млн
продана в 2012 году
на аукционе Sotheby’s

Второе название картины – «Голубая звезда». Художник написал ее в том же году, когда объявил: «Я хочу убить живопись» и нещадно издевался над холстами, царапая краску гвоздями, приклеивая к полотну перья, покрывая работы мусором. Его целью было развенчать мифы о таинстве живописи, но, справившись с этим, Миро создал собственный миф – сюрреалистическую абстракцию. Его «Живопись» относится к циклу «картин-сновидений». На аукционе за нее бились четверо покупателей, однако один телефонный звонок инкогнито решил спор, и «Живопись» стала самой дорогой картиной художника.

 

 

Автор

Ив Кляйн

Страна Франция
Годы жизни 1928–1962
Стиль монохромная живопись

Художник родился в семье живописцев, но обучался восточным языкам, мореходству, ремеслу золотильщика рам, дзен-буддизму и многому другому. Его личность и нахальные выходки были в разы интереснее монохромных картин.

 

153х199х16 см
1960 год
стоимость
$36,779 млн
продана в 2012 году
на аукционе Christie’s

Первая выставка однотонных желтых, оранжевых, розовых работ не вызвала интереса у публики. Кляйн обиделся и в следующий раз представил 11 одинаковых холстов, окрашенных ультрамарином вперемешку с особой синтетической смолой. Он даже запатентовал этот метод. В историю цвет вошел как «международный синий цвет Кляйна». Еще художник продавал пустоту, создавал картины, подставляя бумагу под дождь, поджигая картон, делая на холсте отпечатки тела человека. Словом, экспериментировал как мог. Для создания «Голубой розы» использовал сухие пигменты, смолы, гальку и натуральную губку.

 

 

Автор

Сэр Лоуренс Альма-Тадема

Страна Великобритания
Годы жизни 1836–1912
Стиль неоклассицизм

Приставку «альма» к своей фамилии сэр Лоуренс добавил сам, чтобы в художественных каталогах значиться первым. В викторианской Англии его картины были настолько востребованы, что художнику присвоили рыцарское звание.

213,4х136,7 см
1902 год
стоимость
$35,922 млн
продана в 2011 году
на аукционе Sotheby’s

Главной темой творчества Альма-Тадемы была античность. На картинах он старался в мельчайших деталях изобразить эпоху Римской империи, для этого даже занимался археологическими раскопками на Апеннинском полуострове, а в своем лондонском доме воспроизвел исторический интерьер тех лет. Мифологические сюжеты стали для него еще одним источником вдохновения. Художник был крайне востребован при жизни, однако после смерти его быстро забыли. Сейчас интерес возрождается, о чем говорит и стоимость картины «В поисках Моисея», в семь раз превысившая предпродажную оценку.

 

 

 

 

«Портрет спящей обнаженной чиновницы»

Автор

Люсьен Фрейд

Страна Германия,
Великобритания
Годы жизни 1922–2011
Стиль фигуративная живопись

Художник – внук Зигмунда Фрейда, отца психоанализа. После установления фашизма в Германии его семья эмигрировала в Великобританию. Произведения Фрейда находятся в лондонском музее «Собрание Уоллеса», где ранее не выставлялся ни один современный художник.

219,1х151,4 см
1995 год
стоимость
$33,6 млн
продана в 2008 году
на аукционе Christie’s

Пока модные художники XX века создавали позитивные «цветовые пятна на стену» и продавали их за миллионы, Фрейд писал предельно натуралистичные картины и продавал их еще дороже. «Я запечатлеваю крики души и страдания увядающей плоти», – говорил он. Критики считают, что все это «наследство» Зигмунда Фрейда. Картины так активно выставлялись и успешно продавались, что у специалистов зародилось сомнение: а не обладают ли они гипнотическими свойствами? Проданный на аукционе «Портрет спящей обнаженной чиновницы», по информации издания Sun, приобрел ценитель прекрасного и миллиардер Роман Абрамович.

 

 

 

 

 

Автор

Хуан Грис

Страна Испания
Годы жизни 1887–1927
Стиль кубизм

Родился в Мадриде, где и окончил школу искусств и ремесел. В 1906 году переехал в Париж и вошел в круг самых влиятельных художников эпохи: Пикассо, Модильяни, Брака, Матисса, Леже, также работал с Сергеем Дягилевым и его труппой.

5х100 см
1913 год
стоимость
$28,642 млн
продана в 2010 году
на аукционе Christie’s

Грис, по собственным словам, занимался «плоскостной, цветной архитектурой». Его картины точно продуманы: он не оставлял ни одного случайного мазка, что роднит творчество с геометрией. Художник создал свой вариант кубизма, хотя очень уважал Пабло Пикассо, отца-основателя направления. Преемник даже посвятил ему свою первую работу в стиле кубизм «Дань уважения Пикассо». Картина «Скрипка и гитара» признана выдающейся в творчестве художника. При жизни Грис был известен, обласкан критиками и искусствоведами. Его работы выставлены в крупнейших мировых музеях, хранятся в частных коллекциях.

 

 

Автор

Сальвадор Дали

Страна Испания
Годы жизни 1904–1989
Стиль сюрреализм

«Сюрреализм – это я», – сказал Дали, когда его исключили из группы сюрреалистов. Со временем он стал самым известным художником-сюрреалистом. Творчество Дали повсюду, а не только в галереях. Например, это он придумал упаковку для «Чупа-Чупса».

25х33 см
1929 год
стоимость
$20,6 млн
продана в 2011 году
на аукционе Sotheby’s

В 1929 году навестить великого провокатора и скандалиста Дали приехали поэт Поль Элюар со своей русской женой Галой. Встреча стала началом истории любви, продолжавшейся более полувека. Картина «Портрет Поля Элюара» написана как раз во время этого исторического визита. «Я чувствовал, что на меня возложена обязанность запечатлеть лик поэта, с Олимпа которого я похитил одну из муз», – говорил художник. До знакомства с Галой он был девственником и испытывал отвращение при мысли о сексе с женщиной. Любовный треугольник существовал до смерти Элюара, после чего стал дуэтом Дали–Гала.

 

 

 

 

Автор

Марк Шагал

Страна Россия, Франция
Годы жизни 1887–1985
Стиль авангард

Мойша Сегал родился в Витебске, но в 1910 году эмигрировал в Париж, сменил имя, сблизился с ведущими авангардистами эпохи. В 1930-х при захвате власти фашистами уехал в США при помощи американского консула. Вернулся во Францию только в 1948 году.

80x103 см
1923 год
стоимость
$14,85 млн
продана в 1990 году
на аукционе Sotheby’s

Картина «Юбилей» признана одной из лучших работ художника. В ней есть все черты его творчества: стерты физические законы мира, сохраняется ощущение сказки в декорациях мещанского быта, а в центре сюжета – любовь. Шагал не рисовал людей с натуры, а только по памяти или фантазируя. На картине «Юбилей» запечатлен сам художник с женой Бэлой. Картина продана в 1990 году и с тех пор не участвовала в торгах. Интересно, что в нью-йоркском Музее современного искусства MoMA хранится абсолютно такая же, только под названием «День рождения». Кстати, написана она раньше – в 1915 году.

 

 

 

проект подготовила
Татьяна Паласова
рейтинг составлен
по списку www.art-spb.ru
журнал tmn №13 (май-июнь 2013)

Картина — Официальная Minecraft Wiki

Картина Размер Оригинал Название ID Описание Версия добавления
1x1 блоков
16x16 пикселей
Kebab med tre pepperoni Kebab minecraft:kebab Кебаб с тремя стручковыми перцами. Indev
1x1 блоков
16x16 пикселей
de_aztec Aztec minecraft:aztec Абстрактная картина, карта de_aztec из Counter-Strike. Indev
1x1 блоков
16x16 пикселей
Albanian Alban minecraft:alban Человек в пустыне, в окружении домов и кустов. Indev
1x1 блоков
16x16 пикселей
de_aztec Aztec2 minecraft:aztec2 Абстрактная картина, карта de_aztec из Counter-Strike. Indev
1x1 блоков
16x16 пикселей
Target successfully bombed Bomb minecraft:bomb Картина, основанная на карте de_dust2, названная «Цель успешно взорвана» в честь Counter-Strike. Indev
1x1 блоков
16x16 пикселей
Paradisträd Plant minecraft:plant Два растения в горшках. Indev
1x1 блоков
16x16 пикселей
Wasteland Wasteland minecraft:wasteland Картина вида на пустоши, маленький кролик сидит на подоконнике. На заднем плане виднеется подобие человека в полосатом костюме. Indev
1x2 блоков
16x32 пикселей
Wanderer Wanderer minecraft:wanderer Странник над морем тумана Indev
1x2 блоков
16x32 пикселей
Graham Graham minecraft:graham Graham, главный герой игры King’s Quest Alpha 1.1.1
2x1 блоков
32x16 пикселей
The pool Pool minecraft:pool Купающиеся голышом мужчины и женщины. Indev
2x1 блоков
32x16 пикселей
Bonjour monsieur Courbet Courbet minecraft:courbet Двое бродяг с бородами. Indev
2x1 блоков
32x16 пикселей
sunset_dense Sunset minecraft:sunset Горы и закат. Indev
Файл:Canvas 32 3.png 2x1 блоков
32x16 пикселей
Seaside Sea minecraft:sea Картина вида на горы и озеро, с маленькой фотографией и растением на подоконнике. Примечание: В Alpha 1.1.1, картина была заменена на второе изображение, показывая более красочное растение. Indev/Alpha 1.1.1
2x1 блоков
32x16 пикселей
Seaside Creebet minecraft:creebet Картина вида на горы и озеро, с маленькой фотографией и крипером. Alpha 1.1.1
2x2 блоков
32x32 пикселей
Match Match minecraft:match Рука, держащая спичку, которая зажигает пиксельный огонь. Indev
2x2 блоков
32x32 пикселей
Bust Bust minecraft:bust Статуя, окружённая пиксельным огнем. Indev
2x2 блоков
32x32 пикселей
The stage is set Stage minecraft:stage Нарисованная сцена из игры Space Quest I с добавленным в неё Graham’ом, главным героем игры King’s Quest.
Примечание: В Alpha 1.1.1, картина была заменена на второе изображение, показывая большого паука.
Indev/Alpha 1.1.1
2x2 блоков
32x32 пикселей
The Void Void minecraft:void Ангел, молящийся тому, что находится за пиксельным огнем. Indev
2x2 блоков
32x32 пикселей
Moonlight Installation SkullAndRoses minecraft:skull_and_roses Cкелет с красными цветами на переднем плане ночью. Indev
2x2 блоков
32x32 пикселей
Wither minecraft:wither Новый моб — иссушитель. Картина демонстрирует ритуал призыва. 1.4.2 (12w36a)
4x2 блоков
64x32 пикселей
Fighters Fighters minecraft:fighters Два человека перед боем. Indev
4x3 блока
64x48 пикселей
Mortal Coil Skeleton minecraft:skeleton Скелет Бруно, покидающий свое тело из игры Grim Fandango. Alpha 1.1.1
4x3 блока
64x48 пикселей
Kong DonkeyKong minecraft:donkey_kong Скриншот 4-го уровня из аркадной версии игры Donkey Kong. Alpha 1.1.1
4x4 блоков
64x64 пикселей
Pointer Pointer minecraft:pointer Маленький человечек дерётся с огромной рукой. Изображение каратиста взято из игры International Karate. Indev
4x4 блоков
64x64 пикселей
RGB Pigscene minecraft:pigscene Девочка, указывающая на морду свиньи. В оригинале на месте поросёнка была палитра RGB. Alpha 1.1.1
4x4 блоков
64x64 пикселей
Skull on Fire BurningSkull minecraft:burning_skull Череп в пиксельном огне. Если приглядеться, можно увидеть, что череп находится в мире Minecraft. Beta 1.2_01

3 причины успеха искусства триптиха

Адриан Изенбрандт (около 1485–1551 гг.)

Искусство триптиха состоит из трех панелей, предназначенных для совместной работы. Триптих

происходит от греческого прилагательного τρίπτυχον , означающего «тройной».

Первые триптихи относятся к раннему христианскому искусству, которые были популярным форматом для алтарных картин со времен средневековья. Сегодня искусство триптиха по-прежнему определяется как произведение искусства, обычно это панно, цифровое искусство или фотография, разделенные на три части.
Когда художественная форма триптиха применяется в фотографии или изобразительном искусстве, не существует жестких правил для отображения триптиха. Один метод состоит из трех установленных произведений искусства в рамке, три изображения тесно связаны по тематике и отображаются рядом друг с другом. В качестве альтернативы триптих может представлять собой набор из трех изображений, представленных в одном изображении.
«Ферма Айдахо» Лори Макни
Триптих, арт как форма часто используется в качестве элемента декора в различных интерьерах.Их можно красиво разместить в домах, офисах и отелях.
Видение художника превыше всего. Как художник, я действительно могу выразить свой стиль или послание в гораздо более широком смысле с помощью изображения триптиха. В искусстве и фотографии триптихов нет настоящих правил, все идет.
Мне нравится работать с этими цифровыми триптихами. Что-то меня привлекает в работе с тремя изображениями в одной длинной работе. Я считаю, что после того, как я стану богатым и знаменитым, именно эти работы станут причиной. Вот три момента, которые я выделил, чтобы понять, почему я считаю их удачным средством для художественной инсталляции.

1. Великолепный внешний вид : Эти изображения имеют эстетическую привлекательность. Они заставляют зрителя задуматься о дизайне и бросают вызов значению и движению произведения. Когда зритель смотрит с одной панели на другую, он должен прийти к соглашению о том, как искусство говорит с ним и как они могут переварить три разных произведения в одной композиции.

2. Цвет : Цвет отлично справляется с тем, чтобы направить взгляд от одного из изображений слева к изображениям, идущим справа.Тонкий цвет первой иллюстрации к голубым тонам второй и более тонкие линии 3-й сохраняет интересную картину. Я считаю, что эти современные произведения искусства работают лучше, чем фотографии в формате триптиха, потому что я могу изменять цвета и переходы изображения. В отличие от фотографии, которая представляет собой одно изображение, разделенное на три части.
, Марк Гаррисон
3. Покрытие Great Wall : Проблема с большим количеством предметов декора сегодня заключается в том, что вы не получаете много денег за свои деньги.Другими словами, если вы собираетесь инвестировать в произведение искусства, вы хотите, чтобы оно занимало некоторое пространство на стене. Этот триптих представляет собой достаточно большой файл, чтобы его можно было напечатать до 6 футов в длину и 3 фута в высоту. При соблюдении соотношения сторон 2: 1.
Я уверен, что вы спрашиваете себя, что вообще означает это произведение современного искусства? Я постараюсь отдать вам свои два цента. Мне нравится работать с темой переходов. Я начинаю с одного простого дизайна, затем второй становится более сложным - например, наша жизнь становится более сложной по мере того, как мы растем и достигаем наших продуктивных лет.Последний сегмент - это когда у нас все вместе, или, по крайней мере, так оно выглядит. Затем мы достигаем стадии зрелости, когда снова развиваемся. Может, не совсем так, как мы надеялись, но каким-то образом мы заставляем это работать.
Приглашенный художник / автор: Марк Гаррисон - фотограф-абстракционист, который пользуется цифровыми технологиями и фильтрами для улучшения своих изображений. Он использует фотографию, чтобы выразить свою любовь к миру природы.
* Спасибо Марку за интересный гостевой пост! Спасибо, что посетили FineArtTips.com. Вы можете увидеть мое искусство на моем веб-сайте LoriMcNee.com, и давайте встретимся на странице Facebook Fine Art Tips в Facebook, в Twitter , Google Plus и на Pinterest . Убедитесь и проверьте мои репродукций и открыток на Fine Art America.! ~ Лори

Что означает триптих?

Триптих - это картина, состоящая из трех частей. Триптих - очень популярный формат в искусстве по целому ряду причин, и они предназначены для демонстрации вместе как одно целое.

Триптихи могут быть большими или маленькими, их можно навешивать на шарниры для постоянной экспозиции или подвешивать отдельно на стене. Его можно использовать в любой художественной среде, включая картины, рисунки и фотографии, для создания убедительных произведений искусства или для рассказа истории.

Значение триптиха

Слово «триптих» (произносится « trip-tick ») происходит от греческого слова « triptykhos », означающего «трехслойный». Проще говоря, это картина, нарисованная или напечатанная на трех панелях.Аналогично, диптих состоит из двух панелей, квадтих - из четырех, а полиптих - из пяти или более панелей.

Традиционно триптих используется для запрестольных образов. К ним относятся большая центральная панель и две меньшие панели, окрашенные внутри складных дверей. Будучи функционально подходящей, тройственная природа отражает религиозный символизм числа три.

Трехактная драматическая структура также очевидна в применении формата триптиха многими художниками, с панелями, представляющими начало, середину и конец.

Причины использовать триптих в искусстве

То, как художник использует три панели триптиха, может быть разным. Иногда они могут сливаться вместе, чтобы сформировать единую сцену, или каждая может функционировать как отдельная картина. Как правило, будет сильное ощущение визуальной согласованности.

Художник может использовать триптих по любой из следующих причин:

  • Чтобы придать искусству повествование в начале, середине и конце рассказа.
  • Продолжить тему тремя частями.
  • Для изучения предмета с разных точек зрения или с использованием различных методов.
  • Чтобы показать развитие предмета, например, его рост или упадок.
  • Для демонстрации трех отдельных элементов, связанных и дополняющих друг друга.
  • Чтобы разбить очень большой кусок для облегчения транспортировки, хранения и демонстрации.

Как создать и отобразить триптих

Каждый раз, когда вы создаете какое-либо произведение искусства, состоящее из нескольких панелей, важно сохранять единообразие в каждом произведении.Без какого-либо стиля или технического элемента, соединяющего отдельные панели, финальная часть потеряет свое влияние на зрителя. Триптихи могут сбивать с толку или сбивать с толку, если формат не используется с умом.

Способы достижения преемственности включают постоянную линию горизонта или фон, унифицированную палитру, последовательное обращение с предметом, а также развитие или непрерывность темы или предмета.

Также важно, чтобы экспонаты отображались одинаково. Используйте одну и ту же опору для каждой панели: доска и холст популярны среди художников; для рисунков и картин на бумаге должен использоваться тот же материал, что и для фотографий.

Каждый предмет набора должен иметь одинаковую технику обрамления, циновки или холста. Фурнитура для подвешивания должна быть размещена таким образом, чтобы детали можно было легко повесить ровной линией. Если вы навешиваете триптих, убедитесь, что он легко складывается и ровно лежит на поверхности.

  • Некоторые художники делают все три панели одинакового размера. Другие предпочитают две панели меньшей ширины по бокам большей центральной части. Вы также можете перейти от тонких панелей к толстым, если это подходит для создаваемого вами предмета.
  • Триптихи традиционно вешают вертикально и смотрят слева направо.
  • При правильном предмете и композиции горизонтальный дисплей также может стать отличным экспонатом.
  • Хотя художники часто играют с шириной панели, высота обычно одинакова. Но опять же, правильная деталь может хорошо сочетаться с боковыми панелями на пару дюймов короче, если они правильно повешены на стене.

известных стилей живописи мира

Способ, которым художники изображают сцены в искусстве, со временем изменился.За прошедшие годы на первый план вышли два доминирующих стиля - западный и восточный стиль искусства. Более глубокое понимание различных стилей живописи - это действительно увлекательное занятие, которое даст нам представление о бесчисленных проявлениях искусства во всем мире.

Начнем с западного стиля искусства.

Западный стиль живописи стал заметен в наши дни. Абстрактная живопись, модернизм, импрессионизм и некоторые менее известные формы искусства, такие как сюрреализм и фотореализм, составляют часть обширной западной формы искусства.

1. Модернизм:

Модернизм в искусстве считается искусством, созданным в период между 1860 и 1970 годами. Это радикальный образ мышления художников современности, без ограничений, установленных традиционным методом, сдерживающим их творческое выражение.

https://bit.ly/2IIWsx1

2. Импрессионизм:

Этот вид искусства зародился в Париже в конце 19 века. К особенностям импрессионизма можно отнести использование обычных и обычных предметов, тонких мазков кисти, необычных углов.

https://bit.ly/2IIWsx1

3. Абстрактное искусство:

Любое художественное выражение реальности, которое иллюстрировано, но не в ее истинной форме, может рассматриваться как абстрактная форма искусства. Это настоящий продукт радикальной мысли.

https://bit.ly/2IIWsx1

4. Экспрессионизм:

Абстрактный стиль искусства принимает множество форм, и «экспрессионизм» - одна из них. Перелив человеческих эмоций изображен с точки зрения художника.

https://bit.ly/2IIWsx1

5.Кубизм:

Поль Сезанн, известный художник однажды сказал: «Все в природе принимает форму цилиндра, конуса или сферы». Интересно, что позже это стало основой «кубизма». Это еще одно выражение абстрактного искусства, и геометрические формы составляют очень важную часть этого стиля.

https://bit.ly/2IIWsx1

6. Сюрреализм:

Сюрреализм - это движение, которое возникло в 20 веке во Франции. Этот вид искусства стремился высвободить творческий потенциал ума путем иррационального сопоставления образов.Культурное движение сюрреализма включает изобразительное искусство и письмо!

https://bit.ly/2IIWsx1

Далее идет восточный стиль формы искусства. На восточный стиль искусства повлияли многие культуры по всему миру, некоторые из которых значительно выросли. Давайте исследуем формы искусства, которые возникли из культур и традиций мира.

1. Китайский стиль:

Китайский стиль в искусстве считается одной из старейших форм художественных традиций, которые также использовали каллиграфию как часть своей техники.Китайские художники использовали цветные чернила для рисования на бумаге и шелке. Они никогда не использовали масло для живописи.

https://bit.ly/2IIWsx1

2. Японский стиль живописи:

Японский стиль рисования только черными чернилами потрясающий! Японский стиль живописи черпает вдохновение в китайском, западном и восточном искусстве.

https://bit.ly/2IIWsx1

3. Индийский стиль:

Будучи страной с разнообразной культурой, здесь производятся разнообразные виды искусства: от миниатюрных картин эпохи Великих Моголов до классического стиля картин Танджора.

Миниатюрные картины Моголов

Картины в миниатюре Великих Моголов обычно изображают образ жизни королей и принцев. Художники были сосредоточены на изображении красоты с большим вниманием к деталям.

https://bit.ly/2qmMOsi

Картины Раджпута

Дворы в королевствах раджпутов имели свой собственный стиль живописи. Эти картины раджпутов были в основном на темы романтики, преданности, героизма и придворной жизни.

https: // бит.ly / 2HqwOO2

Танджор Картины

Картины Танджора считаются самыми важными в Южной Индии из-за использования богатой цветовой гаммы и внимания к мельчайшим деталям.

https://bit.ly/2IIWsx1

Стиль Мадхубани

Стиль искусства Мадхубани традиционно создавался женщинами в районе Митхила в Бихаре. Древняя традиция настенных росписей, называемая Бхитти-Читра, сыграла важную роль в возникновении формы искусства Мадхубани.

https://bit.ly/2H7KsYN

Вам понравилась эта статья? Дайте нам знать в комментариях!

Похожие сообщения:

150 известных картин, биографии и цитат Пикассо

Пабло Пикассо , вероятно, самая важная фигура 20-го века с точки зрения искусства и художественных движений, имевших место в этот период. До 50 лет художник испанского происхождения стал самым известным имя в современном искусстве, с ярко выраженным стилем и умением создавать художественные произведения.До Пикассо не было других художников, которые оказали бы такое влияние на мир искусства или имели столько поклонников и критиков, как он.

Пабло Пикассо родился в Испании в 1881 году и вырос там, прежде чем провести большую часть своей взрослой жизни, работая художником во Франции. За свою долгую карьеру он создал более 20 000 картины, рисунки, скульптуры, керамика и другие предметы, такие как костюмы и театральные декорации. Он всемирно известен как один из самых влиятельных и знаменитых художников двадцатого века.

Способность Пикассо создавать работы в удивительном разнообразии стилей снискала ему уважение еще при жизни. После его смерти в 1973 году его ценность как художника и вдохновение для других художников уменьшилось. выросли. Ему, без сомнения, суждено навсегда вписаться в ткань человечества как одного из величайших художников всех времен.

Как художник и новатор, он вместе с Жоржем Браком является одним из основателей всего кубистского движения.Кубизм был авангардным направлением в искусстве, навсегда изменившим лицо европейской живописи. и скульптура, одновременно влияя на современную архитектуру, музыку и литературу. Предметы и объекты в кубизме разбиты на части и преобразованы в абстрактную форму. В течение периода примерно с 1910-1920 гг., когда Пикассо и Брак закладывали фундамент кубизма во Франции, его влияние было настолько далеко идущим, что вдохновляло такие ответвления, как стили футуризма, дадаизма и Конструктивизм в других странах.

Пикассо также приписывают изобретение искусственной скульптуры и соавторство в изобретении стиля коллаж. Он также считается одним из трех художников двадцатого века, которым приписывают определение элементов. пластических искусств. Эта революционная форма искусства привела общество к общественным достижениям в живописи, скульптуре, гравюре и керамике путем физического манипулирования материалами, которые ранее не были вырезаны или сформированы. Эти материалы были не просто пластиком, это были вещи, которые можно было каким-то образом формовать, обычно в трех измерениях.Художники использовали глину, гипс, драгоценные металлы и дерево для создания революционных скульптур. произведения искусства, которых мир никогда раньше не видел.

Искусство - это ложь, которая заставляет нас осознать истину », - Пабло Пикассо

Ранние годы Пикассо

Пикассо родился в Малаге, Испания, в семье дона Хосе Руиса-и-Бласко и Марии Пикассо-и-Лопес. Его крещеное имя намного длиннее, чем имя Пабло Пикассо, и по традиционным андалузским обычаям в честь нескольких святых и родные.Его отец был художником и профессором искусства, и рисунок сына произвел на него впечатление с раннего возраста. Его мать однажды сказала, что его первым словом было попросить карандаш. В возрасте семь Пикассо начинает получать формальное образование у своего отца. Из-за своего традиционного академического образования Руиз считал, что обучение состоит из копирования шедевров и рисования человеческих форм из живых. фигурки-модели и гипсовые слепки.

В 1891 году в возрасте десяти лет семья переехала в Ла-Корунья, где Школа изящных искусств наняла Руиса профессором.Они провели там четыре года, где Руиз почувствовал, что его сын превзошел его как художника в возрасте 13 лет. и, как сообщается, поклялся бросить рисовать. Хотя картины Руиса, кажется, были созданы много лет спустя, отец Пикассо определенно чувствовал себя униженным природными навыками и техникой своего сына.

Пикассо и его семья были в ужасе, когда его семилетняя сестра умерла от дифтерии в 1895 году. Они переехали в Барселону, и Руис начал работать в Школе изящных искусств. Он убедил тамошних чиновников позволил своему сыну сдать вступительный экзамен в продвинутый класс, и Пикассо был принят в 13 лет.В возрасте 16 лет его отправили в главную художественную школу Испании в Мадриде - Королевскую академию Сан-Фернандо. Пикассо не понравились формальные инструкции, и он решил прекратить посещать занятия вскоре после прибытия. Он заполнял свои дни в мадридском Прадо, где выставлялись такие картины, как Франсиско Гойя и Эль Греко.

Объем работ, созданных Пикассо на протяжении всей своей жизни, огромен и охватывает период от раннего детства до его смерти, создавая более исчерпывающий отчет о его развитии, чем, возможно, любой другой художник.При изучении записей его ранних работ, как говорят, произошел сдвиг, когда детское качество его рисунков исчезло, что стало официальным началом его карьеры. Эта дата Говорят, что это был 1894 год, когда Пикассо было всего 13 лет. В 14 лет он написал «Портрет тети Пепы», поразительное изображение, которое называют одним из лучших портретов. в истории Испании. А в 16 лет Пикассо создал отмеченную наградами книгу «Наука и благотворительность».

Его техника реализма, столь укоренившаяся в его отце и его детских исследованиях, эволюционировала с его знакомством с символистскими влияниями.Это побудило Пикассо разработать свой собственный взгляд на модернизм, а затем сделать свой первая поездка в Париж, Франция. Поэт Макс Жакоб, друг из Парижа, учил Пикассо французскому языку. Они делили квартиру, где они познали истинное значение того, что значит быть «голодающим художником». Они были холодно и в нищете, сжигая собственные работы, чтобы сохранить тепло в квартире.

Пикассо большую часть своей взрослой трудовой жизни провел во Франции. Его работы были примерно разделены на периоды времени, в течение которых он полностью раскрыл сложные темы и чувства, чтобы создать объединяющее план работ.

Каждый акт творения - это прежде всего акт разрушения », - Пабло Пикассо.

Голубой период (1901-1904)

Мрачный период, в течение которого Пикассо лично испытал бедность и ее влияние на окружающее его общество, характеризуется картинами, по сути, монохромными картинами в оттенках синего и сине-зеленый, лишь изредка согреваемый другими цветами. Работы Пикассо этого периода изображают недоедание, проституцию и посмертные портреты друга Карлоса Касагемаса после его самоубийства, завершается мрачной аллегорической картиной La Vie.La Vie (1903) изобразил душевные муки своего друга перед лицом любовника, которого он пытался убить.

Период Розы (1904-1906)

Подходя к названию, как только Пикассо, казалось, нашел небольшую долю успеха и преодолел часть своей депрессии, у него был более веселый период с оранжевыми и розовыми оттенками и игривыми миры циркачей и арлекинов. Пикассо познакомился с богемной художницей по имени Фернанда Оливье, которая стала его возлюбленной. Впоследствии она появилась во многих из этих более оптимистичных картин.

Американские коллекционеры произведений искусства Лео и Гертруда Стайн стали большими поклонниками Пикассо. Они не только стали его главными покровителями, Гертруда также была изображена в его Портрет Гертруды Стайн, один из самых известных его портретов.

Влияние Африки (1907-1909)

Для Пикассо поворотным моментом стала ретроспектива Поля Сезанна, проведенная в Осеннем салоне через год после смерти художника в 1906 году. был знаком с Сезанном, только на ретроспективе Пикассо испытал на себе все влияние его художественных достижений.В работах Сезанна Пикассо нашел модель того, как выделить существенное. с натуры, чтобы добиться цельной поверхности, которая выражает уникальное видение художника. Примерно в то же время эстетика традиционной африканской скульптуры стала оказывать сильное влияние на европейские художники. Во Франции Анри Матисс, Пабло Пикассо и их друзья из Парижской школы начинают смешивать высоко стилизованную трактовку человеческой фигуры в африканских скульптурах. со стилями живописи, заимствованными из постимпрессионистских работ Сезанна и Гогена.

«Авиньонские девицы» были первым шедевром Пикассо. На картине изображены пять обнаженных женщин с фигурами, состоящими из плоских, расколотых плоскостей, и лицами, вдохновленными иберийским скульптура и африканские маски. Сжатое пространство, в котором обитают фигуры, кажется, выступает вперед зубчатыми осколками; Яростно заостренный ломтик дыни в натюрморте с фруктами внизу композиции качается на невозможно перевернутой столешнице. В этой картине Пикассо радикально отходит от традиционной европейской живописи, адаптируя примитивизм и отказываясь от перспективы в пользу квартиры, двухмерная картинная плоскость.

Когда Les Demoiselles d'Avignon впервые появилась, мир искусства словно рухнул. Полностью отказались от известных форм и представлений. За это ее назвали самой новаторской картиной в современном искусстве. история. Благодаря новым стратегиям, примененным в картине, Пикассо внезапно обрел свободу выражения вдали от современных и классических французских влияний и смог проложить свой собственный путь. Формальные идеи развиты этот период ведет непосредственно к следующему периоду кубизма.

Другие видели, что есть, и спрашивали, почему. Я видел, что могло быть, и спросил, почему бы и нет ».
- Пабло Пикассо

Кубизм (1909-1919)

Это было слияние влияний - от Поля Сезанна и Анри Руссо до архаического и племенного искусства, - которое побудило Пикассо придать своим фигурам больше веса и структуры. примерно в 1907 году. И они в конечном итоге направили его на путь кубизма, в котором он деконструировал условности перспективы, которые доминировали в искусстве эпохи Возрождения.В этот период стиль, разработанный Жоржем Браком и Пикассо, использовал в основном нейтральные цвета и основывался на том, что они «разбирают» объекты и «анализируют их» с точки зрения их формы. Кубизм, особенно Вторая форма, известная как синтетический кубизм, сыграла большую роль в развитии западного мира искусства. Работы этого этапа подчеркивают комбинацию или синтез форм в картине. цвет очень важно в форме предметов, потому что они становятся больше и декоративнее.Неокрашенные предметы, такие как газеты или табачные обертки, часто наклеиваются на холст в сочетании с окрашенными участками - включение большого количества посторонних материалов особенно ассоциируется с новой техникой коллажа Пикассо. Эта техника коллажа подчеркивает различия в фактуре и ставит вопрос о том, что есть реальность и что такое иллюзия в живописи. Используя цвет, форму и геометрические фигуры, а также уникальный подход к изображению изображений, Пикассо изменил направление искусства для будущих поколений.

Неоклассицизм, сюрреализм и скульптура

Обладая непревзойденным мастерством и мастерством, Пикассо совершил свою первую поездку в Италию в 1917 году и сразу же начал период поклонения неоклассическому стилю. Отказ от крайнего модернизма он рисовал и раскрашивал работы, напоминающие Рафаэля и Энгра. Это была всего лишь прелюдия к тому, как Пикассо, казалось бы, без особых усилий начал сочетать свои модернистские концепции со своим мастерством в сюрреалистическом стиле. такие шедевры, как «Герника» (1937), безумное и мастерское сочетание стиля, воплощающее отчаяние войны. Герника считается самой мощной антивоенной утверждение современного искусства. Это было сделано, чтобы продемонстрировать поддержку Пикассо в прекращении войны и осуждение фашизма в целом. С самого начала Пикассо предпочитает не изображать ужас Герники в реалистическом стиле. или романтические отношения. Ключевые фигуры - женщина с распростертыми руками, бык, агонизирующий конь - уточняются в эскизе за эскизом, затем переносятся на емкое полотно, которое он также несколько раз переделывает.Темный Цветная и монохромная тема использовалась для изображения тяжелых времен и страданий, которые были перенесены. Герника бросает вызов представлениям о войне как о героическом и разоблачает ее как жестокий акт самоуничтожения. Работы были не только практическим отчетом или живописью, но и оставались очень мощной политической картиной в современном искусстве, с которой конкурировали несколько фресок мексиканского художника. Диего Ривера.

Последние годы

Последние работы Пикассо были смесью многих стилей, которые он использовал на протяжении всей своей жизни.Он осмелился сделать скульптуры крупнее, а свои картины более выразительными и красочными. Ближе к концу карьеры Пикассо любил изучать классические произведения, которые повлияли на его развитие на протяжении многих лет, и создал несколько серий вариаций картин старых мастеров, в том числе Рембрандта, Диего Веласкес и Эдуард Мане, основоположник современных традиций. Среди его наиболее заметных работ - "Резня в Корее". после Гойи, Las Meninas после Веласкеса и «Завтрак на траве» после Мане.Многие из эти произведения все еще имеют влияние в мире искусства; и, фактически, благодаря своему видению и особому творческому стилю, они все еще являются одними из самых инновационных произведений, представленных в мире искусства, даже в последние годы. Множество картин, написанных Пикассо в последние годы его жизни, теперь широко признаны началом движения неоэкспрессионизма.

Влияние Пабло Пикассо

Когда Пикассо умер в возрасте 91 года в апреле 1973 года, он стал одним из самых известных и успешных художников за всю историю.Леонардо да Винчи 20 века, истинное величие Пикассо и значение заключается в его двойной роли одновременно революционера и традиционалиста. Он был уникальным в 20 веке, с одной стороны, он был способен на радикальные инновации, а с другой - на продолжение традиционных линий. Так, в «Авиньонских девицах» он победил репрезентативную картину, а в «Гернике» возродил жанр исторической живописи в новой форме. Он также неоспоримо самый плодовитый гений в истории искусства.Его карьера охватила более 78 лет, в течение которых он создал: 13 500 картин, 100 000 гравюр и гравюр и 34 000 иллюстраций. Пикассо считался и остается маг, созданный писателями и критиками, метафора, которая передает чувство художника, способного преобразовать все вокруг себя одним прикосновением, и человека, который также может трансформировать себя, ускользать от нас, очаровывать и гипнотизировать.

Так же, как Уильям Шекспир по литературе и Зигмунд Фрейд по психологии, влияние Пикассо на искусство огромно.Никто не достиг такой степени широко известной или продемонстрировал такую ​​невероятную многогранность, как Пабло Пикассо в истории искусства. Свободный дух Пикассо, его эксцентричный стиль и полное игнорирование того, что другие думают о его работах и творческий стиль сделал его катализатором для художников. Теперь известный как отец современного искусства, оригинальность Пикассо затронула всех крупных художников и художественных течений, последовавших за ним. Даже на сегодняшний день его жизнь и работы продолжают привлекать бесчисленные научные интерпретации и привлекать тысячи последователей по всему миру.

16 фактов о художнике Фрэнке Стелле

Знакомство с художником, чьи полосатые работы, монументальные принты и революционный подход к материалам оказали глубокое влияние на мир абстрактного искусства.

Стиль Стеллы, одного из самых уважаемых послевоенных американских художников, работающий до сих пор, постоянно менялся.Контролируемый минимализм его работ в конце 1950-х - начале 60-х уступил место максималистским бунтам цвета позже в его карьере - с последующими работами, превзошедшими 2D-холст, чтобы стать скульптурными. Его подход к материалам столь же революционен, как краска для дома и автомобиля, литой алюминий, стекловолокно и новейшие технологии 3D-печати.

Фрэнк Стелла (р.1936), Lettre Sur Les Aveugles I , 1974. Холст, акрил. 141 x 141 дюйм (358,1 x 358,1 см). Предположительно: 5 500 000–7 500 000 долларов. Предлагается на вечерней распродаже послевоенного и современного искусства 15 мая 2019 года на Christie’s в Нью-Йорке

2. Стелла начала красить дома и лодки

Стелла родилась в семье сицилийцев первого поколения в маленьком городке Малден, штат Массачусетс. Отец Стеллы был гинекологом, а мать - домохозяйкой с художественными наклонностями, посещала школу моды и писала пейзажи.Его отец работал по 60 часов в неделю и настаивал на том, чтобы сын усердно учился и осознавал важность ручного труда. Первый опыт рисования Стеллы заключался в перекрашивании домов и лодок - как правило, по приказу отца.

3. Он заработал репутацию смелого человека

Подростком Стелла посещала престижную Академию Филлипса, где однажды потерял три зуба в драке в общежитии.Однако его пылкое отношение сочеталось с острым умом; в 1954 году он поступил в Принстонский университет по специальности история. Талантливый игрок в лакросс, он тоже начал рисовать.

Фрэнк Стелла (р.1936), Princeton II , 1956. Холст, масло. 30⅜ x 28⅛ дюймов (77,1 x 71,4 см). Эстимейт: 25 000–35 000 долларов. Предлагается на утренней сессии послевоенного и современного искусства 16 мая 2019 года на Christie’s в Нью-Йорке

4. Нью-Йорк стал приемным домом художника

Когда он закончил учебу в 1958 году, Стелла переехала в город, рассуждая: «Я приехала сюда, потому что это было место, где можно было увидеть искусство, которое меня интересовало - это так просто».Именно здесь он познакомился с работами абстрактных экспрессионистов, включая Джексона Поллока и Франца Клайна, и снял там свою первую квартиру. Сегодня, когда ему за восемьдесят, он живет в центре Манхэттена, имея студию в северной части штата Нью-Йорк.

5. Его первая студия была бардаком

Мрачные условия первой нью-йоркской студии Стеллы отразились в работе 1959 года « Брак разума и скромности, II » - ее название связано как с художественными замыслами Стеллы, так и с его далеко не идеальными условиями жизни.

6. Стелла всегда остро знала других художников и искусствоведов

Его ранние работы были вдохновлены абстрактными экспрессионистами, с которыми он встретился в Нью-Йорке, Стелла позже комментировала: «Я бы не стал беспокоиться о том, чтобы стать художником, если бы мне не нравились художники того поколения так сильно. Если Поллок и Клайн оказали влияние, то же самое сделала и «плоскостность» работ Барнетта Ньюмана - как и картины Джаспера Джонса, чья выставка 1958 года впервые вдохновила Стеллу на использование его теперь уже фирменных полос в качестве инструмента композиции.

Фрэнк Стелла (р.1936), Без названия , 1960. Холст, масло. 9 x 9 дюймов (23 x 23 см). Эстимейт: 300-500 тысяч долларов. Предлагается на утренней сессии послевоенного и современного искусства 16 мая 2019 года на Christie’s в Нью-Йорке

7. Гравюра фигурная

Художник впервые начал глубоко знакомиться с этой средой в середине 1960-х годов, работая с мастером-печатником Кеннетом Тайлером, который убедил Стеллу сделать свои первые отпечатки, заполнив магический маркер - излюбленное средство рисования художника - литографической жидкостью.Его абстрактные принты оказались такими же новаторскими, как и его холсты, с использованием огромного количества техник, включая литографию, трафаретную печать, травление и офсетную литографию - метод, изобретенный самим Стеллой. Напечатанные в галереях Waddington Custot, иллюстрации художника по мотивам серии Эль Лисицкого « Had Gadya » являются прекрасным примером разнообразия Стеллы как полиграфиста: каждая ритмичная и детальная работа сочетает ручную раскраску с литографией, блоком линолеума и шелкографией.

8. Искусство проникает в его личные отношения

С 1958 по 1960 год он жил на чердаке с фотографом Холлисом Фрэмптоном и скульптором Карлом Андре, которые сказали об их отношениях «мы обучаем друг друга». Андре, который в то время экспериментировал с краской, вспоминал: «Однажды Фрэнк Стелла просто сказал мне:« Послушайте, если ты напишешь другую картину, я отрежу тебе руки […] теперь ты хороший скульптор.Недолгая свадьба со знаменитым искусствоведом Барбарой Роуз привела к открытию в 1965 году выставки Shape and Structure - одной из самых ранних выставок минималистского искусства, куратором которой был Генри Гелдзалер из Метрополитена.

9. Первые попытки самостоятельной работы оказались полезными

Когда он переехал в Нью-Йорк, Стелла все еще красила дома, чтобы платить за аренду, и продолжала использовать кисть и эмаль маляра при создании своего Black Paintings (1958-60).

Фрэнк Стелла (р. 1936), Пойнт оф Пайнс, , 1959. Холст, эмаль.84⅞ x 109½ дюйма (215,5 x 278,1 см). Эстимейт: 25 000 000–35 000 000 долларов. Предлагается на вечерней распродаже послевоенного и современного искусства 15 мая 2019 года на Christie’s в Нью-Йорке

Этот процесс был задокументирован в шутливом фоторепортаже Холлис Фрэмптон « Тайный мир Фрэнка Стеллы », в котором художник приближался к холстам, как к дому - как пространство, заполняемое все более близкими концентрическими линиями.В более поздних «Медных картинах» (1960-61) использовалась краска, препятствующая образованию ракушек, которую он использовал прошлым летом на корпусе лодки своего отца. Названная в честь марки бытовой краски, которую Стелла использовала для их создания, серия «Бенджамин Мур» 1961 года настолько впечатлила Энди Уорхола, что он купил их все.

10. Но он никогда не использовал малярный скотч

Работы Стеллы часто называют «картинами в тонкую полоску», хотя подразумеваемая регулярность неточна.Во время работы художник не обмеряет линии, как предполагали многие критики, а работает от руки, слегка отклоняясь от идеальной прямой линии с естественными изгибами на гибком натянутом холсте.

Фрэнк Стелла (р.1936), WWRL , 1967. Холст, алкид. 62 x 125 дюймов (159 x 318,1 см). Оценка: 4 000 000-6 000 000 долларов. Предлагается на вечерней распродаже послевоенного и современного искусства 15 мая 2019 года на Christie’s в Нью-Йорке

11. Стелла привлекла внимание мира искусства в юном возрасте

Его работы были представлены на выставке в Музее современного искусства до того, как ему исполнилось 25 лет, а его первая ретроспектива прошла в музее, когда ему было всего 34 года - намного моложе многих художников, удостоенных такой же награды.Когда шоу открылось, Стелла была госпитализирована для операции на колене, и воспользовалась случаем не для того, чтобы подвести итоги, а для создания стопки рисунков. «Я не умею рисовать в чистом виде. Мне нужно как можно быстрее перейти к материальной стадии », - заключил он.

12. Он произвел революцию в холсте

Обеспокоенная диссонансом между нарисованными линиями и формой холста, Стелла начала убирать части картин, которые казались лишними.За первыми образцами - Aluminium Paintings (1960) и Copper Paintings (1960-1961) последовали работы, расширявшие концепцию фигурного холста, включая холсты Irregular Polygon (1965-67) и позже Protractor серии (1967-71). В течение следующего десятилетия Стелла внесла рельеф в свое искусство, описав свой подход как «максималистскую» живопись из-за ее скульптурных качеств. Для художника Джона Чемберлена он «художник скульптора».

Фрэнк Стелла (р. 1936), Талладега II , 1982 г. Акрил, эмаль на алюминиевой конструкции.108 x 125 x 7 дюймов (274,3 x 317,5 x 17,8 см). Эстимейт: 400-600 тысяч долларов. Предлагается на утренней сессии послевоенного и современного искусства 16 мая 2019 года на Christie’s в Нью-Йорке

13. Умеет создавать повествовательные абстрактные произведения

В 1983 году Стелла стала профессором поэзии в Гарвардском университете, что стало отражением растущего влияния литературы в его практике.Серия «Хад Гадя» Стеллы стала одним из наиболее ярких примеров этого влияния. Созданная в 1982-84 годах серия из 12 гравюр вдохновлена ​​литографиями русского художника Эль Лисицкого 1919 года, основанными на народной песне, исполняемой после седера, религиозной трапезы, подаваемой в еврейских домах в первую или вторую ночь Пасхи. . Описывая значение этих работ, которые он увидел во время посещения Тель-Авивского музея в 1981 году, Стелла прокомментировал: «Он [Лисицкий] попытался сделать то, что когда-либо пытались сделать некоторые абстрактные художники: обратиться к повествованию.’

14. Его титулы имеют значение

Имена работ Стеллы значительны, наполняя абстрактные образы эмоциональным смыслом. Задумчивые отзвуки картины Black Paintings были усилены провокационными немецкими названиями, связанными с национал-социализмом и нацистской партией. Художник прокомментировал: « Черные картины были темными, очень темными.Некоторым из них требовались темные заголовки ».

Фрэнк Стелла (р. 1936), Без названия (Этюд для могилы Гетти) , около 1959 года.Холст на масоните, эмаль. 11¾ x 11¾ (29,8 x 29,8 см). Предположительно: 1000000–1500000 долларов. Предлагается на утренней сессии послевоенного и современного искусства 16 мая 2019 года на Christie’s в Нью-Йорке

В серии Had Gadya названия гравюр Стеллы повторяют строки традиционной песни, причем каждая новая строка является результатом предыдущей.«Один маленький козленок, папа», за которым следует «Голодный кот съел козу» - последующая гравюра озаглавлена ​​«Потом пришла собака и укусила кошку». Хотя ее значение открыто для интерпретации, песня обычно читается как символическая ссылка на народы, которые подавляли Израиль на протяжении всей истории.

15. Стелла не еврейка

Хотя его работы часто были связаны с элементами еврейской истории.Его серия «Польская деревня » (1971–1993), созданная до Had Gadya , представляет собой группу из более чем 100 работ, посвященных разрушению польских синагог нацистской партией.

Зарегистрируйтесь сегодня

Интернет-журнал Christie's каждую неделю доставляет на ваш почтовый ящик наши лучшие функции, видеоролики и новости аукционов

Подписывайся

16.Он не боится больших размеров

Если поздние печатные работы художника отличались разнообразием, то и размахом. Работы из серии Had Gadya имели размеры до 60 дюймов x 53 дюйма (152 см x 135 см), их монументальность выражала близость к архитектурным сооружениям, на которую впервые намекали в определяющих пространство линиях его ранних работ.

Почему искусство стен имеет наибольшее значение в дизайне интерьера

Тара Мастроени
Обновлено 16 ноября 2020 г.

Маскот / Getty Images

Слишком часто в дизайне интерьера мы видим, что настенное искусство считается второстепенным.Это то, с чем решаются в последнюю очередь, спустя много времени после того, как последний слой краски высохнет на стенах и вся мебель будет искусно расставлена, если с этим вообще будут иметь дело. Но мы здесь, чтобы возразить, отказавшись от настенного искусства в стороне, вы упускаете удивительную возможность дизайна. При тщательном выборе подходящее настенное искусство может покрыть всю комнату. Осмелюсь сказать это, но мы считаем, что настенное искусство имеет наибольшее значение в дизайне интерьера. Однако, если вы немного нервничаете, чтобы отвести настенное искусство на такую ​​важную роль в ваших дизайнерских планах, не волнуйтесь.Используйте этот пост как руководство о том, как точно выбрать предметы, которые будут вписываться в ваше существующее пространство, и у вас будет гармоничный интерьер.

Bulgac / Getty Images

Обеспечивает мгновенную цветовую палитру

Выбор цветовой палитры может быть одним из самых сложных аспектов дизайна интерьера. Количество различных оттенков краски, доступных в вашем местном магазине товаров для дома, может показаться совершенно бесконечным. Может быть трудно сузить круг возможных цветов до цветов, которые лучше всего соответствуют вашему видению пространства.Наш лучший совет - отказаться от сколов краски и вместо этого сосредоточиться на поиске настенного искусства. Как только вы найдете картину или настенную подвеску, которые вам абсолютно нравятся, вы можете использовать этот предмет в качестве вдохновения для возможной цветовой палитры вашей комнаты. Первый шаг - выбрать два или три оттенка из настенного искусства, которые вы хотели бы включить в ваш декор. Выберите доминирующий цвет, а также несколько дополнительных оттенков, которые вы хотите использовать в качестве акцентов. Затем поищите эти цвета в предметах, которыми вы украшаете свое пространство.Если вам нужна дополнительная помощь, вы можете использовать такое приложение, как ColorSnap, которое позволит вам сопоставить эти цвета с соответствующими оттенками краски.

Мгновенно получайте скидки на предметы интерьера!

Подключайтесь к купонам на благоустройство дома и промокодам, которых вы так долго ждали.

Посмотреть предложения

Bulgac / Getty Images

Он создает фокус

Один из основных принципов дизайна интерьера заключается в том, что каждой комнате нужен фокус или отдельный элемент дизайна, который мгновенно привлекает внимание к пространству и дает зрителю представление о том, чего ожидать.Само собой разумеется, что великолепное произведение искусства на стенах могло бы легко соответствовать этой позиции. Представьте, что ваше любимое произведение искусства висит над каминной полкой в ​​вашем жилом пространстве или гордо стоит над кроватью в своем главном номере. В качестве альтернативы, творческая стена галереи может легко оживить более традиционную обеденную зону, или несколько подвесных гобеленов могут создать уютную атмосферу в зоне отдыха. При выборе произведения искусства на стене, которое должно стать фокусом вашего пространства, наиболее важное соображение это размер.Слишком маленькое произведение искусства будет затмеваться окружающей мебелью, а слишком большое произведение будет выглядеть так, как будто оно переливается. Обязательно измерьте доступное пространство на стене, чтобы знать, сколько места у вас есть.

Bulgac / Getty Images

Придает ощущение текстуры

Помните, что не все настенное искусство равноценно. Хотя некоторые предметы могут быть двухмерными картинами или чем-то подобным, вам следует попытаться найти искусство в различных средах, чтобы внести в пространство различное ощущение текстуры.В дополнение к картинам и гравюрам вам следует рассмотреть такие предметы, как скульптуры или тени, которые могут добавить некоторой глубины комнате. Если ваш стиль более авангардный, вы также можете рассмотреть возможность создания небольшой смешанной мультимедийной инсталляции, включающей экраны и цифровое искусство. Эти дополнительные фрагменты текстуры могут помочь добавить столь необходимый визуальный вес вашему интерьеру, что поможет определить тон комнаты. или каково это. Учтите, что грубые текстуры с большей вероятностью сделают пространство интимным и заземленным, в то время как гладкие текстуры привнесут в комнату более гладкий и отстраненный тон.

Майкл Робинсон / Getty Images

Это делает комнату законченной

Подумайте о некоторых из тех интерьеров, которые вы видели не совсем собранными. Возможно, квартира в колледже или первое место для взрослых после окончания школы. Скорее всего, эти пространства казались немного грубыми по краям и немного незаконченными. Скорее всего, у них также были в основном белые стены. Настенное искусство - это тот элемент отделки, который может помочь сблизить пространство и сделать его целостным. Это тот небольшой дополнительный штрих, который может превратить ваше пространство из простого функционального в внешний вид, который должен украсить страницы журнала по дизайну интерьера.Главное - выбрать произведение искусства или другую настенную подвеску, которая соответствует стилю декора, который вы уже выбрали для комнаты. После этого вам нужно будет выбрать декор, который вам понравится и который вы будете счастливы видеть на стене в течение многих лет.

CreativaStudio / Getty Images

Картины для стен не обязательно должны быть последним кусочком головоломки, когда вы украшаете новое пространство. На самом деле, этого не должно быть. Мы считаем, что настенное искусство является самым важным, когда речь идет о дизайне интерьера.Это потому, что при правильном использовании ваши настенные ковры могут стать отличным каркасом, вокруг которого вы сможете спланировать остальную часть комнаты. Воспользуйтесь приведенным выше постом в качестве руководства о том, как правильно выбрать и включить настенное искусство в свой интерьер, и вы получите дизайн, который выглядит так, как будто он был создан профессионально. Насколько большое значение вы придаете настенным рисункам при оформлении комнаты ? На каком этапе процесса дизайна вы обычно выбираете свое искусство? Дайте нам знать в комментариях ниже.

Пабло Пикассо, Три музыканта - Smarthistory

Пабло Пикассо, Три музыканта , 1921, холст, масло, 200,7 x 222,9 см (MoMA)

Картина Пикассо Три музыканта представляет собой три фигуры, написанные в ярком декоративном стиле синтетического кубизма. Это одна из двух очень больших картин на одну и ту же тему, которые Пикассо написал в 1921 году, обе интерпретированы как символические групповые портреты художника и двух старых друзей.В этой версии Пикассо - фигура Арлекина в костюме с ярким ромбовидным узором в центре. Белая фигура Пьеро слева считается поэтом Гийомом Аполлинером, а темная фигура монаха справа представляет поэта Макса Якоба.

Старый предмет, сделанный новым

Арлекин и Пьеро - персонажи традиционного итальянского театра, известного как commedia dell’arte . Пикассо изображал этих персонажей на протяжении всей своей карьеры, лично отождествляя себя с трикстером Арлекином.

Пабло Пикассо, Семья Салтимбанков , 1905, холст, масло, 83 3/4 x 90 3/8 дюйма (Национальная галерея искусств, Вашингтон)

В своей ранней семье Saltimbanques , Пикассо изобразил себя как Арлекин, стоящий в группе фигур, двое из которых также были идентифицированы как представляющие Аполлинера (красный шут) и Джейкоб (маленький акробат в синем). Когда Пикассо написал Трех музыкантов шестнадцать лет спустя, он потерял обоих друзей; Аполлинер умер в 1918 году, и Яков недавно поступил в монастырь.

Хотя это картина маслом, Три музыканта выглядит как коллаж, сделанный из вырезанных кусочков цветной бумаги. Формы упрощены до угловатых, которые соединяются, как головоломка, а плоские цвета создают рисунок поверхности с множеством пространственных неоднозначностей. Темно-коричневый использован для стены заднего плана, а также для стола переднего плана, частей лиц фигур и силуэта собаки, лежащей под столом. Маска Арлекина является частью большой сложной синей формы, которая покрывает большую часть Пьеро.Тот же синий цвет появляется в нижней части картины, возможно, как мебель, и на столешнице как часть натюрморта. В то время как некоторые объекты легко идентифицировать - гитара в центре, ноты и кларнет слева - другие, например, груда предметов на столе, менее четкие.

Ретроспектива кубизма

Три музыканта читается как ретроспектива кубизма и его элементов. Пикассо нарисовал руку Арлекина коричневым цветом на небольшом белом квадрате недалеко от центра картины, сделав его стержнем композиции.Он представляет собой коллаж и творческую руку художника. Стиль картины не только заимствован из кубистского коллажа, но и содержит многочисленные отсылки к более ранним кубистским работам.

Пабло Пикассо, Три музыканта , 1921, деталь (MoMA)

Кларнет, гитара и ноты были стандартными объектами кубистских натюрмортов. Среди предметов, изображенных на столе слева, выделяется нарисованное изображение вырезанного куска газеты, основного материала раннего кубистского коллажа.Светло-голубое лицо и борода монаха имеют форму деревянной расчески - инструмента декоратора, который Брак и Пикассо использовали для создания имитации текстуры дерева во многих кубистских работах. Ромбовидный узор костюма Арлекина, а также его воротник и левая манжета перекликаются с решетчатым узором, который Пикассо и Брак использовали в структуре многих картин аналитического кубизма. Кроме того, по традиции костюм Арлекина сделан из заплаток, что особенно подходит для одного из изобретателей кубистского коллажа.

Новый декоративный подход

Три музыканта - это часть значительного сдвига, произошедшего в искусстве Пикассо после 1914 года.В этом году началась Первая мировая война, и он положил конец его тесным рабочим отношениям с Жоржем Браком, который присоединился к французской армии. После 1914 года Пикассо сделал несколько коллажей. Вместо этого он применил свои кубистские стратегии в традиционной среде холста, масла, что позволило ему создавать картины, которые были намного больше и декоративнее. Этот новый подход имел одно очень практическое преимущество; картины маслом можно было продавать по более высоким ценам. Человек с трубкой - ранний пример этого сдвига.

Пабло Пикассо, Человек с трубкой , 1915, холст, масло, 51 1/4 x 35 1/4 дюйма (Чикагский институт искусств)

Размером чуть более четырех на три фута, это нарисованная иллюзия коллажированных слоев разноцветной и текстурированной бумаги. Яркие цвета и пунктирные плоскости образуют богатый декоративный узор, очень отличающийся от настоящих коллажей Пикассо, состоящих из довольно грязных мелочей. Несмотря на новый акцент на цвете и узоре, фирменная игра Пикассо кубизма с иллюзионизмом все еще присутствует, проявляясь не только в изображении коллажированных фрагментов бумаги, но и в окрашенных декоративных текстурах мрамора и дерева в нижнем левом углу.

Новая театральность

Фотография костюма Пикассо для Parade , 1917

Еще одним значительным изменением, произошедшим в годы войны, стало участие Пикассо в «Русских балетах». Начиная с 1916 года, Пикассо создавал костюмы и декорации для новаторской балетной труппы, часто используя стилистические новшества синтетического кубизма в своих проектах.

Участие Пикассо в балете шло параллельно консервативным тенденциям в его творчестве во время и после Первой мировой войны.В своей чрезвычайно театральной презентации кубистских элементов Три музыканта демонстрируют радикальные инновации современного искусства, но в картине также есть много консервативных элементов.

Это крупномасштабная многофигурная картина маслом, выполненная в традициях шедевра. Несмотря на пространственную неоднозначность и несоответствие, фигуры помещены в неглубокое, похожее на сцену пространство, определяемое отступающими ортогональными линиями в соответствии с техникой линейной перспективы для представления глубины.

Три музыканта , как и проекты Пикассо для очень аристократической формы искусства балета, указали на то, что кубизм больше не был действительно подрывным. Это стало изящным искусством.

Обратиться к традиции

Одним из самых поразительных преобразований в искусстве Пикассо во время Первой мировой войны стало его возвращение к традиционному натуралистическому изображению. Он был не один; в годы восстановления после войны доминировало широко распространенное культурное стремление «вернуть порядок».”

Пабло Пикассо, Сидящий Арлекин , 1923, холст, масло, 130,2 x 89,1 см (Художественный музей, Базель)

Многие ранее радикальные современные художники переняли традиционные стили и сюжеты в этот период интенсивного национализма во Франции, когда крайние нововведения современного искусства часто рассматривались как иностранные (немецкие) и подозрительные. commedia dell’arte , тема Три музыканта сама по себе традиционна и была особенно популярна в консервативном политическом и культурном климате Первой мировой войны и ее последствий.

Джино Северини, Две точки , 1922 холст, масло, 119,5 x 86,5 см (Kunstmuseum den Haag)

В этот период Пикассо написал множество фигурок комедии дель арте , используя традиционные натуралистические техники, как и другие выдающиеся современные художники, включая бывшего итальянского футуриста Джино Северини.

В то же лето, когда он нарисовал две версии Три музыканта , Пикассо также нарисовал гораздо более традиционный Три женщины на весне , в котором используется светотень для представления классических фигур, основанных на древнегреческой скульптуре.

Пабло Пикассо, Три женщины у весны , 1921, холст, масло, 203,9 x 174 см (МоМА)

Несмотря на очевидные различия стиля и сюжета, все картины представляют собой большие, централизованные и сбалансированные композиции с тремя монументальными фигурами, сжатыми в неглубокое, похожее на фриз пространство. Картины демонстрируют одновременную приверженность Пикассо двум различным стилям изображения: классическому натурализму и кубизму.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *