Рококо описание: Интерьер в стиле рококо: описание, варианты декора, фото

На первый взгляд, мебель в стиле барокко и рококо почти ничем не отличается. В обоих стилях мебель ярко декорирована растительными узорами, изящными ножками, повторяет S и C-формы. И все же мебель в стиле рококо более тонкая, скорее женственная, с более стройными ножками, ассимметричная, более светлых оттенков.

Мебель часто обивалась шелком серебряного, золотого или бронзового цвета. В бальных залах и прилегающих к ним комнатам находились низкие итальянские диваны, служащие скорее для украшения, чем сидения. Консоли и столики были украшены золотой или бронзовой резьбой.

Освещение

Освещение в стиле рококо роскошно и претензионно, французы очень любят подсвечники и канделябры. В интерьере в стиле рококо распространены великолепные люстры и настенные бра, подобранные таким образом, чтобы увеличить уют пространства.

Большое значение придается естественному свету: в французских домах распространены высокие и узкие окна во всю стену, их дополняло большое количество зеркал для усиления ощущения открытого пространства. Зеркала находились в роскошных позолоченных рамах с резными фигурками цветов и ангелов.

Использование предметов декора в стиле рококо

Роскошная асимметрия рококо вдохновлена естественной кривизной деревьев и цветов, раковин ракушки, облаков. Аксессуаров немного – основной декор приходится на стены, потолок и уже известные нам люстры, зеркала  и элегантную мебель.

Главным мотивом комнаты в стиле рококо часто служил низкий камин, покрытый мраморной плитой, на котором нашли себе место часы, фарфоровые статуэтки и другие украшения. Обычно над ним висело зеркало.

Основа стиля рококо – изящный орнаментальный ритм, личный комфорт и уют. Этот стиль, такой французский, такой роскошный, украсит помещение любого размера, если подходить к выбору декора с умом. Именно “элегантность” – ключевое слово той эпохи. Рококо – период выхода из реальности в мир фантазии, театральной игры с небольшим религиозным влиянием.

Для запоминания, рококо – это:

• Нежные и легкие цвета, которые сочетаются с золотым и медным декором;

• Роскошные материалы: дорогая древесина на пол, шелк и бархат, стекло и хрусталь, кованые металлические аксессуары: бронза, латунь, медь;

• Обилие декоративных элементов: зеркал и картин в массивных позолоченных рамах, старинных часов и кованных канделябров;

• Основами стиля являются асимметрия, гладкие линии, закругленные формы, декоративная нагрузка.

Все совпало с тем, что запомнили?

Автор: Екатерина Пигасова

Стиль рококо — утонченный стиль восемнадцатого века

Рококо − это уникальный по утонченности стиль восемнадцатого века.

Его характерными чертами являются нагрузка интерьера декоративными элементами, а также лепниной. Стиль изобилует сюжетами, взятыми из греческой мифологии и сказок. Рококо очень требователен к комфорту- он отличается огромным количеством мебели, кроме нам привычных дивана, кресла, в помещении в стиле рококо может стоять кушетка, софа, пуфик, комод.Лучшими цветовыми сочетаниями для рококо считаются сочетания нежных пастельных оттенков с белым- персиковый, бирюза, лазурный-все они идеально вписываются в классический интерьер. Дополняет гамму золото и серебро, которое встречается в рококо в изобилии.
Для стен в стиле Рококо характерна изысканность и вычурность рисунка. Для их украшения отлично подойдет орнамент «дамаск» или «рокайль. Также стены пресловутого стиля могут украшать изображения голов амура, морские ракушки, замысловатые завитки.В качестве обоев лучше использовать шелкографические. Можно также придать помещению шарма с помощью украшения обивки стен тканью.

Лепнина играет важную роль в декорировании потолка, поэтому он обязан быть ею украшен, но допускаются также и другими декоративными элементами. При желании элементы позолачиваются или же окрашиваются в белый цвет- все делается по выбору хозяев. В рококо потолок является «пятой стеной», продолжая узоры на них и дополняя их лепнинной композицией. При помощи такого украшения как падуга можно зрительно убрать переход между стеной и потолком.

Это направление непритязательно к материалу напольного покрытия. Пол может быть керамическим, деревянным, паркетным. Узор, цвет, орнамент и фактура не столь важны в данном случае. Главное, чтобы покрытие вписывалось в общий интерьер. Отличным решением будет положить глянцевый паркет, который усилит сияние пола и придаст ему старинность. Кроме того, в стиле рококо иногда используются ковры, занимающие не более половины площади помещения.
Мебель этого направления являет само изящество — небольшая, но удобная и изысканная. Чаще других используются уютные кресла, шезлонги, мягкие стулья. Именно во времена рококо появились маленькие скамеечки, на которых удобно сидеть и наслаждаться жизнью. Появляются также комфортные бержери — двойные диваны. Общий дизайн мебели выполнен в романтическом стиле: различные завитки всех форм и размеров, орнамент — цветы, ангелы, феи и иные выдуманные существа, трогательные герои басен-пастух и пастушка. Мебель в ту пору делалась из достаточно легких материалов- липа, ольха, которые также просто поддавались тонкой резьбе. Помните, что мебель в эпоху рококо становится не столь практичной, сколь красивой, поэтому появляются такие предметы обстановки как секретер- ящичек для бумажных принадлежностей, ломберные столики, тумбы, предназначенные для хранения какой-то одной вещицы или вазы.

Фарфор, золото, керамика-все эти материалы просто созданы для рококо. Если вы планируете создавать у себя дома интерьер в подобном стиле, то вам не обойтись без огромных позолоченных дедушкиных часов с маятником, а также без коллекции фарфоровых статуэток под старину или же искусно сделанных канделябров. Канделябрами, кстати, можно заменить бра на стене или подобрать люстру в такого же типа. Можно сказать, что рококо не ограничивает дизайнеров в потоке фантазий и идей — можно комбинировать различные старинные вещи без упрека за вычурность. Интересно, что даже привычный нам аквариум-это отличительная деталь рококо, которая проявилась именно в этом направлении.
Одно из направлений рококо − это шинуазри, что дословно означает «китайщина» в переводе с французского. Шинуазри выражалось в увлечении богатой знати предметами с Востока и Поднебесной. Именно в эту пору в моду входит тонкостенный китайский фарфор, который мгновенно захватывает лидерские позиции на рынке посуды для богачей. Кроме посуды, большую известность приобрели вазы и статуэтки. Известность также приобретают и другие ныне популярные товары из Китая — шелк, чай, одежда. Кстати, именно с появлением чая возникла культура чаепития в европейских странах.

Советы профессионалов дизайна интерьера по созданию помещения в стиле рококо:

1. Не нужно пытаться сконцентрировать в обстановке много старинных деталей, иначе это покажется неуместным. Пусть лучше лишь некоторые детали стиля будут присутствовать в вашем интерьере, например, лепнина или завитки у мебели.
   
2. Интерьер в стиле рококо легко создать в любом помещении. Его атрибуты легко впишутся даже в небольшую комнатку. Декорировать в подобном стиле можно любое помещение, будь то библиотека, кабинет, детская, столовая или даже ванная. Главное − это с умом использовать пропорции помещения, к примеру, в небольшой гостиной не стоит располагать мебель вдоль стен − это не создает ощущение уюта, а также заметно уменьшает пространство.
   
3. Стоит также всегда помнить про освещение вашей комнаты. Отлично, если вы найдете несколько канделябров той эпохи, но пользоваться свечками-довольно утомительно занятие, и, к тому же свечи плохо освещают помещение. Подберите более современный вариант- люстру с лампочками в виде свечей. Внешний вид люстры тоже должен отвечать стилю того времени- хрустальные подвески, бусы и прочие украшения, мягко рассеивающие свет. Кроме канделябров, рекомендуется присмотреть и бра в виде ракушек или торшеры с бахромой.
   
4. Не забудьте про камин. Обычно его делают невысоким, покрытым мраморной плитой- белой или кремовой. Немаловажно и украшение камина- хорошо, если вы украсите его милыми фарфоровыми статуэтками и иными безделушками. Также стоит повесить над ним большое овальное зеркало, а по бокам поставить канделябры-это подчеркнет настроение и стиль интерьера.
   
5. Планируя создание в своей квартире интерьера в духе рококо, помните, что вам потребуется много копий полотен 18 века. Картины императриц и их фаворитов- неизменные гости этой обстановки. Полотна можно приобрести на блошином рынке или же заказать через интернет-компанию, которая распечатает вам понравившуюся картинку за небольшую цену.
   
6. В вашем интерьере обязательно должна присутствовать лепнина. Она может быть где угодно- в оформлении камина, украшении потолка, стен или дверей, может также встречаться в отделке мебели и зеркал. Самое поразительное, что разновидности лепнины не ограничиваются одними лишь завитушками различных форм − это могут быть и искусно вылепленные ракушки, лепестки цветов, маски и многое другое.
   
7. Кроме лепнины, обратите внимание на присутствие фарфоровых изделий в интерьере. Обилие фарфоровых безделушек объясняется революцией на производстве того времени.
   
8. Для обстановки в духе рококо стоит подобрать несколько милых вещиц, которые подчеркнут изысканность помещения и создадут настроение того времени.
   

Историческая справка стиля рококо:

Рококо, что означает «декоративная ракушка»- направление в живописи,дизайне, архитектуре, музыке возникшее в 18 веке. Рококо появился благодаря коренным изменениям в умах знати и придворных, изменениям также подверглись внешний вид богачей, их взгляды, быт и культура. Пик развития стиля наблюдался в Германии, в начале 18 в.
Стиль рококо появился во времена фаворитизма, в начале 18 века, и достиг наивысшей популярности при Людовике XV. Данный стиль является преображением «холодного, тяжелого и скучного» барокко. Его конструктивным отличием была легкость,игривость, ощущение «вечного праздника». Архитектура и убранство интерьеров того времени требует раскрепощения и освобождения от вечных пропорций и правильных форм. В отделке начинает присутствовать лепнина и картуши, изготовленные из нее, если посмотреть на внешний вид фасадов того времени то можно увидеть, как богато и вычурно украшены дома богатых дворян извилистыми рокайлями. У людей словно появляется потребность в красоте- они начинают украшать скучные правильные здания шутливыми завитками, изящными пилястрами , теперь каждый фасад дома являет собой настоящее произведение искусства.
Основные отличительные черты стиля-это рокайль и картель. Рокайль-это декоративный элемент, исполненный в виде завитка, а картель- композиция из рокайлей.

Как сделать стиль рококо современным и приближенным к 21 веку?

При создании интерьера, необходимо учитывать собственные потребности и возможности помещения. Как известно, рококо не имеет ограничений по габаритам, поэтому воссоздать обстановку 18 века по силам любому человеку. В современных условиях завитки и рокайли этого стиля были слегка упразднены и в конечном итоге остались лишь на мебели, аксессуарах и зеркалах. Нынешнюю эволюцию данного стиля можно смело называть минималистичной версией, но скудность украшений отнюдь не правило, а скорее дань моде на урбанистическую обстановку. Тем не менее, создавая обстановку в духе рококо помните, что данный стиль можно комбинировать с другим классическим, например, французским, дабы использовать интересные стороны обоих. В современной обстановке вы уже не найдете той нежной палитры пастельных оттенков, приятно гармонирующих с золотом и серебром – нынешние интерьерные решения предлагают отказаться от устаревшей гаммы и сделать более яркие стены, так броско контрастирующие со светлой мебелью. Напольное покрытие, а именно старый паркет планируется заменить чем-то более прочным вроде ламината или плитки ( если вы обустраиваете ванную или кухню), в сочетании с древесным покрытием ламината особенно хорошо смотрятся шкуры животных и небольшие мягкие ковры. Обязательные атрибуты интерьера- торшер с хрустальными подвесками и зеркала, если вы планируете изменить рококо на современный лад, то можно обойтись и без фарфора, однако в таком случае вам необходимы другие аксессуары, выгодно подчеркивающие настроение той эпохи, например, канделябры.

Стиль Рококо в современном интерьере: квартиры,кухни, описание от FullHouseDesign

Изысканный стиль рококо в дизайне интерьеров, отличающийся обилием декоративных элементов и сложных орнаментов

Рококо – это художественный стиль, возникший во Франции в первой половине 18 века и получивший свое название от орнамента рокайль (в переводе с французского – дробленный камень, ракушка). Свое развитие он получил от стиля барокко. Однако в противовес масштабности и парадности своего предшественника рококо был создан с ориентацией на создание интерьеров, а не архитектурных сооружений, поэтому он изначально демонстрирует камерность и интимность. Характерными чертами интерьера в стиле рококо являются изысканность, обилие декоративных элементов и сложных орнаментов. Рококо возводит в культ создание мира, наполненного атмосферой неги, тепла и уюта. Легкость, игривость с легкой долей кокетства присуще рококо в полной мере, ведь он был современником могущественных королевских фавориток, диктующих декоративный, капризный вкус эпохи.

Никогда еще искусство оформления жилищ в столь полной мере не соответствовало характеру жизненного уклада. Беззаботная, уподобленная беспрерывному маскараду жизнь светских салонов сосредоточена вокруг женщины. Тон во всем задают великосветские жеманницы; легкомысленный, поверхностный, по театральному декоративный вкус эпохи диктуется капризами фавориток короля. Как стиль, он привнес представление об интерьере, как о едином целом, где достигнуто полное единство всех компонентов: декора, стен, потолка, мебели, расцветок обивочных и драпировочных тканей. Рококо чужда прямая линия и симметрия, а в свою очередь обилие ажурных форм, сложных орнаментов, ассиметрично расположенных деталей, светлых красок, создает ощущение праздника.

Стиль рококо не терпит низких потолков, ровных стен и ограниченного пространства. Наиболее органичен рококо в загородном доме и частных апартаментах. Живописный с легким налетом эротизма этот стиль прекрасно вписывается в оформление гостиных, спален и туалетных комнат. В интерьере в стиле рококо много тонкого резного и лепного оформления, узоров, завитков, переплетенных с гирляндами цветов, листьев, включает в себя маски-головки амуров, драконов, пальм, атрибуты музыкальных инструментов в сочетании с рокайлем.

Рокайль – декоративный мотив, напоминающий по форме раковину, который является основой орнамента в этом стиле. Он с одинаковым успехом воплощается в дереве, металле, фарфоре и декоративных тканях. В этот период продолжает усиливаться восточное, и прежде всего китайское влияние. Изящные по формам, украшенные тонким, изысканным декором художественные изделия китайских мастеров отлично гармонировали со стилем, процветавшим при европейских абсолютистских дворах.

Владельцы дворцов и роскошных особняков считали своим долгом завести «китайский зал», обставленный китайской мебелью и отделанный деревянными панно лаковой работы, либо, на худой конец, устроить галерею китайского фарфора. Одним из самых ярких примеров смешения китайской разновидности геометрического орнамента с формами рококо — великолепные и большие застекленные книжные шкафы работы Чиппендейла, одного из самых выдающихся мастеров мебели своей эпохи, в них фасонная пайка стекол решена в виде ромбовидной сетки.

В цветовой гамме для рококо приоритетными являются изысканные пастельные тона: жемчужный, бледно-охристый, перламутровый, серебристый, голубоватый и другие, подобные, в сочетании с золотом.

Сами помещения часто бывают овальные в плане или, как вариант, круглой формы, что легко сейчас реализуется с помощью панелей гипсокартона или деревянными декоративными панелями, выполненными по индивидуальным авторским чертежам. Дополнительно для декорирования стен и оконных проемов используются овальные медальоны. Стиль рококо направлен на разрушение плоскостей, поэтому стены не имеют четких границ с потолком, для чего широко используется падуга, (плавный полукруглый переход, связывающий то и другое) декорируемая тонким орнаментом.

В отделке стен рококо использует сложные формы и дробленый орнамент. Изначально стены обтягивались шелковыми тканями в сочетании с портьерами. Несколько позже стали применять хлопчатобумажные ткани и бумажные обои, чаще всего с имитацией восточного колорита. Рококо демонстрирует демократичный подход в оформлении пола, который может быть, как деревянным, так и керамическим. Неотъемлемой частью стиля является наличие в интерьере зеркал различных размеров, которые в сочетании с позолотой, как бы стекающей по стенам, и богатой лепниной потолка, деформируют пространство и создают утонченную атмосферу интимности и загадки, присущей только рококо.

В мебели интерьеров эпохи этого стиля отсутствуют прямоугольные формы. Элегантная, легкая с изящными плавными линиями, она представлена в виде кресел с гнутыми спинками и подлокотниками, диванами с большим количеством подушек, овальными столиками с изогнутыми ножками, комодами и секретерами, использующими волнистые конуры. Главным является плавный переход форм, отсутствие всего массивного и статичного. В расстановке мебели присутствует излюбленная рококо асимметрия.

Мебель рококо строится на полном отказе от принципа архитектоничности со свойственным ему подчеркиванием автономности отдельных элементов конструкции. Теперь детали растворяются в общем объеме предметов, словно отлитых из некой пластичной массы. В отдельных комодах линии конструкции исчезают, а границы ящиков полностью замаскированы стелющимся по поверхности предмета орнаментом. Волнистые поверхности изделий корпусной мебели фанеруются техникой мозаичного набора. Для большей нарядности они украшаются узорчатой рамкой либо обрамляются нарядным орнаментом маркетри. В декоративном убранстве мебели рококо резьба по дереву занимает очень скромное место. Ее замещают бронзовые накладки.

Очень важное значение для рококо имеют аксессуары, благодаря им интерьер в этом стиле выглядит как шкатулка с драгоценностями. Позолоченные канделябры, гобелены с изображениями цветов, пагод, людей в китайской одежде, ширмы, зеркала, зрительно меняющие пространство, фарфоровые статуэтки, часы, картины станут заключительным аккордом в оформлении интерьера в этом стиле. Главный мотив в убранстве интерьера — невысокий камин, покрытый мраморной плитой и тонко отделанный стукко. На камин ставили часы, канделябры, предметы украшения, а участок стены над ним покрывался зеркалом, оправленным в роскошную раму.

Зеркал в салонах и будуарах было обычно много; развешанные на стенах и расставленные на столиках и консолях, они усложняли, деформировали пространственную структуру помещений.

Студия дизайна Fullhousedesign разработала проект квартиры в белых тонах для жилого помещения, стилизовав его под рококо: В интерьере присутствует легкий намек на женственный и игривый стиль рококо. Он выражается в использовании восточных мотивов в обивке тканей штор, подушек, торшера. Китайский колорит поддерживает богатая люстра с цветочным орнаментом и рокальная мебель.

Стиль АМПИР

Решения для интерьера в стиле ампир — колористика, орнамент, мебель, освещение, декор, отделка. Все подробности…

Читать далее

Вперед >

Стиль БАРОККО

Стиль рококо в интерьере

Рококо стиль в интерьере: описание, примеры оформления, фото

Содержание

1. Концептуальные особенности стиля
2. Организация пространства
3. Цветовая палитра и узоры
4. Материалы и отделка
5. Оформление стен и потолка
6. Оформление пола в стиле Рококо
7. Детали и декор
8. Освещение
9. Мебель в стиле рококо
10. Рококо — стильные идеи фото

Концептуальные особенности стиля

Рококо – это французский утонченный и элегантный стиль (от фр. rococo, rocaille — скалистый).  Особенно популярным этот стиль был в 18 веке.  Если барокко был пышным и роскошным, сочетающим в себе противоположности, то rococo —  это более мягкий и изящный стиль.

Барокко и рококо  похожи между собой в предметах мебели – оба они почитают золото и богатство. Первый отличается изобилием в лепнине, декорациях и предметах мебели.

Стиль рококо в архитектуре – это грациозные, элегантные здания, которые выделяются на фоне других. Часто используется лепнина. Помимо лепнины, на стенах есть рамы. В них часто вставляют зеркала.

Этот приём не только расширяет пространство, но и является особенностью rococo. Связан с мифами и сказками этот стиль как будто соединят в себе фантастическую сторону и реальную – что и отображали зеркала.

Организация пространства

Сравнивая барокко и рококо,  можно заметить, что для первого присуща чрезмерная «пышность». Это стиль для большого пространства – дворцов и роскошных королевских палат в Версале.

Rococo характерен для помещений поменьше. Французская аристократия 18-19 веков использовала барокко для оформления общих залов, где устраивались мероприятия – балы, приёмы.

Личные апартаменты – спальни, небольшие гостиные оформляли в стиле рококо. В современном интерьере он хорошо смотрится в спальнях, столовых и ванных комнатах. Но больше всего он подходит для оформления гостиной.

Чтобы грамотно вписать rococo в интерьер, нужно следовать таким простым рекомендациям:

• Стены и потолки должны быть выдержаны в одной стилистике, чтобы создавать ощущение единого целого;
• Если комната небольшая – лучше не размещать сразу все предметы декора в одном месте. Лучше грамотно их распределить по всему пространству – чтобы не создавалось ощущение «музейной» атмосферы;
• Для расширения квадратных метров можно установить несколько зеркал в арки на стенах. Так будет выделен стиль;
• Если в квартире высокие потолки – в качестве отделки стен подойдут фактурные обои с цветочными узорами.

Цветовая палитра и узоры

Rococo более спокойный и не такой насыщенный в плане цветовой гаммы. Дизайнеры советуют использовать пастельные оттенки и сочетать между собой:

• Белый и золотой;
• Белый и лиловый;
• Бежевый и золотой;
• Светло-зеленый и бледно розовый.

Все яркие цвета выглядят более размыто и приглушенно, что позволяет  использовать rococo в спальне не рискуя каждый раз испытывать перенапряжение от агрессивных цветов.

Rococo – это нежно-розовые, фисташковые, лиловые оттенки.

Хорошо сочетаются между собой золотой с белым, зеленый и розовый.

Дизайн интерьера в стиле рококо – роскошь. Поэтому так часто можно встретить гобелены, ширмы и дорогой фарфор. Смешение стилей в rococo приветствуется, поэтому часто на гобеленах и картинах изображены китайские мотивы.

Гармония достигалась с помощью орнаментов и узоров. Они должны сочетаться с основным цветом стен. Стиль рококо подразумевает использование арок. Именно в этих арках оформляли целые живописные сцены, где участвовали орхидеи, деревья, рыбы – природные мотивы.

Иногда художники рисовали пасторальные сценки – пастушка и пастух. Особо пышные варианты – оббивка стен тканью и бархатом небесно-голубых и нежно-розовых оттенков. В качестве «сюжетов» rococo стен и потолка использовались мифологические персонажи и небольшие зарисовки из их жизни.

Материалы и отделка

Поскольку этот стиль, в основном, предпочитала аристократия, то и материалы выбираются натуральные. Для пола – паркет из дерева, ламинат с узорами.

Для стен выбирают бархатные обои благородных цветов, а потолок обычно украшают фресками или лепниной.

Оформление стен и потолка

В качестве отделки для стен и потолка стараются использовать однотонные цвета. Если потолок слишком низкий – такой вариант будет лучшим выходом.  Узорчатая лепнина вполне допускается – главное, чтобы она соединялась со стенами и не выглядела как отдельный элемент.

Для этого вокруг потолка пускают карниз. В центре будет люстра, выходящая из центра узорчатой розетки.  Материалом для потолка послужит краска. Оттенки – белый либо слоновая кость.

Если потолки высокие и комната большая – тогда можно разделить потолок на «секции».

В каждой такой секции будет свой узор или мотив, выполненный в золотом цвете. Белый потолок и золотистые объемные узоры создадут обстановку роскоши в любой комнате.

Если потолки круглые – классический вариант с лепниной подойдёт как нельзя лучше. Цветные изображения пасторальных сценок, ангелов и цветов украсят потолок. Вокруг рисунков будет располагаться лепнина в виде роз, купидонов и абстрактных узоров.

Оформляя стены, следует обратить внимание на то, что rococo исключает острые углы. Стены стараются оформить под шёлк – как раньше в роскошных дворцах. Для этого используют фактурные обои из ткани либо гобелены .

Оформление пола в стиле Рококо

Если стены и потолок могут сочетать в себе сразу несколько цветов, то пол, в большинстве случаев, однотонный. В качестве материалов лучше выбирать натуральные – дерево, паркет. Таковы правила, которые использует стиль рококо в архитектуре.

Если принято решение оформить столовою в стиле rococo, то допускается использование керамической плитки, но с имитацией мрамора. Такие кухни будут смотреться дорого, и подчеркивать уникальный дизайн интерьера в стиле рококо.

В гостиной можно постелить ковер, выдерживая общий стиль – он должен быть с восточными мотивами.

Лучше всего впишутся в интерьер rococo небольшие по размеру ковры, иначе есть риск, что он просто «перекроет» общее впечатление от комнаты и будет главным акцентом в ней.

Детали и декор

Rococo – немного будуарный стиль.  Если декорируется спальня- на туалетный столик можно поставить фарфоровые фигуры – купидоны, женские силуэты. Хорошим решением будет подставка под украшения в виде бального платья, это изящество rococo.

На стены вешают картины – на них изображены сцены из жизни 18-19 веков – пасторали. Чтобы декорировать мебель – можно использовать яркие подушки для дивана, выполненные из шёлка. Шёлк – это один из основных материалов стиля rococo.

В интерьере дизайнеры советуют делать акцент на восточной культуре – например, вазы с китайскими мотивами, сервизы.  Если пространство большое – не стоит проходить мимо напольных часов с маятником c золотой резьбой и фигурками.  Можно установить аквариум с рыбками, которые будут задавать настроение всем жителям дома.

Освещение

Выбирая освещение, архитекрура рококо подразумевает установку больших и пышных люстр. Они занимают центральное место на потолке, и являются основным источником света. Их исполнение разнообразно – люстры rococo – это «лепестки», «цветы» и «диадемы».

Люстры состоят из нескольких ярусов. Такое освещение лучше подойдет для больших помещений с высокими потолками. В противном случае, огромная люстра будет просто «давить» и не создавать ощущение комфорта. Для небольших комнат, подойдут бра – они бывают не менее роскошны – с растительными мотивами и узорами.  Не менее популярны в стиле rococo – жирандоли. Это такой вид торшера, исполненного в виде большого подсвечника.

Они также бывают декорированы разными элементами, небольшими статуэтками и узорами. Стиль рококо в архитектуре — это большая розетка в центре потолка из лепнины. Обычно это растительные мотивы. Люстра «пышная» с имитацией свечей и хрусталя. В стиле rococo используются дополнительные источники света – бра, торшеры которые гармонируют со стилем люстры.

Мебель в стиле рококо

Если для гостиной используя дизайн интерьера в стиле рококо одного дивана с креслами достаточно, то в рамках этого стиля  размещают дополнительные пуфы и маленькие диванчики, поскольку важен комфорт.

Сама мебель с бархатной обивкой, либо с обивкой с цветочными мотивами.  Стиль выражается во всем – даже в резных ножках стульев и столов.

Добавить ощущения расслабленности помогает камин.

В гостиной  — это центральный элемент.  Портал, в котором он расположен c лепниной, а  на полку над камином мелкими предметами  – статуэтками амуров, орхидеями и фарфоровыми фигурками.

Рококо — стильные идеи фото

Помогла ли вам статья?

особенности, мебель, декор, кухня, спальня, ванная комната

Рококо (франц. «декоративная ракушка») зародился в первой половине XVIII века во Франции. Стиль характеризуется камерностью, уютом и роскошью. Рококо присущи асимметрия, округленность форм, светлые цвета и обилие декоративных элементов.

Философия стиля: «главное в жизни – это праздник, любовь и наслаждение».

История происхождения

Зародившись во Франции в начале 18 века, на пике популярности в 1720-1780 годах рококо был распространён во всех странах Европы. Стиль противопоставлялся модным в те времена монументальному классицизму и вычурному барокко.

Рококо – это наследник барокко, но более утончённый и менее театрализованный.

Стиль вобрал в себя:

• Китайские мотивы;
• Итальянский стиль;
• Готику;
• Позднее барокко.

Особенности стиля

Линии

Круглые формы в интерьере – отличительная особенность рококо. Дверные проёмы, панно и окна округлённые. Мебель резных и извилистых форм. В орнаменте, расстановке мебели и общем оформлении помещений доминирует хаотичность и асимметричность.

Материалы

В оформлении интерьера используются бронза, мрамор, керамика и золото. Возможны вкрапления элементов из дерева любых пород: от сосны до экзотического зебрано.

Потолок

Цвет потолков белый либо светло-голубой. Оформляется белой или золотистой лепниной.

Роспись потолков представлена красочными, но неброскими орнаментами. В оформлении орнаментов используется тематика флоры, на потолках можно увидеть узоры из роз, орхидей и лилий.

Стены

Стены представлены тканевыми или имитирующими ткань обоями с асимметричным орнаментом.

Популярны вставки деревянных панелей с лепниной античной стилистики.

Стены украшены картинами в рамах, расписанных цветовыми узорами, либо стилизованных под ракушки.

Пол

Материал напольного покрытия многообразен: от керамического до деревянного. Часто встречается имитация мрамора.

Пол может быть как непримечательным, оставляя фокус для остальных элементов интерьера, так и художественным произведением искусства.

Размеры орнамента пола и цветовое исполнение – на личный вкус хозяина квартиры.

Цвета и ткани

Цветовая гамма – пастельная. Основные цвета: жёлтый, розовый, голубой, кремовый и мраморный. Дополнительные оттенки: перламутровый, жемчужный и лиловый. Распространённые сочетания: белый с голубым и золотой с розовым.

Текстиль: парча, расписной шёлк и атлас. Ткань преимущественно глянцевая. Мебель обивается велюром, парчой и натуральной кожей. Шторы изготавливаются из шёлка и гобелена пастельных тонов, с использованием бахромы и золотой вышивки. Шторы двойные или тройные.

Окна

Окна больших размеров и округленной формы, рамы декорированы художественной лепкой из завитков, растительных узоров и цветочных гирлянд.

Неотъемлемый элемент в оформлении окон – шторы с ламбрекенами, украшенные золотой вышивкой и бахромой. Ламбрекены украшены узорами из роз и бантами.

Освещение

Помещения украшены большими изящными люстрами с капельными подвесками из хрусталя. На стенах размещается несколько бра, стилизованных под ракушки и украшенные бантами.

Широко используются свечи и свет камина, играющего в гостиных главную роль.

Посуда

Под стать общему интерьеру, посуда роскошна и изящна: создана из дорогих материалов, обильно украшена золотым орнаментом.

Посуда выставляется напоказ: дорогие тарелки стоят на полках, комоды украшаются расписными вазами и хрустальными бокалами.

Мебель

Камерность всего стиля проявляется и в мебели: она небольшая, округлой формы, но изящна.

Основная мебель: кресла, стулья, шезлонги и диваны. Двойные модели диванов – ещё одна отличительная особенность рококо.

Классическим материалом для мебели является дерево, чаще всего расписанное позолотой, реже – резьбой.

Декор

Декор разнообразен, но всегда шикарен и изящен. Основные элементы оформления комнат: картины, зеркала, часы, небольшие статуэтки на полках, столах и комодах, фарфоровые репродукции античных скульптур.

Особенности интерьера в комнатах

Кухня и столовая

В стиле рококо зачастую оформляют залы элитных ресторанов и кафе. Для частных домов важным условием оформления столовой является просторность помещений.

Стены, потолок и пол на кухне светлых оттенков, преобладающие цвета: молочный, жемчужный и кремовый. На потолке размещается белая лепнина.

В качестве освещения используется дорогая люстра, зачастую с подсвечниками вместо ламп.

Шторы и скатерти могут быть из шёлка, парчи или жаккардовой ткани с бархатными и золотыми вкраплениями. Цвет штор подбирается в тон с обоями.

Кухонный гарнитур с золотым орнаментом, округлой формы без острых углов.

Спальни и детские комнаты

Обои тканевые, пастельных тонов. Шторы спокойных оттенков, многоуровневые.

Шторами оформляются и кровати. Изголовья кроватей элегантные, с золотыми росписями.

В спальнях много зеркал, обязательно наличие комодов и секретеров. В женской комнате ставится туалетный столик. На стенах картины висят асимметрично, пуфы и диванные подушки оформлены сюжетной вышивкой.

Оформление детской комнаты в рококо имеет свои особенности: детская кроватка с балдахином, в целях безопасности зеркал может не быть вовсе, либо только одно на туалете. Детские игрушки (мягкие плюшевые мишки, лошади-качалки) используются в качестве декора и должны органично вливаться в общий интерьер детской.

Ванная

Ванная в рококо всегда просторная.

Потолки и стены расписные, с лепниной. Материалы для ванной: керамические покрытия и мрамор.

Зеркала заключены в рамки-ракушки с белыми росписями.

В целях безопасности, светильники в ванной закрытого типа.

Гостиная

Гостиная оформляется в пастельных цветах. Главный предмет в гостиной – это камин, сливающийся с остальным декором. Над камином часто висит большое зеркало в расписной оправе.

В гостиной много декоративных вещей: статуэтки, скульптуры, настенные часы, на стенах развешены картины. Посередине комнаты стоит стол, вокруг него диваны и стулья.

Обои текстильные, с цветочным или узорчатым орнаментом. Большие окна, двойные гардины, многоуровневые шторы – элементы гостиной рококо.

Освещение состоит из одной люстры с подсвечниками и нескольких бра на стенах.

Обзор движения в стиле рококо | TheArtStory. Картины, ставшие визитной карточкой эпохи, были созданы во славу грандиозных идеалов рококо и страсти к аристократическому образу жизни и развлечениям. Движение, зародившееся во Франции в начале 1700-х годов, превратилось в новый, непревзойденный союз декоративного и изобразительного искусства, который стал визуальным лексиконом, проникшим в континентальную Европу 18-го века.

Ключевые идеи и достижения

• Жанровые картины были популярным способом изобразить смелую и радостную жажду жизни эпохи рококо. Сюда входили fete galante , или произведения, обозначающие времяпрепровождение на открытом воздухе, эротические картины, наполненные чувством причудливого гедонизма, аркадские пейзажи и портреты «знаменитостей», в которых обычные люди изображались в роли известных исторических или аллегорических персонажей.
• Искусство и архитектура в стиле рококо несут в себе сильное чувство театральности и драматизма под влиянием сценографии. Влияние театра можно было увидеть в новаторских способах вплетения живописи и декоративных предметов в различные среды, создавая атмосферу полного погружения.
• Детальная работа процветала в эпоху рококо. Лепные рельефы в виде рамок, асимметричные узоры с мотивами и завитками, скульптурные арабески, позолота, пастель и tromp l’oeil — наиболее известные методы, которые использовались для достижения плавной интеграции искусства и архитектуры.
• Термин «рококо» впервые был использован Жаном Мондоном в его Premier Livre de forme rocquaille et cartel (Первая книга о формах и обстановке рококо) (1736 г.) с иллюстрациями, изображающими стиль, используемый в архитектуре и дизайне интерьера. Термин произошел от французского rocaille , что означает «работа из ракушек, галька», используется для описания фонтанов или садовых гротов эпохи Высокого Возрождения, в которых использовались морские ракушки и галька, встроенные в лепнину, для создания сложного декоративного эффекта.

Произведения художников и художников рококо

Развитие искусства

1717

Посадка на Циферу

Художник: Жан-Антуан Ватто

Эта картина в пасторальном платье изображает множество любовных пар в элегантной или пасторальной обстановке. Кифера, мифический остров, где Венера, богиня любви, родилась из моря. Жесты и язык тела вызывают воспоминания, поскольку мужчина, стоящий ниже центра, обнявший талию женщины рядом с ним, кажется, искренне умоляет ее, в то время как она оборачивается, чтобы с тоской посмотреть на другие пары. Обнаженная статуя богини возвышается с пьедестала, украшенного цветами справа, как будто руководит празднеством. Слева она дважды изображена в золотой статуе, которая помещает ее на нос лодки. Обнаженные путти появляются на протяжении всей сцены, паря в небе слева или появляясь между парами и толкая их вперед, а природа — вялое, но плодородное присутствие. В целом картина прославляет путешествие любви. Как писал современный критик Джеб Перл, «парные влюбленные Ватто, запертые в своей мучительной, восхитительной нерешительности, являются эмблемами постоянно приближающейся и постоянно удаляющейся возможности любви».

Как писал искусствовед Холли Брубах, «образы Ватто идеально подвешены между моментом непосредственно перед и моментом после… люди, которых он изображает, заняты разыгрыванием не одного, а нескольких возможных сценариев». Его фигуры — не столько узнаваемые личности, сколько аристократические типы с гладкими напудренными лицами, которые вместе создают своеобразную хореографию цвета и удовольствия.

Этой работой Ватто, подарком для Академии, он стал пионером galante , или картина ухаживания, и положило начало рококо. Как писал Джонатан Джонс, «В туманных, тающих пейзажах картин… он недвусмысленно связывает пейзаж и желание: если искусство Ватто оглядывается на придворных любовников средневековья, оно начинает современную историю чувственности во французском искусстве».

Холст, масло. Лувр, Париж

c. 1718-19

Пьеро

Художник: Жан-Антуан Ватто

На этой картине (ранее известной как Жиль) изображен Пьеро, традиционный персонаж итальянского языка комедия дель арте . Он возвышается в центре сцены в том, что кажется садом, и он смотрит на зрителя с опущенным выражением лица, когда доминирует его белый атласный костюм, его вздымающийся живот освещается. Он кажется почти двухмерным вырезом. Другие стандартные персонажи окружают его, но Пьеро остается отдельно, как будто он вышел из их сцены. Негативное пространство в левом верхнем углу еще больше подчеркивает изоляцию Пьеро. Как писал Джонатан Джонс, «Ватто проявляет вымысел картины», поскольку персонаж «в своем дискомфорте и отчуждении восстает не только против своей стандартной роли в комедии, но и против своей роли в этой картине. пьеса также является выходом из художественной литературы, написанной Ватто».

Ватто был пионером художественного представления театральных миров, характерного жанра рококо, и он также преобразовал характер Пьеро из своего рода неуклюжего, влюбленного дурака в фигуру отчужденной тоски. Как писал Джонс, «представление театральных, социально маргинальных миров, вслед за Ватто, занимает центральное место во французском современном искусстве, от певцов кафе импрессионистов до танцоров и проституток Тулуз-Лотрека и арлекинов Пикассо». Поскольку фигура Пьеро стала фигурой альтер-эго художника, эта картина повлияла на ряд более поздних художественных течений и художников, включая декадентов, символистов и художников, таких как Андре Дерен, как видно из его Арлекин и Пьеро (ок. 1924 г.). Влияние также распространилось на поп-культуру, как показано в раннем выступлении Дэвида Боуи в пьесе Линдси Кемп « Пьеро в бирюзе » (1967), где Боуи сказал: «Я Пьеро. театр. То, что вы видите на сцене, не зловещее. Это чистый клоун. Я использую себя как холст и пытаюсь нарисовать правду нашего времени».

Холст, масло. Лувр, Париж

c. 1730

Вход на Большой канал

Художник: Каналетто

Этот знаменитый пейзаж изображает вход в Гранд-канал в Венеции, где несколько гондольеров и их пассажиров маневрируют горизонтально по полотну. Их асимметричное расположение создает движение, поскольку три гондолы поднимаются вверх в центре и уводят взгляд зрителя вдаль, что еще больше подчеркивается перспективой зданий справа и церкви слева. Тонкое использование местных цветов придает произведению ощущение золота и ощущение идиллической жизни того времени, чему способствовала любовь венецианской школы к аркадским пейзажам, которая в значительной степени повлияла на эстетику рококо.

Каналетто был пионером в рисовании с натуры и передачи атмосферных эффектов определенного момента, что побудило некоторых ученых рассматривать его работы как предвосхищение импрессионизма. Как писал Джонатан Джонс, «тонкое ощущение игры света на архитектуре… делает Каналетто таким соблазнительным». В то же время его новаторское использование топографии, передающее местность с научной точностью, повлияло на последующих художников, как заметил историк искусства Джон Рассел, «он ухватился за свой родной город, как будто ни одна деталь его бурлящей жизни не была слишком маленькой или слишком тривиальной. чтобы заслужить его внимание».

Венеция была известной остановкой британских аристократов во время Гранд-тура, и большая часть работ Каналетто была продана этой публике. Британский торговец произведениями искусства Оуэн Суини призвал его рисовать небольшие, даже размером с открытку, топографические виды для продажи туристам, а банкир и коллекционер произведений искусства Джозеф Смит стал известным покровителем, продав большое количество своих работ королю Георгу III. . В 1746 году Каналетто переехал в Лондон, где писал сцены Лондона, такие как его Вестминстерский мост (1746). С тех пор его работа сохранила свою популярность и влияние: она была показана в фильме Дэвида Бикерстаффа 9.0010 Canaletto and the Art of Venice (2017), и эта картина использовалась в видеоигре Merchant Prince II (2001).

Холст, масло. Музей изящных искусств, Хьюстон, Техас

1733-34

Мыльные пузыри

Художник: Жан-Батист Симеон Шарден

На этой картине изображены двое играющих детей. Мальчик постарше, наклонившись вперед, дует в тростник, расширяя светящийся мыльный пузырь. Младший ребенок в тени, в шапке с пером, выглядывает из-за уступа, его взгляд также сосредоточен на мерцающем пузыре. Цветовая палитра, приглушенная различными оттенками насыщенного коричневого и черного, подчеркивает контрастный свет и румяное сияние рук и лица мальчика, так что зритель тоже осознает приглушенное погружение в детскую игру. Краска, нанесенная толстым пастозным слоем, передает тактильные фактуры камня, ткани, кожи. Работа создает ощущение детской невинности, сосредоточенной на эфемерной радости, но в то же время аллюзивной, поскольку современники художника зарегистрировали мыльный пузырь как символ быстротечности жизни.

Реалистичные жанровые сцены Шардена, вдохновленные голландскими художниками-жанристами Золотого века, стали его уникальным вкладом в эпоху рококо. В отличие от большинства художников, которые сосредоточились на аристократии и ее развлечениях, он изображал домашние сцены, играющих детей и натюрморты, отражая дань уважения рококо неторопливым времяпрепровождениям. Как также писал Джонс, Шарден рисовал «мир удовольствий среднего класса», а «французская эстетика повседневности … впервые появляется в картинах Шардена и сделала его культовой фигурой для современных французских художников и писателей». Его работы оказали влияние на Гюстава Курбе, Поля Сезанна, Эдуарда Мане и Винсента Ван Гога, среди прочих.

Холст, масло. Музей Метрополитен, Нью-Йорк

1751

La Toilette de Vénus (Туалет Венеры)

Художник: Франсуа Буше

На этом портрете изображена обнаженная мадам де Помпадур в образе Венеры , классическая богиня любви, сопровождаемая тремя херувимами и двумя белыми голубями. Она сидит на шезлонге, спинка которого обрамлена золотом рокайль , увенчанная статуей лежащего херувима. №

Голубые шторы, переливающиеся светом и тенью, открывают частичный вид на красивый сад и создают атмосферу отдыха. Фигуративная обработка идеализирована, почти нарисована аэрографом, в то время как обстановка богато детализирована и декоративна, создавая общий эффект, воплощающий саму концепцию роскоши.

Буше преобразил период рококо своими чувственными изображениями знатных граждан той эпохи, светских знаменитостей и прошлого, создав свой собственный особый живописный бренд. Мадам де Помпадур, настоящая «кто есть кто того времени», поручила Буше написать эту работу для своей личной гардеробной в замке Бельвю. Картина была данью ей, поскольку она сыграла главную роль Венеры в La Toilette de Venus (1750) в Версале.

Как писал историк искусства Мелисса Ли Хайд, портреты Буше часто указывали на «интересное сочетание театрально-исполняемых и живых идентичностей», демонстрируя «страсть к тому, что мы могли бы назвать искусством внешнего вида, и понимание этого искусства как средство для формирования и представления идентичности».

В течение нескольких десятилетий неоклассицизм отверг работу Буше за те же качества, которые сделали ее столь популярной среди аристократического класса. Его работы только недавно начали подвергаться переоценке историками искусства, такими как Мелисса Ли Хайд и Джед Перл, а современные художники Джон Каррин и Лиза Юскаваге назвали Буше прямым влиянием.

Холст, масло. Метрополитен-музей, Нью-Йорк

1756

Портрет мадам де Помпадур

Художник: Франсуа Буше

Этот портрет мадам де Помпадур в полный рост подчеркивает стильную элегантность, когда она полулежит в пышном зеленом шелковом платье с узором из розовых роз на лифе и вырезе. Интерьер комнаты, обрамленный драпировками из золотой парчи, с изысканными золотыми картельными часами, выставленными над камином, не менее великолепен. Детали также символичны, так как книжный шкаф, полный книг, книги, разбросанные по полу, и часы в форме лиры, украшенные лавром, символизируют любовь к литературе, музыке и поэзии. Она передает атмосферу уверенности и приятного расслабления, ее розовые высокие каблуки выглядывают из-под юбки, две прекрасные розы лежат у ее ног. Тем не менее, работа также изображает ее интеллектуальное влияние, открытую книгу в левой руке, перо и конверт на столе справа. Поворот ее взгляда влево был в то время позой, которая представляла собой погружение в философские размышления. В результате работа представляет собой своеобразную социальную иконографию, каждый элемент которой тщательно подобран и стилистически унифицирован для создания образцового образа.

Художественный критик Сюзи Менкес назвала ее «одним из первых и наиболее успешных создателей собственного имиджа», мадам де Помпадур заказала этот портрет вместе с другими Буше и попросила показать их, пока они были в процессе, поэтому она могла указать, как она хотела выглядеть. Как отметил Менкес, «лестные и декоративные картины» Буше были ранним художественным примером «обращения со знаменитостями таблоидов». В 1756 году Помпадур была назначена фрейлиной при дворе, и историк искусства Элиз Гудман предполагает, что изображенный здесь момент, отмеченный 8:20 на часах, должен был ознаменовать «ее возвышение, когда на высоте аристократической самоуверенности . .. она удалилась в свою библиотеку-будуар, чтобы насладиться своим новым положением и насладиться любимыми занятиями».

Образы мадам Помпадур, созданные Буше, настолько охарактеризовали движение рококо, что писатели Жюль и Эдмон де Гонкуры написали: «В письме о вкусах французов, которое является частью собрания эфемерных рукописей, датируемых 1751 годом… Я нашла кареты а-ля Помпадур, сукно колорит Помпадур, рагу а-ля Помпадур… нет ни единого кусочка женского туалета, который не был бы а-ля Помпадур».

Холст, масло – Старая пинакотека, Мюнхен, Германия

1767-68

Качели

Художник: Жан-Оноре Фрагонар

Эта культовая работа изображает причудливую женщину, летящую на качелях в зеленом саду с цветущими качелями. как экстравагантный розовый цветок, когда молодой денди падает обратно в кусты слева, его лицо краснеет от волнения, чтобы заглянуть ей под юбку. В тени справа пожилой мужчина тянет за канаты качелей, чтобы подтолкнуть молодую женщину вперед. Под ней два обнимающихся херувима, а слева еще один амур стоит на пьедестале, подняв руку к губам в наставлении. Изображение было скандальным для своего времени из-за густо наслоенных сексуальных аллюзий.

Выразительные мазки Фрагонара создают водоворот между фигурой и листвой, так что сама природа кажется захваченной волнением момента. В то же время художник использовал свет и тень, чтобы направить взгляд зрителя на поэтапное раскрытие произведения. Зритель замечает сначала женщину на качелях, затем молодого мужчину и, наконец, пожилого мужчину в тени справа. Эффект представляет собой своего рода сценическое освещение, создающее драму и повествование.

Творчество Фрагонара было заново открыто писателями Эдмундом и Жюлем Гонкурами в L’Art du XVIIIe siècle (Искусство восемнадцатого века) (1865 г.), и его работы впоследствии оказали влияние на импрессионистов, особенно на Пьера-Огюста Ренуара и Берту Моризо, которая также была его внучкой. Качели стали художественным и культурным символом. Его пересмотрели современные художники Йинка Шонибаре и Кент Монкман в своих работах. Художник по воздушным шарам Ларри Мосс упомянул об этом в своей 3D-инсталляции The Swing для своей серии Masterworks в Центре искусств Фелпса в 2013 году.0005

Холст, масло. Коллекция Уоллеса, Лондон

1752

Аллегория планет и континентов

Художник: Тьеполо , и свет. Слева от центра стоит греческий бог солнца Аполлон с сияющим шаром позади него, призывая солнечных коней справа от себя. На карнизе группы аллегорических фигур с изображением животных обозначают Европу, Азию, Америку и Африку, а боги, символизирующие планеты, кружатся вокруг бога солнца. Марс, бог войны, возлежит с обнаженной Венерой на темном облаке под Аполлоном, а Меркурий с кадуцеем в руке летит вниз сверху слева.

Эта картина была написана для ослепительного потолка лестницы, которую он создал в Вюрцбургской резиденции в Германии для принца-епископа Карла Филиппа фон Гриффенклау. Нарисованная на огромном своде обработка Tiepolo trompe l’oeil произвела драматическое впечатление на контрасте с неоклассической лестницей из белого мрамора, спроектированной Бальтазаром Нейманом. Картина Тьеполо в разделе «Европа» включает портрет архитектора, а также фон Гриффенклау. Кроме того, художник изобразил своего сына Джандоменико и художника Антонио Босси, оба из которых работали с ним над проектом, а также автопортрет.

Эта фреска остается самой большой в мире, она составлена ​​таким образом, что отдельные части картины можно было рассматривать с определенной остановки, как если бы перспектива соответствовала положению зрителя. Нововведением Тьеполо было его расположение пастелей в дополнительной схеме, так что напряжение цвета подчеркивало бы повествовательное движение и драматические позы фигур, создавая живой эффект. Результат был назван sprezzatura , или «заученная небрежность». Как писал искусствовед Кейт Кристиансен, Тьеполо «прославляет воображение, переводя мир древней истории и мифов, писаний и священных легенд на грандиозный, даже театральный язык». Именно это качество воображения Тьеполо влияло на Франсиско Гойю на протяжении всей его карьеры, как в его ранних проектах гобеленов, так и позже в его гравюрах, когда он опирался на таинственные и иногда причудливые гравюры Тьеполо в 9-м веке. 0010 Capricci (ок. 1740–1742) и Scherzi di fantasia (ок. 1743–1757).

Холст, масло

c. 1770

Голубой мальчик

Художник: Томас Гейнсборо

На этом портрете в полный рост изображен мальчик в синих атласных бриджах до колен и камзоле с кружевным воротником, который без улыбки смотрит на зрителя. Держа шляпу с плюмажем в правой руке, а другую руку положив на бедро, он передает уверенность в себе и чуточку чванства. Составленный слоями косых и тонких мазков с нежными оттенками сланца, бирюзы, кобальта, индиго и лазурита, синий цвет становится сияющим, почти электрическим на фоне бурного и скалистого ландшафта.

Первоначально считалось, что на картине изображен Джонатан Баттол, сын богатого торговца, но современные ученые определили, что модель, скорее всего, является помощником художника и племянником Гейнсборо Дюпон. Как писала искусствовед Кимберли Крисман-Кэмпбелл, работа «представляет собой своего рода косплей времен Гражданской войны в Англии, популярный для балов-маскарадов в 18 веке», изображающий мальчика в костюме кавалера, который носили аристократы-роялисты 1630-х годов. Его поза и выражение лица также играют роль, поскольку кавалеры отличались не только своей стильной одеждой, но и своим беспечным и удалым отношением. Таким образом, произведение Гейнсборо, самое популярное, имеет tour de force , сочетающий мастерскую портретную живопись с исследованием костюма и своим художественным ответом на работы Антониса ван Дейка, известного своими портретами двора короля Карла I и кавалеров, которые его поддерживали. Тем не менее, используя в основном синий цвет, который традиционно считался более подходящим для фоновых элементов, Гейнсборо также бросил вызов традиционным эстетическим предположениям.

Работа несет в себе традиционную визуальную привлекательность рококо и игру с костюмированными фигурами, но Гейнсборо также добавил новаторские элементы реализма, как видно на пуговицах, туго зашнуровывающих дублет, и предвосхитил романтизм, изобразив одинокую фигуру на фоне бурного неба. Гейнсборо пришел, чтобы продемонстрировать британское рококо светскими портретами своих богатых клиентов.

Картина сразу же имела успех во время своего дебюта в 1770 году в Королевской академии художеств в Лондоне и стала настолько ассоциироваться с британской культурной самобытностью, что, когда в 1921 году герцог Вестминстерский продал ее американскому магнату Генри Хантингтону, она вызвала скандал. Немой фильм Фридриха Вильгельма Мурнау Knabe in Blau ( The Boy in Blue ) (1919) был вдохновлен картиной, как и песня Коула Портера Blue Boy Blues (1922). Поп-артист Роберт Раушенберг и современный художник Кехинде Уайли были вдохновлены этой работой, а художник Алекс Исраэль сослался на нее в своем Автопортрет (Доджерс) (2014‒2015). Выставленная в Хантингтонском музее вместе с портретом Томаса Лоуренса девушки в розовом, Pinkie (1794), эта работа приобрела еще большую культурную значимость, поскольку обе картины были использованы в пилотном телесериале Eerie, Indiana ( 1991) и в качестве декораций к эпизодам сериала Оставь это Биверу (1957-1963).

Холст, масло — Библиотека Хантингтона, Сан-Марино, Калифорния

1782

Автопортрет в соломенной шляпе

Художник: Элизабет Луиза Виже Ле Брюн

Этот автопортрет подчеркивает аристократическую, но небрежную элегантность и художественное мастерство. Одетая в мерцающий шелк, ее белые манжеты привлекают внимание к ее вытянутой правой руке, белый воротничок подчеркивает смелый вырез ее декольте, в левой руке она держит палитру и кисти. Соломенная шляпа с широкими полями, окруженная яркими цветами и спортивными формами, становится фокусом акцента работы на игре света, так как верхняя часть ее лица мягко затенена, подчеркивая ее уверенный прямой взгляд, в то время как солнечный свет освещает правую. сторона ее лица и ее верхняя часть туловища. Две длинные хрустальные серьги играют контрапунктом, отражая свет и тень. Фоном является только небо, голубое яйцо малиновки обрамляющее ее лицо, и общий эффект, как писал историк искусства Саймон Шама, «привлекательная, но тщательно рассчитанная небрежность».

На эту работу повлияла картина Питера Пауля Рубенса Le Chapeau de Paille ( Соломенная шляпа ) (1622-1625). Лебрен писал, что, увидев его в Антверпене, «это восхитило и вдохновило меня до такой степени, что я сделал свой портрет в Брюсселе, стремясь добиться тех же эффектов».

Женщины-художницы по большей части занимались портретной живописью. Среди известных женщин-художников рококо были Розальба Каррьера, Аделаида Лабиль-Гьяр и Анжелика Кауфман. Самой известной была Виже Лебрен, которая в возрасте двадцати трех лет стала официальным художником королевы Марии-Антуанетты. Новшества Лебрена были в портретной живописи, как писал Шама: «Никто, как быстро стало очевидно, не мог конкурировать с этой молодой женщиной как безыскусный художник», и ее «великий прорыв состоит в том, чтобы переделать женщин, с незапамятных времен узник мужского взгляда, в безошибочную хозяйку собственного присутствия».

Холст, масло – Национальная галерея, Лондон

Начало рококо

В живописи на рококо в первую очередь повлияло использование венецианской школой цвета, эротических сюжетов и аркадских пейзажей, в то время как школа Фонтенбло положила начало дизайну интерьеров в стиле рококо. .

Венецианская школа

Известные художники Джорджоне и Тициан, среди прочих, повлияли на акцент периода рококо на кружащиеся цвета и эротические сюжеты. Пастырский концерт (ок. 1509 г.), впервые приписываемый Джорджоне, хотя теперь большинство ученых считают его одной из ранних работ Тициана, был классифицирован Лувром как Fête champêtre , или вечеринка на открытом воздухе, когда он впервые стал частью музейной коллекции. . Работа эпохи Возрождения, изображающая двух обнаженных женщин и двух мужчин-аристократов, играющих музыку в идеализированном пасторальном пейзаже, сильно повлияла на развитие рококо Fête galante или картин ухаживания. Этот термин относился к историческим картинам приятного прошлого и стал популярным в работах Жана-Антуана Ватто.

Школа Фонтенбло 1528-1630

В 1530 году король Франциск I, известный меценат, пригласил итальянского художника Россо Флорентино ко французскому двору, где, заложив основу придворного стиля французского маньеризма, Россо основал Школу Фонтенбло. Школа стала известна своим уникальным стилем дизайна интерьера, в котором все элементы создавали четко поставленное единство. Россо впервые использовал большие лепные рельефы в качестве рамок, украшенные декоративными и позолоченными мотивами, которые сильно повлияли на акцент рококо на сложной обстановке.

Золочение было ключевым вкладом Фонтенбло, придавая изысканное великолепие предметам, как в знаменитой солонке Беневенто Челлини (1543 г.), которую Франциск I заказал из золота. Даже простые элементы интерьера в стиле рококо стали сильно подчеркнуты, о чем свидетельствует популярность картельных часов, встраивающих обычные часы в замысловатые декорации, которые напоминали скульптуры и органично дополняли общий вид окружающих их интерьеров.

Эпоха рококо Дизайн

Рококо дебютировал в дизайне интерьеров, когда гравер Пьер Ле Потр работал с архитектором Жюлем Ардуэном-Мансаром над замком Марли (1679-1684), а затем в Версале в 1701 году, когда он реконструировал личные апартаменты Людовика XIV. Ле Потр впервые применил арабески, используя s-образную или с-образную линию, размещенную на белых стенах и потолках. Он также использовал вставки с позолоченными деревянными панелями, создавая причудливый и легкий стиль. Ле Потр был прежде всего известен как ornemaniste , или дизайнер орнамента, что отражает популярную в то время роль ремесленников и мастеров в развитии высокодекоративного стиля.

Удалить рекламу

Во время правления Людовика XIV Франция стала доминирующей европейской державой, и сочетание большого богатства и мирной стабильности заставило французов обратить свое внимание на личные дела и наслаждение мирскими удовольствиями. Когда король умер в 1715 году, его наследнику Людовику XV было всего пять лет, поэтому Регентство во главе с герцогом Орлеанским правило Францией, пока дофин не достиг совершеннолетия. Герцог был известен своим гедонистическим образом жизни, а эстетика рококо казалась идеальным выражением чувствительности эпохи. Вступив на престол в 1723 году, Людовик XV также стал известным сторонником и покровителем архитектуры и дизайна в стиле рококо. Поскольку Франция была художественным центром Европы, художественные дворы других европейских стран вскоре последовали ее примеру в своем энтузиазме по поводу подобных украшений.

Жан-Антуан Ватто

Жан-Антуан Ватто возглавил период рококо в живописи. Родившийся в Валансьене, маленькой провинциальной деревне в Бельгии, которая недавно присоединилась к Франции, его раннее развитие в искусстве и рисовании привело к его раннему обучению у местного художника. Впоследствии он отправился в Париж, где зарабатывал на жизнь изготовлением копий произведений Тициана и Паоло Веронезе. Он присоединился к мастерской Клода Одрана, известного декоратора, где познакомился и стал художественным коллегой Клода Жилло, известного своим украшением комедия дель арте , или комические театральные постановки. В результате работы Ватто часто выражали театральный подход, показывая фигуры в костюмах среди декораций на заднем плане, освещенных искусственным светом.

В 1712 году Ватто принял участие в конкурсе Prix de Rome Королевской академии живописи и скульптуры, и Академия приняла его в качестве полноправного члена. Его «приемная» для Академии, Посадка на Китеру (1717), фактически положила начало движению рококо. Академия ввела термин Fête galante , или вечеринка ухаживания, для обозначения работы, тем самым устанавливая категорию, которая должна была стать доминирующим элементом живописи в стиле рококо. Fête galante картин изображали fête champêtre , или вечеринку в саду, популярную среди аристократического класса, где, одетые как на бал или в костюмах, они пили, обедали и предавались любовным занятиям в аркадских садах и парках. . Художественная тема не только нравилась частным меценатам, но и ее мифологизированные пейзажи и декорации соответствовали стандартам Академии, причислявшей историческую живопись, в том числе мифологические сюжеты, к высшей категории.

Клод Одрен был официальным хранителем Люксембургского дворца, и, работая с ним, Ватто скопировал серию из двадцати четырех картин Питера Пауля Рубена «Жизнь Марии Медичи» (1622-25), которая была выставлена ​​в дворец. Серия Рубена, сочетающая аллегорические фигуры и мифологические сюжеты с изображениями королевы и аристократического двора, продолжала формировать творчество Ватто. Рубенс впервые применил технику trois crayons , что означает три мелка, технику использования красного, черного и белого цветов для создания колористических эффектов. Ватто освоил эту технику до такой степени, что его имя стало ассоциироваться с ней, и она была широко принята более поздними художниками рококо, в том числе Франсуа Буше.

Франсуа Буше

Под влиянием Рубенса и Ватто Франсуа Буше стал самым известным художником зрелого периода рококо, начиная с 1730 года и продолжавшегося до 1760-х годов. Известный своей картиной, сочетающей аристократическую элегантность с эротическим обращением с обнаженной натурой, как видно из его «Туалет Венеры » (1751 г.), он был одинаково влиятельным в декоративно-прикладном искусстве, театральных постановках и дизайне гобеленов. Он был назначен первым художником короля в 1765 году, но наиболее известен своим давним сотрудничеством с мадам де Помпадур, официальной первой любовницей короля Людовика XV и известной покровительницей искусств. В результате своего мастерства в искусстве и дизайне рококо и своего королевского покровительства Буше стал «одним из тех людей, которые представляют вкус века, которые выражают, олицетворяют и воплощают его», как писали известные авторы Эдмон и Жюль де Гонкур. .

Удалить рекламу

Мадам де Помпадур

Мадам де Помпадур, урожденная Жанна-Антуанетта Пуассон, была названа «крестной матерью рококо» из-за ее центральной роли в продвижении стиля и превращении Парижа в художественную столицу Европы. Она повлияла на дальнейшее применение рококо благодаря покровительству художникам, таким как Жан-Марк Натье, скульптор Жан Батист Пигаль, дизайнер обоев Жан-Батист Ревейон и гравер по драгоценным камням Жак Гуай. Официальная первая любовница короля с 1745 по 1751 год, она оставалась его доверенным лицом и доверенным советником до своей смерти в возрасте 42 лет из-за туберкулеза. Ее роль и статус стали де-факто определение королевского покровительства.

Рококо: концепции, стили и направления

Французское рококо

Франция была центром развития рококо. В дизайне салон, комната для развлечения, но и для того, чтобы произвести впечатление на гостей, был главным нововведением. Самым известным примером был «Салон принцессы» Шарля-Жозефа Натуара и Жермена Боффрана (1735-1740) в резиденции принца и принцессы де Субиз. Белые стены цилиндрического интерьера, позолоченное дерево и множество зеркал создавали эффект легкости и воздушности. Арабески, часто намекающие на римские мотивы, купидоны и гирлянды, были представлены золотой лепниной и пластинчатым рельефом. Асимметричные кривые, иногда полученные из органических форм, таких как морские раковины или листья аканта, были тщательно продуманными и преувеличенными. Минимальный акцент на архитектуре и максимальный акцент на декоре станет краеугольным камнем движения рококо.

Живопись была неотъемлемой частью движения рококо во Франции, и известные художники, которые возглавили этот стиль, Антуан Ватто, а затем Франсуа Буше, повлияли на все элементы дизайна от интерьеров до гобеленов и моды. Среди других известных художников были Жан-Батист ван Лоо, Жан-Марк Натье и Франсуа Лемуан. Лемойн был известен своими историческими аллегорическими картинами, такими как его Апофеоз Геракла (1733-1736), нарисованный на потолке Салона Геркулеса в Версале. Примечательной чертой французской живописи в стиле рококо была манера, в которой ряд известных семей художников, таких как ван Лоос и Койпели, поддерживали последовательный стиль и предмет в своих мастерских.

Итальянское рококо

Живопись заняла ведущее место в итальянском рококо, примером чему служат работы венецианского художника Тьеполо. Сочетая акцент венецианской школы на цвете с quadratura или потолочными росписями, шедеврами Тьеполо были фрески и большие запрестольные образы. Известный во всей Европе, он получил множество королевских заказов, таких как его серия потолочных росписей в Вюрцбургской резиденции в Германии и его Апофеоз испанской монархии (1762-1766) в Королевском дворце в Мадриде.

Итальянское рококо также было известно своими великими художниками-пейзажистами, известными как «живописцы», особенно Джованни Антонио Канал, известным просто как Каналетто. Он впервые применил двухточечную линейную перспективу при создании популярных сцен каналов и зрелищ Венеции. Его работы, такие как «Венеция : Санта-Мария-делла-Салюте » (ок. 1740 г.), пользовались большим спросом у английских аристократов. В 1700-х годах для молодых английских аристократов стало обычным совершать «большие путешествия», посещая известные места Европы, чтобы изучить классические корни западной культуры. Поездки положили начало своего рода аристократическому туризму, и Венеция была известной остановкой, известной своей гедонистической карнавальной атмосферой и живописными видами. Эти молодые аристократы также часто были коллекционерами и покровителями произведений искусства, и большинство работ Каналетто было продано английской публике, а в 1746 году он переехал в Англию, чтобы быть ближе к своему художественному рынку, и прожил там почти десять лет.

Удалить рекламу

Пастельные портреты Розальбы Карриеры, как миниатюрные, так и в натуральную величину, а также ее аллегорические работы пользовались спросом во всей Европе, так как ее приглашали при королевских дворах Франции, Австрии и Польши. Она впервые применила пастель, которая раньше использовалась только для подготовительных рисунков, в качестве средства для рисования, и, связав мел в палочки, разработала более широкий диапазон мазков и подготовленных цветов. Ее портрет Людовика XV в образе дофина (1720-1721) установил новый стиль портретной живописи в стиле рококо, подчеркнув визуальную привлекательность и декоративный эффект.

В архитектуре Италия продолжала подчеркивать барокко с его прочной связью с католической церковью до 1720-х годов, когда архитектор Филиппо Юварра построил несколько северных итальянских дворцов в стиле рококо. Его шедевром был дворец Ступиниджи (1729-1731), построенный как охотничий домик короля Сардинии в Турине. В то же время интерьеры в стиле рококо стали популярными в Генуе, Сардинии, Сицилии и Венеции, где этот стиль приобрел региональные вариации, особенно в дизайне мебели. Итальянские интерьеры в стиле рококо были особенно известны своими люстрами и зеркалами из венецианского стекла, а также богатым использованием шелковой и бархатной обивки.

Немецкое рококо

Увлечение Германии рококо бурно выразилось и прежде всего в архитектурных шедеврах и дизайне интерьеров, а также в прикладном искусстве. Заметным элементом немецкого рококо было использование ярких пастельных тонов, таких как сиреневый, лимонный, розовый и синий, как видно в дизайне Франсуа де Кювилье Амалиенбурга (1734-1739), охотничьего домика для императора Священной Римской империи Карла VII в Мюнхен. Его Зеркальный зал в Амалиенбурге был описан историком искусства Хью Хонор как образец «легкой элегантности и тонкой тонкости».

Немецкие дизайнерские мотивы с использованием асимметрии и s- и c-изогнутых форм часто опирались на цветочные или органические мотивы и использовали больше деталей. Немецкие архитекторы также новаторски исследовали различные возможности дизайна помещений, вырезая стены или делая изогнутые стены, и сделали расположение новых зданий важным элементом эффекта, как это видно в Аббатстве Мельк Якоба Прандтауэра (1702-1736)

Английский рококо

Использование в Англии рококо, которое называлось «французским стилем», было более сдержанным, так как излишества стиля встречались с мрачным протестантизмом. В результате rocaille , представленный гравером-эмигрантом Юбером-Франсуа Гравело и серебряником Полем де Ламери, использовался только в качестве деталей и случайных мотивов. Примерно в 1740 году стиль рококо начал использоваться в британской мебели, особенно в проектах Томаса Чиппендейла. Его каталог Справочник джентльменов и краснодеревщиков (1754), иллюстрирующий дизайн в стиле рококо, стал популярным отраслевым стандартом.

Удалить рекламу

Рококо оказал большее влияние на британских художников, таких как Уильям Хогарт, Томас Гейнсборо и швейцарка Анжелика Кауфман. В его Анализ красоты (1753) Хогарт выступал за использование змеевидной линии, считая ее более органичной и эстетически идеальной. Гейнсборо сначала учился у Гравело, бывшего ученика Буше, чья пернатая манера письма и цветовая палитра повлияли на портретную живопись Гейнсборо в сторону текучести света и цвета. Хотя Анжелика Кауфман родилась в Швейцарии, большую часть своей жизни она провела в Риме и Лондоне. С 1766 по 1781 год она жила в Лондоне, где влиятельный сэр Джошуа Рейнольдс особенно восхищался ее портретами. Одна из двух женщин, избранных в Королевскую академию художеств в Лондоне, она сыграла значительную роль как в продвижении стиля рококо, так и, впоследствии, неоклассицизма.

Более поздние разработки — после рококо

В 1750 году мадам де Помпадур отправила своего племянника Абеля-Франсуа Пуассона де Вандьера изучать развитие итальянского искусства и археологии. Вернувшись с энтузиазмом к классическому искусству, Вандьер был назначен директором Королевских зданий, где он начал выступать за неоклассический подход. Он также стал известным искусствоведом, осудив малый стиль Буше , или «маленький стиль». Известные мыслители того времени, в том числе философ Вольтер, искусствовед Дидро, также критиковали рококо как поверхностное и декадентское. Эти тенденции, наряду с растущим революционным рвением во Франции, привели к тому, что к 1780 году рококо потеряло популярность. 0005

Новое движение неоклассицизм, возглавляемое художником Жаком-Луи Давидом, подчеркивало героизм и нравственную добродетель. Студенты-художники Дэвида даже спели насмешливую песнь «Ванлоо, Помпадур, рококо», выделив стиль, одного из его ведущих художников и его самого известного покровителя. В результате к 1836 году оно использовалось для обозначения «старомодных», а к 1841 году — для обозначения произведений, считавшихся «безвкусно вычурными или богато украшенными». Негативные коннотации продолжались и в 20 ^-м -м веке, как видно в 19-м веке.02 Century Dictionary description «Следовательно, rococo используется… для обозначения чего-либо слабо претенциозного и безвкусного в искусстве или литературе».

Дизайн и живопись в стиле рококо разошлись, поскольку дизайн в стиле рококо, несмотря на новые тенденции в столице, продолжал оставаться популярным во французских провинциях. В 1820-х годах при восстановленной монархии короля Луи-Филиппа возрождение стиля «Второе рококо» стало популярным и распространилось на Великобританию и Баварию. В Великобритании возрождение стало известно как викторианское рококо и продолжалось примерно до 1870 года, а также повлияло на возрождение американского рококо в Соединенных Штатах, возглавляемое Джоном Генри Белтером. Этот стиль, широко используемый в высококлассных отелях, в 2099 году получил название Le gout Ritz.0357-й век. Однако в живописи рококо потерял популярность, за исключением жанровых картин Шардена, высоко оцененных Дидро, которые продолжали оказывать влияние и позже окажут заметное влияние на Поля Сезанна, Эдуарда Мане и Винсента Ван Гога.

Эдмунд и Жюль де Гонкур заново открыли для себя крупного художника рококо Жана-Оноре Фрагонара в L’Art du XVIIIe siècle ( Eighteenth-Century Art ) (1865). Впоследствии он оказал влияние на импрессионистов, особенно на Пьера-Огюста Ренуара и Берту Моризо, а также на современных художников, таких как Йинка Шонибаре, Кент Монкман и Лиза Юскавадж.

Удалить рекламу

Сюжеты Ватто commedia dell’arte , вновь открытые братьями де Гонкур, оказали влияние на Пабло Пикассо, Сезанна и Анри Матисса, а также на многих поэтов, таких как Поль Верлен и Гийом Аполлинер, композитора Арнольда Шёнберга, и хореограф Джордж Баланчин.

Термин рококо и художники, связанные с ним, начали подвергаться критическому пересмотру только в конце 20 ^-го -го века, когда движения поп-арта и работы таких художников, как Дэмиен Херст, Кехинде Уайли и Джефф Кунс создали новый контекст для искусства, выражающий те же витиеватые, стилистические и причудливые обработки. Рококо имел современное влияние, как видно из 9 Ай Вэйвэя.0010 Logos 2017 , где, как писал искусствовед Роджер Кэтлин, «то, что выглядит как причудливый дизайн обоев в стиле рококо в черно-белых и золотых тонах, на самом деле является набором наручников, цепей, камер наблюдения, твиттер-птиц и стилизованных альпак. животное, которое в Китае стало мемом против цензуры». Это движение также живет в популярной культуре, о чем свидетельствует хит Arcade Fire «Rococo» (2010).

Полезные ресурсы о рококо

видео

книги

websites

articles

videos

• 72k views

Artist Specific Videos

• 3k views

• 15k views

Lectures/Talks

• 22k views

• 3 тыс. просмотров

• 118 тыс. просмотров

• 43 тыс. просмотров

• 56 тыс. просмотров

• 6K Просмотры

• 27K Views

• 6K Просмотры

Просмотр Подробнее видео

Веб -сайты

Статьи

Rococo Определение искусства, картины, Sculptures Artists and Artworks

16 16 16 16 16 16 16 16 16 16 16 16 16 16 16 16 16 16 16 16 16 16 16 16 16 16 16 16 16 16 16 16 16 16 16 16 16 16 16 16 16 16 16 90 005 апреля

1600-1700

Хотя рококо было ответом на тяжесть и величие барокко, его попытка деликатности была только легче в свое время. Более поздние движения будут оглядываться на это как на богатое само по себе.

Рококо стремился к плавности линий, цветочным мотивам, изяществу и женственности. Французская аристократия была великим покровителем того периода в противопоставлении флегматичной церкви позднего барокко. Таким образом, в стиле рококо чувствуется игривая и остроумная сущность.

В этот период в дизайне наблюдалась сплоченность, так что картина была не просто картиной, а комната не просто комнатой, но все элементы были спроектированы вместе или, по крайней мере, с осознанием того, что элементы расположены рядом друг с другом. Дизайн комнаты состоял из большого количества украшений на позолоченных стульях, зеркалах и штукатурке, а узоры присутствовали на коврах и рельефах на стенах.

Украденный поцелуй – искусство рококо

Цвета того периода частично определялись дизайном интерьера, в котором предпочтение отдавалось переплетению изящных гипсовых S-образных изгибов и других, часто ракушечных, гипсовых украшений на стенах. Некоторые из них были позолочены, и золото обычно было самым тяжелым цветом в комнате, так как большинство других цветов были пастельными или светлыми по своей природе. Зеркала увеличивали воздушность пространства, а их позолоченные рамы придавали помещению ощущение роскоши.

Рококо берет свое начало в позднем барокко, когда итальянских архитекторов привлекала церковь на север, и их работы видели богатые семьи тех регионов, которые они посещали. Они поручили этим художникам и архитекторам спроектировать свои дворцы.

Когда Людовик XIV взошел на трон и перенес центр придворной жизни из Версаля, рококо завладело французским обществом. Людовик XV был бы «вечным подростком», поэтому игривый характер и деликатность стиля рококо хорошо подходили для его правления.

Качели – искусство рококо

Стиль распространялся через иллюстрации французских граверов в печатных изданиях и из уст в уста. Его прием за границей был немного насмешливым по отношению к архитектуре, но дизайн его серебряных и золотых предметов был оценен по достоинству. Британия любила фарфор и текстиль того периода и включила некоторые принципы рококо в свой текстиль и керамику.

«Представьте, что вы застряли в инвалидном кресле с электроприводом, так что вы можете только слегка двигать руками или вообще не двигать руками, а затем вдруг с помощью этой руки вы можете самостоятельно есть, пить, вместо того, чтобы иметь сиделка, которая идет к тебе домой, чтобы накормить тебя». – Франсуа Буше

Изобразительное искусство периода рококо вышло за рамки внутреннего убранства, и стиль этого периода проявился в живописи и скульптуре.

Художники любили использовать пастель, свет и цвета, которые вызывали более женственную и нежную сущность, чем резкие, смелые и драматичные картины периода барокко. Субъекты склонялись к сценам веселья, прихоти, смеха и любви, а иногда включали положительных мифических существ, ангелов и херувимов. Пейзажная живопись утратила резкость и величие в пользу спокойствия и пасторальности. Пейзажи часто включали людей.

Туалет Венеры – искусство рококо

Что касается скульптуры, то мрамор в основном оставили позади, чтобы впустить более легкий и тонкий фарфор. Фарфоровая скульптура во многом следовала той же теме, что и живопись, с упором на счастье, легкомыслие и флирт.

«Если надо, я бы и зад покрасил». – Жан-Оноре Фрагонар

Конец рококо, когда авторы, художники и активисты указывали на поверхностность аристократии и легкомыслие связанных с ней художественных стилей. Немцы считали этот период периодом «косичек и париков».

На смену рококо пришел неоклассицизм, стремившийся к гармонии после двух периодов излишеств.

Искусство рококо Основные моменты:

• Рококо имел небольшое влияние восточных источников и включал в себя его природные мотивы и асимметрию.
• Британский дизайнер мебели Томас Чиппендейл позаимствовал некоторые элементы своего дизайна из дизайна рококо.
• Некоторые образцы произведений искусства в стиле рококо намекают на аморальность, сексуальные намеки и флирт, что полностью контрастирует с религией в живописи предыдущей эпохи.
• Посетители дворцов в стиле рококо в Италии иногда разочаровывались, когда, входя на парадный фасад, обнаруживали, что их собственная комната не украшена.
• Частично успех этого периода объясняется тщеславием французской аристократии того времени. Они были очень увлечены модой и тенденциями в мысли, литературе, искусстве и особенно в тщеславии.
• Мадам де Помпадур, любовница короля и авторитет во всем, что касается стиля, была главным покровителем искусства рококо во Франции. Для любовницы было очень необычно играть такую ​​роль, и поэтому, когда она стала известной, она стала ассоциироваться с этим стилем. Она заказывала себе портреты. Простые люди не были впечатлены ее щедрой тратой богатства на то, что начинало рассматриваться как декадентское, дегенеративное искусство.

Искусство рококо Лучшие произведения:

• Урок любви – Жан-Антуан Ватто
• Украденный поцелуй — Жан-Оноре Фрагонар
• Диана после охоты — Франсуа Буше
• Дама в саду пьет кофе с детьми — Николя Ланкре
• Туалет Венеры — Франсуа Бушерв
• Качели – Жан-Оноре Фрагонар
• Посадка на Ситеру — Жан-Антуан Ватто
• Купальщицы – Жан-Оноре Фрагонар

Движения истории искусства (порядок по периоду происхождения)

Рассвет человечества – 10 г.

Искусство палеолита (Рассвет человечества – 10 000 г. до н.э.), искусство неолита (8000 г. до н.э. – 500 г. 100 г. н.э.), древнее ближневосточное искусство (эпоха неолита — 651 г. до н.э.), искусство бронзового и железного веков (3000 г. до н.э. — обсуждается), эгейское искусство (2800-100 гг. до н.э.), архаическое греческое искусство (660-480 гг. до н.э.), классическое греческое искусство (480-323 гг. до н.э.), эллинистическое искусство (323 г. до н.э. – 27 г. до н.э.), этрусское искусство (700–90 гг. до н.э.)

1–10 века

Римское искусство (500 г. до н.э. – 500 г. н.э.), кельтское искусство. Парфянское и сасанидское искусство (247 г. до н.э. – 600 г. н.э.), степное искусство (9000 г. до н.э. – 100 г. н.э.), индийское искусство (3000 г. до н.э. – настоящее время), искусство Юго-Восточной Азии (2200 г. до н.э. – настоящее время), китайское и корейское искусство, японское искусство (11000 г. до н.э.). – настоящее время), раннехристианское искусство (260-525 гг. н.э., византийское искусство (330-1453 гг. н.э.), ирландское искусство (3300 г. до н.э. – настоящее время), англосаксонское искусство (450-1066 гг. н.э.), искусство викингов (780-1100 гг. Исламское искусство (600 г. н.э. – настоящее время)

10-15 век

Искусство доколумбовой эпохи (13000 г. до н.э. – 1500 г. н.э.), искусство североамериканских индейцев и инуитов (4000 г. 1615 г. н.э.), Каролингское искусство (780–789 гг.).00 г. н.э.), оттоновское искусство (900–1050 гг. н.э.), романское искусство (1000–1150 гг. н.э.), готическое искусство (1100–1600 гг. н.э.), пережиток античности ()

История искусства – 15 век и далее

Стиль эпохи Возрождения (1300-1700), Северное Возрождение (1500-1615), Маньеризм (1520-17 век), Барокко (1600-1700), Рококо (1600-1700), Неоклассицизм (1720-1830), Романтизм (1790 -1890), реализм (1848 — настоящее время), импрессионизм (1860 — 1895), постимпрессионизм (1886 — 1904), символизм и модерн (1880 -19).10), фовизм, экспрессионизм (1898 — 1920), кубизм. Футуризм (1907-1928)Абстрактное искусство (1907-настоящее время), дадасим. Сюрреализм (1916 — 1970). Латиноамериканское искусство (1492 г. – настоящее время, Современное американское искусство (1520–17 веки), послевоенное европейское искусство (1945–1970 гг.), австралийское искусство (28 000 лет до н. э. – настоящее время), южноафриканское искусство (98 000 лет до н. э. – настоящее время)

• Надежда II) Густав Климт
• 7 функций искусства, которые делают нас лучше
• Почему люди считают искусство скучным?
• История искусства Пророк Поль Гоген
• Почему вид на цветок Греции действительно шедевр?
• Сила поп-арта
• Добродетель мужества
• История черных картин Гойи
• Мощное наследие персидского искусства
• Является ли стрит-арт незаконным?
• Различия между модерном и современным искусством
• Значение женского сюрреализма
• Почему важно рисовать?
• Картины индийского двора
• Кто такая Фрида Кало?
• Картины Сальвадора Дали

Рококо – основные произведения искусства

Направления истории искусства (порядок по периоду возникновения)

Рассвет человечества – 10 г.

1-10 век

Римское искусство (500 г. до н.э. – 500 г. н.э.), кельтское искусство. Парфянское и сасанидское искусство (247 г. до н.э. – 600 г. н.э.), степное искусство (9000 г. до н.э. – 100 г. н.э.), индийское искусство (3000 г. до н.э. – настоящее время), искусство Юго-Восточной Азии (2200 г. до н.э. – настоящее время), китайское и корейское искусство, японское искусство (11000 г. до н.э.). – настоящее время), раннехристианское искусство (260-525 гг. н.э., византийское искусство (330-1453 гг. н.э.), ирландское искусство (3300 г. до н.э. – настоящее время), англосаксонское искусство (450-1066 гг. н.э.), искусство викингов (780-1100 гг. Исламское искусство (600 г. н.э. – настоящее время)

X–XV век

Доколумбовое искусство (13 000 г. 900 г. н.э.), оттоновское искусство (900–1050 гг. н.э.), романское искусство (1000–1150 гг. н.э.), готическое искусство (1100–1600 гг. н.э.), пережиток античности ()

История искусства – 15 век и далее

Стиль эпохи Возрождения (1300-1700), Северное Возрождение (1500-1615), Маньеризм (1520-17 век), Барокко (1600-1700), Рококо (1600-1700), Неоклассицизм (1720-1830), Романтизм (1790 -1890), реализм (1848 — настоящее время), импрессионизм (1860 — 1895), постимпрессионизм (1886 — 1904), символизм и модерн (1880 -1910), фовизм, экспрессионизм (1898 — 1920), кубизм. Футуризм (1907-1928)Абстрактное искусство (1907-настоящее время), дадасим. Сюрреализм (1916 — 1970). Латиноамериканское искусство (1492 г. – настоящее время, Современное американское искусство (1520–17 веки), послевоенное европейское искусство (1945–1970 гг. ), австралийское искусство (28 000 лет до н. э. – настоящее время), южноафриканское искусство (98 000 лет до н. э. – настоящее время)

V&A · Стиль рококо – введение

Рококо был, пожалуй, самым бунтарским из стилей дизайна. Часто описываемый как окончательное выражение движения барокко, он был исключительно декоративным и театральным — стиль без правил. По сравнению с порядком, утонченностью и серьезностью классического стиля рококо считалось поверхностным, дегенеративным и нелогичным.

Рококо впервые появился во Франции в 1720-х и 30-х годах как стиль, разработанный мастерами и дизайнерами, а не архитекторами, что объясняет, почему он встречается в основном в мебели, серебре и керамике.

Рококо получил свое название от французского слова rocaille, что означает скала или разбитая раковина – природные мотивы, которые часто составляли часть орнаментов, наряду с рыбами и другими морскими декорациями. Лист аканта ( Acanthus mollis ), или, скорее, сильно стилизованная его версия, также был фирменным мотивом. Еще одной ключевой особенностью дизайна является изогнутый асимметричный орнамент, форма которого часто напоминает буквы «S» и «C», а одна половина рисунка не соответствует другой.

Рококо процветало в английском дизайне между 1740 и 1770 годами. Впервые оно появилось в Англии в серебре и гравюрах с орнаментом в 1730-х годах, когда художники-иммигранты и ремесленники, в том числе беженцы-гугеноты из Франции, такие как Поль де Ламери, играли ключевую роль в его распространение.

Большое значение имела также Академия Сент-Мартинс-Лейн, известная сегодня как Королевская академия художеств, которая была организована в 1735 году художником Уильямом Хогартом (1697–1764) из кружка художников и дизайнеров, собравшихся в кофейне Слотера на верхнем этаже. конец Сент-Мартинс-лейн, Лондон. Этот художественный набор, в который входили, среди прочего, книжный иллюстратор Юбер-Франсуа Гравело (169 г.9 — 1773) и художник Андиен де Клерман (умер в 1783 г.), а уроки рисования, которые они проводили в академии, оказали большое влияние на введение и продвижение стиля рококо в Англии.

Многие считали, что нации не хватает дизайна и необходимых навыков, чтобы конкурировать с импортными французскими товарами, что привело к инициативам по улучшению стандартов дизайна в те годы, когда рококо был в ходу в Великобритании. С 1742 года дизайнеры мебели и краснодеревщики Матиас Лок и Генри Копленд опубликовали серию гравюр, которые представили отчетливо британскую форму завитков в стиле рококо. Этот стиль получил широкое распространение в резьбе по дереву и других декоративных работах и ​​впоследствии доминировал в дизайне британского рококо до середины 1760-х годов. Впервые в Британии большинство гравюр имели оригинальный дизайн, а не копии континентального производства. Тем не менее, британские дизайнеры продолжали подражать современным французским изделиям из серебра, фарфора и мебели, которые производились в верхней части рынка.

В 1740-х и 1750-х годах в Англии было опубликовано множество книг с образцами орнаментов в стиле рококо, выпущенных Локком и Коплендом. Их популярность обусловлена ​​сложными и неправильными трехмерными формами стиля рококо и его упором на разнообразие и изобретательность, что предъявляло высокие требования к навыкам проектирования и моделирования британских мастеров. Эти проекты были в основном предназначены для мастеров и дизайнеров и оказали огромное влияние на распространение стиля рококо. Вместо того, чтобы копировать весь дизайн, резчики по дереву черпали их для вдохновения, вырезали и добавляли свои собственные идеи.

Самый влиятельный отдельный набор оттисков выкроек был выпущен в виде сборника дизайнов мебели. «Директор джентльмена и краснодеревщика » Томаса Чиппендейла Старшего был опубликован сначала частями, а затем в виде сборника в 1754 году. Эта книга открыла новые горизонты как в качестве источника дизайнерских идей, так и в качестве сборника образцов для потенциальных клиентов. Выкройки оказали наибольшее влияние на мелких производителей мебели, в основном за пределами Лондона.

Ознакомьтесь с выбором принтов с узорами из Директора джентльменов и краснодеревщиков в нашем слайд-шоу ниже:

Фоновое изображение: Эскиз рамы в морской тематике, пластина № 187 в книге «Директор джентльмена и краснодеревщика» Томаса Чиппендейла, издание 1762 года, Лондон. Музей №. 2594. © Музей Виктории и Альберта, Лондон,

Рококо Определение и значение | Dictionary.com

• Основные определения
• Викторина
• Связанный контент
• Примеры
• Британский
• Культурный

Показывает уровень сложности слова.

[рух-кох-кох, рох-кух-кох ]

/ rəˈkoʊ koʊ, ˌroʊ kəˈkoʊ /

Сохранить это слово!

См. синонимы слова рококо на сайте Thesaurus.com

Показывает уровень обучения в зависимости от сложности слова.

сущ.

стиль архитектуры и декорирования, зародившийся во Франции около 1720 г., выросший из стилей барокко и отличающийся элегантной утонченностью в использовании различных материалов для изысканного общего эффекта, а также орнаментом из ракушек, листвы и т. д.

гомофонный музыкальный стиль середины 18 века, отличающийся в целом поверхностной элегантностью и очарованием, а также использованием сложной орнаментации и стереотипных приемов.

прилагательное

(первая заглавная буква)Изобразительное искусство.

1. Отмечающий или относящийся к стилю живописи, развившемуся одновременно с рококо в архитектуре и декоре, характеризующемуся главным образом небольшим масштабом, тонкостью цвета, свободой мазка и выбором игровых сюжетов в качестве тематического материала.
2. , обозначающий соответствующий стиль скульптуры, характеризующийся главным образом миниатюрностью барочных форм и игривостью темы.

относящийся к архитектуре, декору или музыке в стиле рококо или связанный с ними, или с общей атмосферой и духом рококо: очарование рококо.

витиеватая или витиеватая речь, литературный стиль и т.д. «ДОЛЖЕН» ВЫЗОВ?

Следует ли вам пройти этот тест на «должен» или «должен»? Это должно оказаться быстрым вызовом!

Вопрос 1 из 6

Какая форма используется для указания обязательства или обязанности кого-либо?

Происхождение рококо

Впервые записано в 1830–1840 гг. ; от французского, сродни рокайю «использование камешков и ракушек в орнаментальной работе; галька»; см. происхождение в рокайле

Слова рядом рококо

пятнистая лихорадка Скалистых гор, вакцина против пятнистой лихорадки Скалистых гор, штаты Скалистых гор, сиг Скалистых гор, река Скалистая, рококо, стержень, стержневой болт, стержневая клетка, Родченко, стержень

Dictionary.com Полный текст На основе Random House Unabridged Dictionary, © Random House, Inc. 2022

Слова, относящиеся к рококо

богато украшенный, яркий, артистичный, экстравагантный

Как использовать слово рококо в предложении

• кора с таким количеством граней и углов, что хочется назвать ее рококо.

  Шарлоттсвилль плавает на бензоколонке с жареной курицей|Джейн и Майкл Стерн|26 мая 2014 г.|DAILY BEAST

• Бар украшен элементами рококо, от богато украшенного мраморного камина до богатого позолоченного зеркала.

  Где влюбиться — или просто напиться — в День святого Валентина|Condé Nast Traveller|12 февраля 2014 г. |DAILY BEAST

• Саша Хертли, исполнительный директор Rococo Dessous, обнаружил пропавший блеск, когда работал консультантом по маслам -богатый Катар.

  Белье для 1 процента|CNBC|6 августа 2013|DAILY BEAST

• Но в России покупатель Rococo Dessous, как правило, мужчина.

  Белье для 1 процента|CNBC|6 августа 2013|DAILY BEAST

• Тем не менее, гений Диккенса в создании комических персонажей доведен до совершенства в этом романе.

  Книжный клуб Дэвида|Дэвид Фрум|21 февраля 2012|DAILY BEAST

• Небольшой дворец, тоже в стиле рококо, выглядывал из-за купы кустистых дубов.

  Сказки и поэмы в прозе|Иван Тургенев

• Наконец, в восемнадцатом веке приходит рококо с его шуршащим нарядом и нежным очарованием.

  История современной живописи, том 1 (из 4)|Ричард Мютер

• Среди старейшин эпохи рококо по-прежнему правят довольство и веселье.

  История современной живописи, том 1 (из 4)|Ричард Мютер

• Куплю ли я вам мадемуазель де Мопен, чтобы вся ее душа в стиле рококо могла танцевать с позолоченными конечностями перед вашим взором?

  Зловещая улица, том. 1|Compton Mackenzie

• Таким образом, Дидро защищал сентиментальный и эмоциональный сюжет от galantes художника рококо.

  История современной живописи, том 1 (из 4) | Ричард Мутер

Британские словаря определения для Rococo

Rococo

/ (Rəˈkəʊkəʊ) /

существительное (часто капитал)

A и украшение, зародившееся во Франции в начале 18 века, характеризующееся сложным, но изящным, легким орнаментом, часто содержащим асимметричные мотивы. использование орнамента

любой витиеватый или чрезмерно орнаментальный стиль

прилагательное

обозначающее, относящееся к рококо или относящееся к нему

витиеватый или чрезмерно сложный

Происхождение слова для рококо

Словарь английского языка Коллинза — полное и полное цифровое издание 2012 г. © William Collins Sons & Co. Ltd., 1979, 1986 © HarperCollins Издательства 1998, 2000, 2003, 2005, 2006, 2007, 2009, 2012

Культурные определения рококо

рококо

[ (ruh-koh-koh, roh-kuh-koh) ]

Стиль барокко в искусстве и архитектуре, популярный в Европе в восемнадцатом веке, характеризующийся плавными линиями и сложным декором .

Новый словарь культурной грамотности, третье издание Авторское право © 2005 г., издательство Houghton Mifflin Harcourt Publishing Company. Опубликовано издательством Houghton Mifflin Harcourt Publishing Company. Все права защищены.

Рококо Определение и значение — Merriam-Webster

1 из 2

ро·ко·​ко rə-ˈkō-(ˌ)kō rō-kə-ˈkō 

: работа в стиле рококо или стиль

рококо

2 из 2

1

а

: относящийся к художественному стилю, особенно 18 века, характеризующемуся причудливыми изогнутыми асимметричными формами и сложным орнаментом

б

: относящийся к музыкальному стилю 18-го века, отмеченному легким веселым орнаментом и отходом от глубокого баса и полифонии

2

: чрезмерно богато украшенный или замысловатый

Знаете ли вы?

В 18 веке французские художники восстали против тяжеловесности стиля барокко и стали создавать легкие, ажурные предметы интерьера, мебель и архитектурные элементы, характеризующиеся причудливыми, изогнутыми, асимметричными формами и сложной орнаментацией. Название их нового стиля, rococo , восходит к французскому rocaille , термину, который вызывал декоративное использование камней и ракушек. Со временем рококо также применялся к аналогичным орнаментальным и интимным стилям живописи и музыки. Но всякая мода проходит, и к середине 1800-х годов стиль рококо считался чрезмерно витиеватым и устаревшим. Теперь рококо часто используется с легким пренебрежением для описания чрезмерно вычурного.

Примеры предложений

Прилагательное Стулья вырезаны в стиле рококо .

Последние примеры в Интернете

Как ни странно, для такого модернизатора вкус Микеле тяготеет к барокко или даже к рококо — мужчина, похоже, никогда не сталкивался с оборками или подкладками, которые ему не нравились, — и его коллекции завалены винтажными отсылками. Майя Сингер, 9 лет0870 Vogue , 11 августа 2022 г. С его рококо подробностями жизни в нью-йоркском швейцарском здании, наложенными на тщательную и дотошную конструкцию, детективная комедия Hulu так же сильна, как когда-либо во второй части. Даниэль Д’Аддарио, Variety , 27 июня 2022 г. Интерьер церкви представляет собой захватывающий бунт рококо , с потолком, который выглядит как коллекция перевернутых свадебных тортов. Дайан Даниэль, 9 лет0870 Вашингтон Пост , 24 июня 2022 г. Для меня это ощущение рококо 21-го века – роскошь со свежим современным оттенком. Фелисити Картер, Forbes , 1 июня 2022 г. Он увенчан бантом в стиле рококо с тянущимися лентами, заканчивающимися у основания цветочной гирляндой. Служба новостей Трибуна, al , 13 мая 2022 г. За исключением: когда буфет Сола Гудмана в стиле рококо загружается в движущийся грузовик, один из шкафов открывается, и оттуда выкатывается знакомый предмет. Кэт Розенфилд, EW.com , 19 апреля 2022 г. Люкс, безупречно оформленный Битти, представляет собой ожившую французскую картину в стиле рококо , а идеальные для того времени костюмы от Джейн Гринвуд радуют глаз. Мария Уорд, 9 лет0870 Vogue , 29 марта 2022 г. Но зажатый между этими путешествующими во времени и пространстве львами был настоящим шоу-стоп: еле заметный номер с одним рукавом в стиле рококо в паре с черными брюками в тонкую полоску со звездами. Лия Гринблатт, EW. com , 4 апреля 2022 г.

Подсчет подстаканников раскрывает рококо природу войн минивэнов. Энни Уайт, Автомобиль и водитель , 24 мая 2020 г. Комнаты, выставленные на первом этаже в крыле «Ришелье» и включающие парадную парадную столовую и позолоченную гостиную, являются яркими примерами изысканной эстетики 18-го века в стиле рококо . Бетси Блюменталь, 9 лет0870 Condé Nast Traveler , 18 мая 2020 г. Что касается его личных дизайнерских предпочтений, то декор его пентхауса в Нью-Йорке, выполненный из золота и рококо , вдохновлен Версальским дворцом. Изабель Гарсия, Красивый дом , 7 февраля 2020 г. Набор, хотя и минималистский, наводил на размышления о дворце в стиле рококо . Николас М. Галлахер, 9 лет0870 National Review , 21 марта 2020 г. Земля на 152-м километре шоссе BR-174 — это рококо по своей зелени и беспощадной сырости. Элизабет Барбер, The New Yorker , 17 февраля 2020 г. Самое рококо из всех — это пицца в детройтском стиле. Мариан Булл, Saveur , 30 мая 2019 г. Несколько книг из рококо картина открываются на страницы со сценами, перекликающимися с теми, что писал Кассевиц. Washington Post , 10 января 2020 г. Крылья могли принадлежать херувиму, обычному в сценах рококо . Washington Post , 10 января 2020 г. Узнать больше

Эти примеры предложений автоматически выбираются из различных онлайн-источников новостей, чтобы отразить текущее использование слова «рококо». Мнения, выраженные в примерах, не отражают точку зрения Merriam-Webster или ее редакторов. Отправьте нам отзыв.

История слов

Этимология

Прилагательное

Французский, неправильный от rocaille rocaille

Первое известное употребление

Существительное

1835, в значении, определенном выше

Прилагательное

1830, в значении, определенном в смысле 1a

Путешественник во времени

Первое известное использование рококо было в 1830 г.

Другие слова того же года

Подкаст

Музыкальная тема Джошуа Стэмпера ©2006 New Jerusalem Music/ASCAP

Получайте «Слово дня» на свой почтовый ящик!

Словарные статьи рядом с

каменистая дорога

рококо

рокомболь

Посмотреть другие записи поблизости

Процитировать эту запись «Рококо.»

Копия цитирования

БОЛЬШЕ из Merriam-Webster на

TheSaurus: все синонимы и Antonyms для Rococo

Последний обновлен: 17 Sep 2022

9

9 DAMPRECHERARY. тысячи других определений и расширенный поиск — без рекламы!

Merriam-Webster без сокращений

Знаменитые картины в стиле рококо – лучшее искусство эпохи французского рококо

Роскошь, декаданс, театральность – вот несколько слов, которые приходят на ум, когда мы вспоминаем произведения искусства эпохи рококо. Движение рококо было роскошным визуальным движением, зародившимся в ок. 1720 Париж. Великолепные картины этого периода характеризовались своим орнаментально-декоративным стилем. Если вам интересно взглянуть на захватывающее искусство, появившееся в результате движения рококо, продолжайте читать, чтобы показать наши 10 самых известных картин рококо, пока мы углубляемся в известные произведения 18-го века!

Содержание

• 1 Что символизировало искусство рококо?
• 2 Топ-10 самых известных картин в стиле рококо
  • 2.1 «Отплытие на Ситеру» (1717 г.) Жана-Антуана Ватто
  • 2. 2 «Вход в Большой канал» (ок. 1730 г.) Каналетто
  • 2.3 «Мыльные пузыри» (ок. – 1734) Жан-Батист-Симеон Шарден
  • 2.4 Туалетная Венера (1751) Франсуа Буше
  • 2.5 Аллегория планет и континентов (1752) Джованни Баттиста Тьеполо
  • 2.6 Портрет мадам де Помпадур (1756) Франсуа Буше
  • 2.7 Купальщицы (1765) Жан-Оноре Фрагонар
  • 2.8 Качели (1767) Жан-Оноре Фрагонар
  • 2.9 Синий мальчик (0c ) Томаса Гейнсборо
  • 2.10 Автопортрет в соломенной шляпе (1782 г.) Элизабет Луизы Виже Лебрен
• 3 Часто задаваемые вопросы
  • 3.1 Что такое период рококо?
  • 3.2 Что повлияло на искусство рококо?
  • 3.3 Каковы определяющие черты искусства рококо?

 

 

Что означало движение в стиле рококо?

Период рококо охватывает большую часть XVIII века. Он возник в Париже c. 1720 г. и вскоре распространился по Франции и другим частям Европы, включая Италию, Германию, Россию и Австрию. Движение рококо началось как реакция на более формальное величие и тяжесть предшествующего ему стиля барокко, противопоставив его тонкой легкости и причудливости.

Король Людовик XV считался «вечным подростком», что дает представление о том, почему игривый характер французского рококо так подходил для его правления.

Портрет Людовика XV (1719 г.) работы Жана Ранка;  Жан Ранк, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Движение рококо стало синонимом неотразимой мадам де Помпадур, любовницы нового короля XV. Мадам де Помпадур олицетворяла собой сущность стиля рококо, и она стала ассоциироваться с этим движением, поскольку имела власть над всеми стильными вещами. Она была главным покровителем движения и заказала многие из своих портретов в стиле рококо.

Слово «рококо» происходит от французского слова «rocaille», означающего гальку или скалу, и относится к камням и ракушкам, которые использовались для украшения фонтанов или интерьеров гротов со времен Ренессанса. Термин «рокайль» использовался для описания декоративно-орнаментального стиля, который был представлен в картинах в стиле рококо.

Заранее подготовленный рейс (ок. 1772-1773) Жана-Онора Фрагонара; Жан-Оноре Фрагонар, общественное достояние, Wikimedia Commons

Художники в стиле рококо этого периода сосредоточились на свете и пастели в своих ярких сценах игривого ухаживания и досуга, которые передавали более нежную и женственную сущность. Движение рококо определялось использованием природных мотивов, изогнутых линий, мягких цветов и тем, касающихся природы, игривости, беззаботного веселья, юности и любви.

Картины в стиле рококо отличались замысловатым орнаментом, пышным декором и асимметричным рисунком. Искусство рококо преувеличивало принципы театральности и иллюзорности.

 

 

10 самых известных картин в стиле рококо

Движение рококо охватило большую часть XVIII века, зародившись в Париже и распространившись по разным частям Европы. За это время художники рококо, внесшие свой вклад в движение, оставили обильную коллекцию картин в стиле рококо, которые были экстравагантными, элегантными и богатыми; картины, которые продолжали вдохновлять художников, которые последовали за ними и продолжают прославляться по сей день. Вот наша подборка из 10 самых известных картин в стиле рококо.

 

Посадка на Китеру (1717) Жан-Антуан Ватто

Художник	Жан-Антуан Ватто
Дата покраски	1717
Средний	Холст, масло
Размеры	129 см x 194 см
Где он находится в настоящее время	Музей Лувра, Париж, Франция

Жан-Антуан Ватто считается основоположником стиля рококо. Включая влияние мастеров венецианского Возрождения, таких как Паоло Веронезе и Тициан; и фламандского гиганта Питера Пауля Рубенса , Ватто разработал композиции, которые были динамичны в блестяще выразительных цветах. Ватто представил дикую и идиллическую картину природы.

Эта картина, также известная как «Паломничество на остров Кифера», считается одной из самых известных картин Ватто в стиле рококо.

Посадка на Ситеру (1717) Жана-Антуана Ватто; Жан-Антуан Ватто, общественное достояние, через Wikimedia Commons Кифера, небольшой греческий остров, близкий к месту в мифологии, где родилась Афродита, богиня любви. На переднем плане три пары, каждая из которых представляет собой отдельный этап ухаживания. В небе летают три амура, что отражает любовные внушения острова.

Его картина была принята в Королевскую академию живописи и скульптуры, что принесло признание новообразованному жанру и утвердило стиль рококо. Это представило fête galante, картину ухаживания, которая включала фирменное слияние фантазии и реальности Ватто как в декорациях, так и в костюмах на его картинах, а также в неуказанном предмете его картин.

Характеристики, которые Ватто развил в своих картинах в стиле рококо, впоследствии вдохновили таких художников, как Франсуа Буше и Жан-Оноре Фрагонар, которые впоследствии стали гигантами рококо.

 

Вход в Большой канал (ок. 1730) Каналетто

Художник	Каналетто
Дата покраски	с. 1730
Средний	Холст, масло
Размеры	49,6 см x 73,6 см
Где он находится в настоящее время	Музей изящных искусств, Хьюстон, США

С точки зрения итальянских пейзажей, нет никого похожего на Джованни Антонио Канала, известного под именем Каналетто. Вход в Гранд-канал считается его самой известной картиной, на которой изображен вход в водный путь, ведущий в Венецию, с гондольерами, маневрирующими со своими пассажирами по полотну. Венеция в то время была популярной творческой гаванью. Слева от картины изображена большая церковь — базилика Санта-Мария-делла-Салюте.

Вход в Гранд-канал (ок. 1730 г.) Каналетто; Canaletto, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Картина Каналетто демонстрирует типичный асимметричный дизайн искусства рококо. Асимметричное расположение гондольеров указывает на движение картины, так как три из них вытянуты вверх, привлекая взгляд вдаль. Тонкая работа местных цветов создает золотой оттенок, который предполагает, что он уловил суть идиллической сцены. Замысловатое изображение света Каналетто запечатлело работу солнца и теней на красивой венецианской архитектуре.

Этот стиль пейзажа, аркадский пейзаж, сильно вдохновил стиль живописи рококо.

Картина Каналетто «Вход в Большой канал» считается одной из самых известных картин в стиле рококо, созданных за пределами Франции в 1700-х годах. Каналетто мастерски рисовал с натуры и умело передал атмосферу, которую пытался передать. Его работа сохранила свое признание и влияние, в 2017 году Дэвид Бикерстафф показал ее в своем фильме 9.0870 Каналетто и искусство Венеции.

 

Мыльные пузыри (ок. 1733–1734) Жана-Батиста-Симеона Шардена

Художник	Жан-Батист-Симеон Шарден
Дата покраски	с. 1733 – 1734
Средний	Холст, масло
Размеры	61 см x 63,2 см
Где он находится в настоящее время	Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США

В отличие от экстравагантных и обширных сцен, которые часто ассоциируются с произведениями искусства в стиле рококо, картины Жана-Батиста-Симеона Шардена изображали, казалось бы, простую перспективу, несмотря на то, что он был пионером движения рококо. Известные произведения Шардена посвящены игривости детей; на самом деле, одно из его самых заметных произведений Мыльные пузыри изображали двух играющих детей. На этой картине он изобразил ребенка, пускающего мыльные пузыри, а друг наблюдает за ним сзади.

Цвета в наборе Soap Bubbles довольно приглушенные, демонстрируя насыщенные коричневые и черные оттенки. Эти цвета подчеркивают контраст светящегося лица и рук мальчика, которые приглашают вас сосредоточиться на том, что делает мальчик, поскольку вы, как зритель, погружаетесь, как и мальчик, в детский акт выдувания пузырей. Мазки Шардена толстые и текстурированные, имитирующие тактильные текстуры ткани, кожи и камня.

Картина передает ощущение детства и мимолетную радость праздной игры.

Мыльные пузыри (ок. 1733–1734) Жана-Батиста-Симеона Шардена; Жан-Батист-Симеон Шарден, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Следуя наблюдениям многих критиков и искусствоведов, картина, кажется, изображает невинность детства и легкость развлечений, а не что-то глубоко символическое. Однако некоторые видят в пузыре намекающий символ непостоянства жизни.

Картина явилась выдающимся вкладом Шардена в движение рококо, с его реалистическими сценами, создающими жанр, изображающий играющих детей, натюрморты и домашние сцены, отражающие неторопливое времяпрепровождение, типичное для движения рококо.

Шарден умело изобразил повседневную эстетику французского среднего класса и приобрел множество поклонников, которые достигли таких знаковых фигур, как Винсент Ван Гог, Поль Сезанн и Эдуард Мане.

 

Туалетная вода Венеры (1751) Франсуа Буше

Художник	Франсуа Буше
Дата покраски	1751
Средний	Холст, масло
Размеры	108,3 см x 85,1 см
Где он находится в настоящее время	Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США

На картине La Toilette de Vénus Франсуа Буше изображена обнаженная мадам де Помпадур в образе Венеры, классической богини красоты и любви. Картина источает откровенную театральность с изображением Буше сладострастной плоти, асимметричным расположением мебели, роскошными тканями, жемчугом и цветами. La Toilette de Vénus изначально был написан для украшения роскошного люкса мадам де Помпадур из трех комнат, которые составляли ее ванные комнаты в ее замке Бельвю.

И Буше, и мадам де Помпадур стали синонимами движения рококо.

Туалетная вода Венеры (1751) Франсуа Буше; François Boucher, CC0, через Wikimedia Commons

Два белых голубя и три херувима склоняются к фигуре Венеры, сидящей на кресле с золотым обрамлением. Синие драпировки, переливающиеся светом и тенью, частично открыты для вида на манящий сад, что создает завораживающее ощущение отдыха. Изображение мадам де Помпадур в образе Венеры идеализирует ее, а окружение ее фигуры витиеватыми украшениями усиливает общее ощущение роскоши.

Чувственные образы Буше социальной элиты и известных граждан стали частью его собственного графического бренда.

Мадам де Помпадур была самым заметным покровителем Буше до своей смерти в 1764 году. Туалетная Венера был одним из многих портретов, которые она заказала. Буше мастерски представил сочетание театральности и воплощения идентичностей с реальными личностями своих героев. Демонстрируя искусство внешнего вида, которое все еще представляло истинную личность его субъекта. Способность Буше увлекательно изображать свои предметы привела к тому, что он стал известен как один из самых известных художников рококо в портретной живописи.

 

Аллегория планет и континентов (1752) Джованни Баттиста Тьеполо

Художник	Джованни Баттиста Тьеполо
Дата покраски	1752
Средний	Холст, масло
Размеры	185,4 см x 139,4 см
Где сейчас находится	Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США

Аллегория планет и континентов — одна из самых известных картин Джованни Баттиста Тьеполо, вклад которой в итальянское рококо основан на французском стиле рококо и более воздушном выражении предшествующего стиля барокко. Аллегория планет и континентов изображает пышное расположение небесных фигур, которые вместе представляют различные планеты и континенты Земли.

Картина была создана для подвешивания на потолке лестницы в Вюрцбургской резиденции в Германии для принца-епископа Карла Филиппа фон Гриффенклау.

Аллегория планет и континентов (1752) Джованни Баттиста Тьеполо; Джованни Баттиста Тьеполо, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Впечатляющее праздничное изображение движения солнца по небу Тьеполо демонстрирует великолепие цвета, света и завихряющихся узоров. Слева от центра вы можете увидеть Аполлона, греческого бога солнца, который освещен сзади сияющим шаром, когда он призывает к солнцу лошадей, стоящих справа от него. Остальные боги символизируют планеты, вращающиеся вокруг Аполлона, солнца. На границе изображено множество фигур, указывающих на центр картины, как бы указывая на то, что внутри находится божественность. Цифры представляют людей Африки, Америки, Азии и Европы.

Большая фреска была составлена ​​таким образом, чтобы отдельные части картины можно было рассматривать отдельно в определенных местах остановки. Тьеполо создал впечатление, что перспектива подстраивается под положение зрителя.

Гений Тьеполо можно было засвидетельствовать в расположении его пастелей, он создавал напряжение в сцене, подчеркивая драматические позы и повествовательные движения своих фигур, создавая живой эффект. Своим воображением он создал театральный язык для передачи древних повествований и священных легенд. Именно гений Тьеполо вдохновлял таких художников, как Франсиско Гойя .

 

Портрет мадам де Помпадур (1756) работы Франсуа Буше

Художник	Франсуа Буше
Дата покраски	1756
Средний	Холст, масло
Размеры	212 см x 164 см
Где сейчас находится	Старая пинакотека, Мюнхен, Германия

Изысканный Портрет мадам де Помпадур Франсуа Буше изображал любовницу короля Людовика XV. Мадам де Помпадур олицетворяла собой сущность стиля рококо, и она стала ассоциироваться с этим движением, поскольку имела власть над всеми стильными вещами. Это был еще один портрет Буше, который она заказала. Портрет Буше точно изобразил ее роскошной, декадентской и модно элегантной. На полноразмерном портрете Буше изображена мадам де Помпадур, полулежащая в роскошном зеленом шелковом платье, украшенном узором из розовых роз.

Экстравагантные оттенки золота покрывают картину, золотая парча обрамляет комнату, а замысловатые золотые часы картеля над камином придают картине роскошные детали.

Портрет мадам де Помпадур (1756) работы Франсуа Буше; Франсуа Буше, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Картина богата символикой с такими деталями, как полный книжный шкаф с несколькими книгами, разбросанными по полу, и часы в форме лиры, украшенные лаврами. Символизирует ее любовь к поэзии, музыке и литературе. Картина передает приятный досуг и уверенность, но все же способна продемонстрировать вес ее интеллектуального влияния с пером и открытой книгой в руке.

Поза мадам де Помпадур с обращенным влево взглядом олицетворяла глубокую философскую мысль. Работа Буше над «Портрет мадам де Помпадур » послужила своего рода социальной иконографией, где каждый фактор был тщательно выбран и стилистически унифицирован, чтобы изобразить идеальный образ. Изображения Буше мадам де Помпадур продемонстрировали типичную живопись в стиле рококо.

Мадам де Помпадур способствовала развитию движения рококо благодаря своему влиянию.

 

Купальщицы (1765) Жан-Оноре Фрагонар

Художник	Жан-Оноре Фрагонар
Дата покраски	1765
Средний	Холст, масло
Размеры	80 см x 64 см
Где он находится в настоящее время	Музей Лувра, Париж, Франция

Жан-Оноре Фрагонар разработал особый стиль в период французского рококо. Он часто использовал цвета, которые были более яркими по сравнению с его коллегами, не только это, но и его картины в целом довольно сильно отличались от произведений рококо начала 18 века. Одна из его знаменитых картин в стиле рококо называется « Купальщицы, », на которой изображены восемь женщин, беззаботно купающихся на солнце.

Деревья, окружающие женщин, обрамляют их тела, поскольку все они расположены в различных позах, каждая из которых выражает уникальные личности и характеристики.

Купальщицы (1765) Жана-Оноре Фрагонара; Жан-Оноре Фрагонар, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Сцена купания была популярна в период рококо. Это часто использовалось как средство, чтобы продемонстрировать мастерство художников рококо, поскольку им приходилось рисовать обнаженные фигуры в разных положениях под разными углами, и, конечно же, провокационный сюжет приближался к щекотливому. В Купальщицы , в палитре и теме была легкость, поскольку использованные более светлые тона цветов подходили для выражения мягкости и невинности женщин.

Мазки Фрагонара были ощутимыми и рыхлыми, что создавало ощущение текучести, что способствовало живости произведений искусства в стиле рококо.

Купальщицы была одной из последних картин Фрагонара в стиле рококо, которые были выставлены на всеобщее обозрение. В 1767 году он начал рисовать исключительно для частных клиентов. Фрагонар был одним из художников рококо в эпицентре движения, он написал более 500 впечатляющих картин для движения, документирующих упадок времени и иллюстрирующих беззаботное развлечение и образы великолепия.

 

Качели (1767) Жана-Оноре Фрагонара

Художник	Жан-Оноре Фрагонар
Дата покраски	1767
Средний	Холст, масло
Размеры	81 см x 64,2 см
Где он находится в настоящее время	Коллекция Уоллеса, Лондон, Великобритания

Качели — еще один пример мастерской работы Жана-Оноре Фрагонара. Произведение в стиле рококо изображает грациозную молодую женщину, которая игриво качается на ветке дерева, когда молодой человек смотрит на нее снизу, а другой мужчина позади нее стоит в тени, дергая ее качели за веревку. Мужчина перед ней расположен таким образом, чтобы ему было видно под ее платьем, что олицетворяло гедонизм эпохи рококо, часто присутствующий в творчестве Фрагонара.

«Качели» — квинтэссенция живописи в стиле рококо, отличающаяся искусной манерой письма Фрагонара, мягкими цветами и освещением, а также фривольно-беззаботными темами. Пенистое розовое платье молодой женщины развевается, когда она парит в воздухе, обнажая свои ноги краснеющему мужчине внизу. Дразняще, она отталкивает ее к статуе купидона, бога любви и желания. В то время босая ступня женщины была символом наготы.

Предполагая, что это была ирония, Фрагонар облачил женщину в шляпу-бержер, шляпу пастушки, которая символизировала чистоту и добродетель.

«Счастливые случайности на качелях» (1767) Жана-Оноре Фрагонара; Жан-Оноре Фрагонар, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Качели признаны одним из самых известных произведений искусства эпохи рококо. Асимметричная композиция, пышные декорации, игривость, небрежность и многослойный эротизм олицетворяют собой черты стиля рококо. Качели закрепили за собой место культурного и художественного символа.

Было сделано несколько намеков на это всегда вдохновляющее произведение, с заметными упоминаниями в популярной культуре, такими как фильм Диснея Frozen , где его можно увидеть сидящим в художественной галерее , или когда на него ссылались современные художники Кент Монкман и Йинка Шонибаре в своих работах или часть 3D-инсталляции Ларри Мосса в Арт-центре Фелпса.

 

Синий мальчик (ок. 1770) Томаса Гейнсборо

Художник	Томас Гейнсборо
Дата покраски	с. 1770
Средний	Холст, масло
Размеры	177,8 см x 112,1 см
Где он находится в настоящее время	Художественная галерея Генри Э. Хантингтона, Сан-Марино, Калифорния, США

«Голубой мальчик » считается одной из самых известных картин Томаса Гейнсборо в стиле рококо. На ней изображен портрет мальчика в синем мундире, как этюд костюма. Розовощекий мальчик элегантно одет в детализированный костюм на фоне бурного пейзажа На Гейнсборо повлиял стиль французского рококо благодаря его обучению в Академии Сент-Мартинс-лейн, что вдохновило его на исследование динамики между людьми и их окружением. С этим интересом он изобразил множество портретов экстравагантно одетых фигур в пышных уличных сценах.

Картина написана под влиянием Антониса ван Дейка и демонстрирует первую попытку Гейнсборо создать костюм в стиле Ван Дейка с лазурным нарядом мальчика.

Джонатан Баттолл (Голубой мальчик) (ок. 1770 г.) Томаса Гейнсборо; Томас Гейнсборо, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Гейнсборо создает контраст между деревенским фоном и изящной фигурой. Портрет в натуральную величину иллюстрирует исключительное техническое мастерство и отражает его умелое использование стиля рококо, объединяющего фантазию и реальность. Тонкая и резкая многослойная кисть имела замысловатые оттенки бирюзы, лазурита, кобальта, индиго и сланца, что делало синий наэлектризованным на фоне бурной пейзажной сцены.

Голубой мальчик был шедевром Гейнсборо. Это бросило вызов традиционным представлениям об эстетике, поскольку синий традиционно считался только фоновым элементом, но Гейнсборо использовал его в качестве своего основного цвета.

Картина отразила традиции стиля рококо, но также вобрала в себя новаторские черты реализма, такие как туго зашнурованные пуговицы.

Картина имела немедленный успех. С момента своего дебюта и до наших дней картина остается вдохновляющим произведением, вдохновившим все, от таких песен, как Blue Boy Blues Коула Портера к одному из костюмов главного героя Джанго в фильме Квентина Тарантино « Джанго освобожденный».

 

Автопортрет в соломенной шляпе (1782) Элизабет Луизы Виже Ле Брун

Художник		Элизабет Луиза Виже Ле Брун
Дата покраски	1782
Средний	Холст, масло
Размеры	97,8 см x 70,5 см
Где он находится в настоящее время	Национальная галерея, Лондон, Великобритания

Элизабет Луиза Виже Лебрен была одной из самых плодовитых художниц своего времени. Хотя некоторые из картин Лебрен включали в себя элементы неоклассического стиля, ее портреты в основном считались картинами в стиле рококо. Она считалась одним из самых известных художников рококо по ряду причин; помимо ее огромных навыков, ей было Главный портрет Марии-Антуанетты художник. В серии «Автопортрет с соломенной шляпой» она нарисовала автопортрет, в котором ей удалось запечатлеть как небрежную, так и аристократическую элегантность, изображая свои собственные художественные способности.

Эта картина блестяще демонстрирует элементы французского стиля рококо; свободные мазки, особенно заметные, когда смотришь на ее волосы; пастельные тона; и ее юношеское причудливое выражение лица.

Автопортрет в соломенной шляпе (после 1782 г.) Элизабет Луизы Виже Лебрен; Элизабет Луиза Виже-Лебрен, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Ее лицо мягко затенено, что открывает ее уверенный взгляд, направленный на зрителя. Ле Брун добилась нарочитой небрежности в своих картинах, изображая себя серьезным художником. На ее картину повлияла картина Le Chapeau de Paille Питера Пауля Рубенса.

В то время женщины-художницы в основном рисовали портреты. Le Brun произвел более 220 пейзажей, и 660 портретов в ее время, причем некоторые из ее картин выставлены во всемирно известных музеях по всему миру. Она была одной из самых известных художниц в стиле рококо. Ле Брун преодолела множество препятствий, занимаясь карьерой, в которой доминировали мужчины, но она победила и стала одной из четырех женщин, официально принятых в Королевскую академию изящных искусств, что помогло ей стать одной из первых женщин, получивших международное признание.

 

Знаменитые картины в стиле рококо, о которых шла речь в этой статье, сохраняют свое значение и по сей день. В то время как список показывает нашу подборку 10 самых известных картин в стиле рококо, есть бесчисленное множество картин этого движения, на которые стоит взглянуть. Если вам понравилась эта статья, мы думаем, что вам могут понравиться и другие наши работы, и мы рекомендуем вам больше узнать о нашем веб-сайте!

 

Взгляните на нашу веб-историю о живописи в стиле рококо здесь!

 

 

Часто задаваемые вопросы

 

Что такое период рококо?

Период рококо был роскошным визуальным движением, которое возникло в ок. 1720 Париж и распространился по Франции и другим частям Европы, включая Италию, Германию, Россию и Австрию. Художники рококо этого периода сосредоточились на внимании к деталям, с его яркими сценами игривого ухаживания и экстремального досуга. Движение охватило большую часть 18 века. Слово рококо происходит от французского слова 9.0870 rocaille , что означает галька или скала, и относится к камням и ракушкам, которые использовались для украшения интерьеров гротов со времен Ренессанса. Термин «рокайль» использовался для описания декоративно-орнаментального стиля, который был представлен в картинах в стиле рококо.

 

Что повлияло на искусство рококо?

Движение рококо возникло как реакция на более формальное величие и тяжесть стиля барокко, которое ему предшествовало, противопоставив его тонкой легкости и причудливости. Король Людовик XV считался «вечным подростком», поэтому игривый характер французского рококо так подходил для его правления. Движение рококо стало синонимом неотразимой мадам де Помпадур, любовницы нового короля XV.