Стиль рококо в архитектуре, интерьере
Искусство с древнейших времен до наших дней является зеркалом, в котором отражается история развития человечества. Каждый народ в отдельные периоды налагает отпечаток на особенности культуры, быта, искусства не только на территории своего государства, но и за его пределами. Италия, ассоциируется с классическим искусством античности, Германию называют центром романского стиля, а Франция, подарила миру rococo.
Истоки стиля
Архитектура и живопись
Фарфоровые фантазии
Серебряная эстетика
Ювелирные изыски
Бронзовая магия
Истоки стиля
История термина берет название от французского слова рокайль (rocaille). Именно так называли декоративные элементы из грубовато обработанных камней и раковин, украшавших малые архитектурные формы. Постепенно произошла трансформация слова, им стали обозначать затейливые, нарочито вычурные элементы декора.
Термин закрепился за художественным стилем в искусстве и нашел отражение в архитектуре, одежде, аксессуарах, мебели и посуде.
Рококо́ пришел на смену барокко в XVIII веке. Устав от высокопарности, скучности и ограниченности форм, светское общество, возглавляемое регентом Филиппом Орлеанским, жаждало нового – легкого и парящего. На смену многолюдным торжественным приемам пришли приватные встречи в салонах, которые несли некоторую интимность и требовали такой же утонченно-укромной обстановки. Потакая прихотям регента, появились миниатюрные диванчики на двоих с закругленными ножками и завитушками в орнаменте. Интерьер сменился на удобный, со множеством зеркал, с резными амурчиками, ажурными гирляндами на стенах и потолках, создающими настроение вечного праздника. Светское общество обратилось к предметам, не носившим смысловой нагрузки. Рококо характеризуется таким понятием, как «bagatelle» («пустяк»). У милых безделушек была одна цель – радовать глаз. Вся эпоха рококо характеризуется некой театральностью, легкомысленностью, иллюзией праздника.
Смещение идеала
Новый стиль постепенно закрепился и в моде, зародился иной эстетический идеал. На смену женской фигуре с несколько выступающим животиком, пришел новый силуэт – талия, которую утягивали корсетом. Женский образ стал загадочным и эротически привлекательным благодаря открытым плечикам, глубокому декольте, огромному количеству декорирующих элементов на костюме: бантиков, завязочек, рюшек. После тридцатилетнего господства общество навсегда распрощалось с прической «фонтаж», более походившей на замысловатое сооружение достигавшее, порой, 35 см. в высоту. Женскую головку стала украшать «простая» аккуратная прическа с локонами, с изящным кружевным бантом.
Надо сказать, что мужской гардероб не отставал в наличии украшающих элементов. Мужской и женский образы были похожи и напоминали изнеженных фарфоровых куколок. Молодые и зрелые аристократы, пренебрегая возрастом, носили одинаковую одежду с вышивкой, украшенную тесьмой, отделанную бахромой и кружевными оборками.
Архитектура и живопись
Изысканность и декоративность, некая игривость и воздушность легли в основу нового стиля и отразились в архитектуре. Начиная с XVIII века, при украшении зданий господствуют мыслимые и не мыслимые воображаемые формы. В этот период вы не встретите геометрически четких линий, тяжелых колонн, гнетущих выступов. Арки, окна, крыши затейливо орнаментируются закруглениями, завитками, стилизованными цветочными гирляндами. Потолки и стены украшаются масками, раковинами, фигурками в игривых позах. Человек всегда стремился к новизне, поэтому набирая популярность, рококо постепенно проник в каждый уголок страны, жаждущий превратить обывательскую скуку в праздник. Художественный стиль здесь идет в ногу с политической обстановкой Франции, поэтому отличается свободным и легким отношением к жизни.
Художники ищут новые формы, чтобы передать светлый взгляд в настоящем, его красоту, мимолетность.
Вместо монументальных кариатид появляются миниатюрные скульптуры, подобно «Речной нимфе» Клода Мишеля, «Мальчик с клеткой» Жан Батиста Пигаля. Полотна украшают любовные сцены, соблазнения в романтической обстановке, пикники на поляне с музыкантами и танцорами: «Любовная записка» Жан Оноре Фрагонар (Fragonard), «Аллегория музыки» Франсуа Буше, «Арлекин и Коломбина» Антуан Ватто. В живопись приходит легкость, естественность, пластичность линий тела. Колорит картин максимально естественен, мягкий, передается цветовыми контрастами максимально реалистично. Композиция динамична, общий фон художественных произведений позитивен и не перегружен смысловыми ассоциациями.
Фарфоровые фантазии
Германия
Трудно заранее определить будет ли художественный стиль популярен или канет в небытие. Только истинное способно пройти сквозь столетия, оставаясь вечно прекрасным и в настоящем. Рококо удалось не только покорить Европу, но и оставить после себя фарфоровые шедевры.
Стиль рококо господствовал на протяжении столетия. Поэтому он логично проник во многие сферы жизни, не обойдя стороной декоративно-прикладное искусство. Фарфоровые изделия XVIII века – уникальные раритетные вещи, в полной мере отражающие модные тенденции. Выпущенная посуда в стиле рококо невероятно изящна по форме: ручки с завитушками, элегантно изогнутый носик кувшина, витиеватые ножки-основания. Фабрика в г. Мейсене (Германия) в восемнадцатом столетии являлась законодателем фарфорового мастерства. В 30-х годах модельной мастерской задавал тон Иоганн Иоахим Кендлер, а чуть позднее – И.Ф. Эберлейн. В этот период выпускаются знаменитые многопредметные сервизы в стиле рококо, появляются новые виды отделки в плоском рельефе. Кендлер считался энтузиастом своего дела и тщательно подходил к любой работе. Ему были заказаны очень дорогие сервизы – для графа Александра Зулковского (1735-1737) и “Лебединый сервиз” (1737-1741) – для саксонского министра Генриха Брюля.
Сегодня сервизы признаны шедеврами. Супница представляет собой изящный сосуд на гнутых ножках, с необычными ручками в виде обнаженных красавиц и живописными украшениями. Широкий верх венчает фигурная куполообразная крышка с нимфой. Сосуд украшен волнообразным узором и покрыт позолотой. Несмотря на внушительный размер, супница кажется изящной и легкой.
Сервиз с лебедями считается идеальным воплощением мастерства фарфорового искусства. Все предметы объединены единой темой, каждый из них – это эпизод, миг сближения человека с птицей. Белизна фарфора дает возможность увидеть рельефность рисунка, а неброская, даже скромная роспись лишь подчеркивает трогательные сюжеты. Сервиз действительно похож на лебединую песню, материализовавшуюся в фарфоре. Она чиста, скромна, совершенна и благородна.
Завод выпускал большой ассортимент посуды и статуэток в период господства рококо.
Мэйсенский фарфор, период рококо (около1745-1774)
Франция
Во Франции, близ Парижа в 1756 году был открыт Севрский фарфоровый завод. Мануфактуре несказанно повезло. Опекаемая Людовиком XV и влиятельными патронессами, фабрика была обеспечена королевскими заказами и имела монопольное право на выпуск фарфоровых изделий. Сюда стремились лучшие художники и дизайнеры, благодаря их стараниям сегодня мы можем любоваться воздушными статуэтками из неглазурованного (чистого, не расписанного красками) фарфора в стиле рококо.
Статуэтка Enfants jouant а-ля loterie,1757. Севр.
Купание Дианы, Луи Симон Буазо, 1790
Фарфоровые заводы в XVIII веке открывались в Италии и России. Однако, учитывая позднее появление технологии, качество сырья, национальные особенности, стиль рококо не стал лидирующим в вышеназванных странах, хотя собрания раритетной фарфоровой посуды многолики и представлены как в частных, так и государственных коллекциях.
Серебряная эстетика
Во Франции рококо продержался до конца 80-х годов XVIII века, в отличие от Англии, Северной Америки, где он совершенно не прижился. Хотя нападки на стиль стали появляться с самого зарождения: трудно было удержать эстетическое равновесие. То, что в начале считалось легким, радостным и изящным, с годами стало вычурным, манерным и легкомысленным. Однако истинным художникам за несколько десятков лет удалось создать дорогостоящие коллекции посуды, в том числе, из серебра.
Европа переживала период некой театральности, появилась страсть к столовому этикету, соответственно и посуда приобрела не только утилитарную функцию. Столовые приборы стали не просто предметом для еды, а неким декоративным элементом, сопровождающим действо. Даже обычная ложка стала выпускаться разной формы и размера: для супа, чая, сахара, клубники. Ее форма была причудливо изогнута, а ручка украшалась воздушными раковинками и драгоценными камнями.
Германия, Ханау, мастерская — Storck & Sinsheimer, 1874-1893
Франция, Париж, мастерская — Leon Lapar, 1878-1897
Франция, Париж, мастерская — Etienne-Auguste Courtois, 1819-1838
Стиль рококо узнаваем по пузатеньким сосудам с гнутыми ножкам, изощренно выгнутым носикам, витиеватым узорам, косым граням, характерным ракушным элементам, создающих впечатление движения. Можно бесконечно любоваться филигранной резьбой чайника и дивиться мастерству ювелиров.
Серебряная посуда до последних десятков лет была привилегией знати. Лечебные свойства в совокупи с декоративной орнаментальностью отличали ее высокой стоимостью. Столовые предметы изготавливали на заказ. Аристократы могли пользоваться ею ежедневно, зажиточный класс довольствовался только по праздникам, либо ограничивался созерцанием на выставках и в магазинах.
Традиционные блюда отличались исключительным качествам, серебряная поверхность была настолько чиста и гладка, что в нее можно было смотреться.
Облегченный орнамент, словно кружась, лишь слегка украшает край. На дорогих разносах запечатлевали традиционные сцены быта, доставшиеся по наследству от барокко, разбавляя массивность завитушками и ажурной резьбой с элементами рокайля.
Ювелирные изыски
Не обошел стороной новый стиль и ювелирные украшения. На смену тяжелым цепям барокко, грузным брошам пришли легкие, витиеватые заколки для волос, изящные серьги, браслеты. В средние века ювелирные украшения являлись символом власти, богатства, эталоном стиля. Королевский двор был подвержен модным веяниям и быстро сменил массивные кулоны на более простые ювелирные украшения.
Украшения любили женщины и мужчины. Последние, следуя моде, декорировали одежду кружевным жабо и прикалывали к нему броши, руки были украшены перстнями. У дам популярностью пользовались серги-жирондоли, эдакие многоярусные украшения, напоминающие каскадные фонтаны.
Драгоценные камни были изощренно укутаны ажурным серебром и на свету переливались безумно красивым светом.
Бронзовая магия
Bronze – древнейший сплав, выплавленный человеком, который использовали не только в практических целях, но и декоративно-прикладном искусстве. К XVIII в. бронза становится важным элементом убранства дворцовых и парковых ансамблей. Ее можно встретить в тяжеловесных рамах для зеркал, отделке мебели, люстрах, бра, подсвечниках. Элементы нового стиля рококо широко представлены в отделке декоративных предметов: курильницы, вазоны, часы. Сплав материала пластичен, а богато разработанный рельеф позволял использовать его не только как основу предмета, но и для его украшения.
Boudoir table clock of Vernis Martin, French,1880
Потрясающие настольные часы в стиле рококо, отделанные золоченой бронзой. Это типичная форма для часов того времени, напоминающая женскую фигурку: покатые плечики, талия.
Сочный цвет лака с золотыми чешуйками добавляет часам королевской феерии. Часы украшены цветочными фестонами, а на основании любовная сцена в загородном пейзаже. Два бронзовых херувимчика украшают циферблат. Сверху, полусферу венчает орел.
Clock with Dolphin by A. D. Mougin, French,1880
Оригинальные старинные часы из позолоченной бронзы с дельфином у основания. Красивый и изысканный стиль рококо выражен и форме, и в декоре. Часы украшены сложными завитками, листьями, цветочными гирляндами. В верхней части находится сосуд с характерными фигурными ручками и цветочным навершием. Дельфин расположен, словно в раковине, у основания и является самым необычным и привлекательным элементом. Часы превосходны, их высота 47 см.
XVIII век жаждал света и зрелищ, поэтому одним из популярнейших будуарных предметов были подсвечники.
До наших дней дошли искусно смоделированные из бронзы подставки с разветвлениями на 2, 5 или 7 свечей с резным основанием, украшенные всевозможными скрученными элементами, фигурками ангелочков.
Мастера рококо любили украшать изделия растительным орнаментом, особенно часто используя для этого листья аканта, стилизованные или передающие красоту растения с природной точностью. Изогнутые линии канделябров в изобилии украшались виноградными лозами, купидонами, что придавало эпохе аромат утонченной роскоши, пресыщения и мечтательности.
Нельзя не упомянуть и бронзовые скульптуры XVIII века, которыми украшали не только парковые зоны, но и, в зависимости от размера, гостиные, столы, ниши. Бронзовая миниатюра и сегодня удерживает первенство по популярности среди раритетных подарков: мадмуазели в пышных юбках-панье с мудреными прическами, амурчики, играющие на музыкальных инструментах, влюбленные парочки, веселящиеся на балу – бесценный подарок для дома или офиса.
Несмотря на то, что к концу века стиль рококо был низвергнут из-за привязанности к излишней помпезности, он не канул навсегда. Притаившись на сотню лет, рококо во второй половине XIX века потерпел перерождение и вновь вернулся, радуя причудливыми изгибами и нескучными формами.
Скульптура рококо: фото, описание
Замысловатый, затейливый, сложный и декоративный стиль рококо не получил впечатляющего развития в пластике. Ярко и мощно проявив себя в живописи, архитектуре и интерьере, этот стиль оставил скульптуре роль дополнительного, вспомогательного вида искусства, который лишь способствует еще более яркому и иллюзорному украшению жилого пространства и парковых ансамблей.
Многие искусствоведы вообще не считают рококо отдельным направлением в истории мирового искусства, считая его лишь наивысшим проявлением барочной эстетики в период упадка европейских монархий.
Среди скульптуры эпохи рококо трудно найти монументальные, впечатляющие своим содержанием и внешним воплощением работы. Служа лишь вспомогательным средством декора, небольшие и изящные работы Фальконе, Лемуана, Пигаля, Клодиона и Пажу помогали создать легкую, игривую атмосферу и беззаботность, присущую «галантному стилю».
Одна из самых известных работ этой эпохи в пластическом искусстве стал «Амур» в исполнении Фальконе.
Богатые заказчики хотели видеть в своих садах, беседках и купальнях именно этого крылатого божка страстной любви. Заказов было так много, что Фальконе раздавал их своим ученикам и коллегам, не в силах справиться самостоятельно с работой. Известно лишь, что лично мастер создал около десятка подобных работ, мало чем отличавшихся одна от другой.
Скульптурные портреты Лемуана составляют главную славу «галантной» скульптуры. Автор создал множество мраморных изящных бюстов, которые являлись портретами заказчиков — финансистов, банкиров, богатых торговцев и промышленников.
Современники автора резко критиковали мастера за излишнюю комплиментарность его работ, за поверхностное толкование образов и отказ от психологических нюансов. Европа жила воспоминаниями о великолепии Ренессанса и новые, изящные, но пустоватые работы, раздражали знатоков и философов 18 века.
Крупнейшие и авторитетнейшие музеи мира по праву гордятся работами Огюстена Пажу в своих коллекциях.
Мастер создал удивительно глубокие работы, сохраняя внешнюю легкость и игривость капризного стиля рококо. Его портреты Паскаля, скульптуры Меркурия, женские бюсты — пример того, как скульптор, идя в ногу со временем, сумел остаться настоящим художником, глубоким и непростым. Мастерски трансформируя каноны Возрождения и Античности, Пажу наполняет их внешней легкостью и даже показной легкомысленностью, сохраняя глубину образов и наделяя свои работы идейным и художественным смыслом.
Будучи учеником придворного скульптора, Клодион всегда понимал, что главное в его работах — угодить заказчику. Тем не менее, мастер создал множество необыкновенно изящных и поэтичных работ, украшавших королевские дворцы Европы.
Среди его работ особого внимания заслуживают композиции «Сатиресса», «Поэзия и музыка», многочисленные нимфы и фавны. Скульптор прославился своими изящными статуэтками из мрамора и терракота, из бронзы и даже из бисквитов! Несмотря на то, что его работы не отличаются глубоким смыслом или психологической глубиной, созданы они с необыкновенной тщательностью и несомненным мастерством.
Понимание искусства рококо — журнал Artsper
Три часа в стиле рококо, 18 векИскусство рококо – трудно поддающееся определению художественное движение 18-го -го -го века, которое охватывает многие области. Искусство рококо охватывает архитектуру, а также живопись, музыку, дизайн, внутреннее убранство и даже литературу. Вслед за барокко искусство рококо определяется в основном фантазией и легкомыслием форм и тем, к которым они обращаются. Он имел большой успех во Франции, а затем и в остальной Европе. Давайте познакомимся с искусством рококо…
Истоки искусства рококо
Конечно, если бы существовал кулинарный эквивалент искусства рококо, то нужно было бы представить себе большой торт, покрытый сахарной пудрой, взбитыми сливками, маленькими рисунками и пралине, потому что искусство рококо щекочет наши чувства . Поэтому он предлагает зрителю антологию художественных выдумок и фантазий, призванных польстить глазу и остроумию.
Термин «рококо» изначально уничижительный. Он обозначает те художественные формы, которые происходят от барокко, художественного течения, освоившего постановку чрезмерных драматических эффектов в конце 16 века. Также забавно отметить, что мы находим ту же ссылку в используемой терминологии… Во-первых, термин «барокко» произошел от португальского слова «barroco» и обозначал неправильную жемчужину. Во-вторых, термин «рококо» использует ту же фонетическую структуру и также обозначает «рокайль», эти имитации неправильных и искусственных камней, которые можно было найти в архитектуре и садах. Таким образом, термин «рококо» используется художниками-неоклассиками для насмешки над теми, кто проявляет такое мастерство в игре с этими фривольными и искусственными художественными формами.
Характеристики живописи в стиле рококо
Помимо уничижительного использования слова, термин «рококо» стал обозначать художественное движение. Его золотой век пришелся на 18 -й -й век, особенно во Франции, а затем и в остальной Европе.
Например, в живописи для искусства рококо характерны сцены радости жизни и веселья… Жизнь поверхностная, немного тщеславная, немного легкомысленная. Времена барочной серьезности прошли. Уступите место пасторальным сценам, херувимам, разврату и любовным историям! Такие художники, как Оноре Фрагонар, Антуан Ватто или Франсуа Буше, хорошо это понимали. Чтобы угодить этому 18 9Аристократы 0004-го -го века, которые оставили позади жесткость Версаля и Людовика XIV, должны быть легкомысленными. Поэтому в искусстве рококо повторно используются постановочные и драматические эффекты барокко, но на этот раз с более светлыми и веселыми цветами.
Шедевр рококо
Escarpolette Оноре Фрагонара — шедевр искусства рококо. На нем изображена молодая дворянка, играющая на качелях (в то время называвшихся escarpolette). На заднем плане много листвы. Художник мастерски передает эти причудливые растительные текстуры.
На первом плане все легкомыслие и игра. Молодая девушка качается в полном дисбалансе, в полной асимметрии. Ей так весело, что она роняет свой ботинок — он летит в воздухе. Как смешно… Она улыбается, немного задорно и игриво. Ее платье развевается во всех направлениях, яростно, в балете из шелка, кружева и завитков. Мы даже видим ее ноги: как неприлично!
Постепенно раскрывается сцена. В тени справа мы видим мужчину, с которым она пришла. Он тот, кто толкает качели. Тем не менее, он не тот, на кого мы смотрим в первую очередь, нет. Нас интригует человек слева от картины. Он был спрятан в кустах, и его сбила молодая девушка. Но он не жалуется, наоборот: его взгляд словно застыл в экстазе на нижнем белье юной девушки. По его восторженному взгляду можно только сказать, что он видит внутреннюю часть ее бедер. Молодая девушка это знает, она смотрит на него, она играет с ним: это, должно быть, ее любовник. В то время как скульптура двух маленьких херувимов, кажется, ошеломленно наблюдает за происходящим, луч света освещает другую скульптуру.
Купидон прикладывает палец к губам, призывая нас к молчанию. Тише! Давайте останемся легкомысленными…
Оноре Фрагонар, Les heureux hasards de l’Escarpolette, 1766-1769, Коллекция УоллесаРазнообразие стилей в искусстве рококо
Искусство рококо волшебно, поскольку оно изображает вселенную радостей и удовольствий. Это также нашло отражение в декоративно-прикладном искусстве и архитектуре. В частности, во Франции искусство рококо часто ассоциируется со «стилем рокайль» или «стилем Людовика XV». Хотя очень похожие (если не синонимичные) историки считают, что эти стили охватывают разные реалии. Обратите внимание, что эти термины являются лишь историческими терминами, которые не использовались в то время. Следовательно, это искусственно созданные имена, а потому несовершенные.
Искусство рококо в декоративно-прикладном искусстве пережило золотой век в середине 18 века. Особенно это касается внутренней отделки, мебели и предметов, которые одновременно являются декоративными и функциональными.
Вообще, мы можем найти много фантазии, с изогнутыми и асимметричными линиями, напоминающими завитки ракушек или листвы. В декоративном искусстве рококо широко используются узоры из цветов, листьев, фруктов и лент. Чтобы подчеркнуть жизнерадостность и яркость, они отдают предпочтение светлым оттенкам (белому, цвету слоновой кости и золоту) и вставке краски и зеркал во все доступные пространства.
Таким образом, на изделиях из железа, посуде, потолках и обрамлениях каминов, шкафах и креслах мы видим искусство рококо. В архитектуре некоторые из этих принципов также применяются, но мало во Франции. Принципы искусства рококо встречаются, в частности, в Баварии и Пруссии. И даже, в некотором роде, в великих памятниках Санкт-Петербурга.
Диван в стиле Людовика XVВозрождение искусства рококо
Рококо со временем вышло из моды. В конце 18 века интеллектуалы выступали за возврат к более торжественному и строгому искусству. Такие люди, как Вольтер, критикуют этот стиль, который он назвал «дегенеративным» и «поверхностным».
Жан-Франсуа Блондель, великий французский архитектор, назвал этот стиль «нелепой смесью ракушек, драконов, тростника, пальм и других растений». Это ознаменовало подъем неоклассицизма во главе с Жаком Луи Давидом…
Искусство рококо не умерло… Хотя оно обозначает художественное движение 18 го века, ограниченное во времени, интерес к нему в последние десятилетия возобновился. Благодаря глобализации и ярко выраженному вкусу к «французской роскоши» из пепла возрождается стиль рококо. Например, в пятизвездочных отелях, в буржуазных интерьерах и у богатых иностранцев мы видим все больше и больше мебели вычурных и перегруженных форм. Использование атласа и позолоты, скульптурные или лепные узоры, изогнутые формы и благородные материалы напоминают об этом стиле рококо.
По иронии судьбы, многие продолжают высмеивать это движение в стиле неорококо, критикуя его перегруженность и фальшивость. Но сосуществование стилей и влияний сегодня допускает все чувства. И многие современные художники ухватились за этот стиль, чтобы дать новую интерпретацию, иногда ироническую, иногда просто эстетическую.
Франция 18-го века — рококо и Ватто
Франция XVIII века — рококо и Ватто
Обзор
В 1715 году французы впервые за семьдесят два года приветствовали нового короля. Людовик XV, пятилетний мальчик, стал преемником своего прадеда Людовика XIV, Короля-Солнце, который сделал Францию выдающейся державой в Европе. В течение следующих восьми лет племянник покойного короля, герцог Орлеанский, правил страной в качестве регента. Его аппетит к красоте и живости был хорошо известен, и он отказался от благочестия, навязанного Людовиком XIV в Версале. Франция отказалась от имперских устремлений, чтобы сосредоточиться на более личных и приятных занятиях. По мере того как политическая жизнь и личная мораль ослабевали, изменения отражались в новом стиле в искусстве, который был интимным, декоративным и часто эротичным.
Стиль рококо
Стремление Людовика XIV прославить свое достоинство и величие Франции было хорошо удовлетворено монументальными и формальными качествами большей части французского искусства семнадцатого века.
Но члены следующего двора стали украшать свои элегантные дома более легкой и изящной манерой. Этот новый стиль известен с прошлого века как «рококо», от французского слова rocaille , обозначающего украшение сада из камней и ракушек. Впервые появившись в декоративно-прикладном искусстве, рококо подчеркивал пастельные тона, извилистые изгибы и узоры на основе цветов, лозы и ракушек. Художники обращались от высокопарности к чувственным поверхностным удовольствиям цвета и света, от тяжелых религиозных и исторических сюжетов — хотя они никогда полностью не игнорировались — к более интимным мифологическим сценам, видам повседневной жизни и портретной живописи. Точно так же скульпторы все чаще применяли свои навыки к небольшим работам для оценки частных покровителей.
После Джан Лоренцо Бернини , Людовик XIV , c. 1700 г., бронза, Коллекция Сэмюэля Х. Кресса, 1943.4.87
1 из 11
Антуан Ватто и Галантный праздник
подход и пристальное наблюдение — Антуан Ватто объединил их в нечто новое.
Родившийся недалеко от фламандской границы, Ватто находился под влиянием тщательно описанных сцен повседневной жизни, популярных в Голландии и Фландрии. Приехав в Париж в 1702 году, он сначала зарабатывал на жизнь копированием этих жанровых картин, содержащих нравоучительные послания, не всегда до конца понятные французским коллекционерам. Он работал у художника театральных сцен и познакомился с итальянским комедия дель арте и его французские подражатели. Стандартные персонажи этих широко нарисованных импровизированных комедий часто появляются на картинах Ватто, а мир театра вдохновлял его смешивать реальное и воображаемое в загадочных сценах. Благодаря работе с модным декоратором в стиле рококо Ватто в конечном итоге привлек внимание покровителей и известных художников. Он начал обучение в официальной Королевской академии живописи и скульптуры, членство в которой было необходимо для выполнения важных поручений, и получил доступ к новым коллекциям произведений искусства, собираемым аристократами и представителями растущей буржуазии.
Под влиянием своего изучения Рубенса и художников венецианского Возрождения Ватто разработал свободную, деликатную технику живописи и вкус к теплым, мерцающим цветам.
В 1717 году «шедевр» Ватто, представленный для поступления в Академию, был принят как «галантный праздник». В этой новой категории Академия признала новизну его работы. Немедленная популярность этих садовых сцен, в которых аристократические молодые пары встречаются в любовных занятиях, позволяет предположить, насколько хорошо fête galante соответствовал духу поиска удовольствий начала восемнадцатого века. Гравюры сделали сюжеты и манеру Ватто широко известными. Хотя лирическая тайна его собственных работ оставалась уникальной, другие художники, специализировавшиеся на fête galante , особенно Патер и Ланкре, также пользовались международной популярностью.
Антуан Ватто , Франция, 1684–1721, Галантный праздник с сокольниками , ок. 1711-1712, красный мел по графиту на верже, Дар Нила и Ивана Филлипсов, 1988.
1.1
2 из 11
Церера, римская богиня урожая, окружена знаками летнего зодиака: Близнецы, Рак, и Лео. Это одна из четырех картин времен года в мифологических одеждах, которые Ватто написал для дома Пьера Кроза. Никто из остальных не выживает.
Ватто некоторое время жил в доме Кроза, изучая внушительную коллекцию произведений искусства богатого банкира, особенно работы Веронезе. Мерцающая яркость и живые пастельные тона Цереры отражают влияние венецианской художницы и смягчают ее крупную фигуру и формальную позу.
Ватто, вероятно, был представлен Кроза Шарлем де Ла Фоссом, известным художником и признанным членом Академии, и вполне вероятно, что Ватто написал Цереру по эскизам, сделанным художником старшего возраста. Их сотрудничество стоит на переходе между монументальными формами предыдущего века и рококо.
Антуан Ватто , Франция, 1684 — 1721, Церера (Лето) , ок. 1717/1718, холст, масло, Коллекция Сэмюэля Х. Кресса, 1961.9.50
3 из 11
Труппа популярной итальянской комедии ( commedia dell’arte ) собирается на сцене, возможно, на занавесе.
В центре неловко стоит уязвимая фигура Пьеро, простодушного камердинера и неудачливого любовника, который был самым человечным из стандартного персонажа комедии . Скарамуш, хвастун, представляет его, в то время как другие персонажи общаются вокруг странно неподвижного Пьеро.
Блестящий рисовальщик, Ватто часто рисовал друзей в театральных костюмах. Возможно, здесь нарисованы их лица, а не лица актеров. Было высказано предположение, что фигуры иллюстрируют переход от юности слева к старости справа или что меланхоличный Ватто видел себя в грустном Пьеро. Намерение Ватто состояло в том, чтобы вызвать настроение, а не просто описать сцену, и его величайшие картины, такие как эта, остаются загадочными и странно острыми.
Итальянские комики была одной из последних работ Ватто. Большую часть своей жизни он путешествовал в 1719 году в Англию для лечения у модного врача Роберта Мида. Эта картина, вероятно, была платой доктору. К сожалению, вскоре после этого Ватто умер от туберкулеза, ему не было и тридцати семи лет.
Антуан Ватто , Франция, 1684–1721, Итальянские комедианты , вероятно, 1720, холст, масло, Коллекция Сэмюэля Х. Кресса, 1946.7.9
4 из 11 флиртуйте, танцуйте и вступайте в интимную беседу, у каждой пары есть «эпизод» в процессе ухаживания. Их анекдотический характер делает картины Патера менее двусмысленными, чем загадочные работы Ватто, которые современник критиковал как «бессюжетные».
Патер учился у Ватто, который признался, что был нетерпеливым мастером, и принял его поручения после своей смерти. Преследуемый страхом бедности, Патер работал непрестанно, но также довольно механически, повторно используя группы фигур и мотивы от одной картины к другой. Он был принят Академией как художник «современных предметов», и более шестисот из его galantes сохранились до наших дней.
Несколько поз на этой картине и незаконченная картина Патера На террасе можно проследить до фламандского художника семнадцатого века Питера Пауля Рубенса, чьи работы можно было увидеть в Париже в 1700-х годах.
Темное платье женщины справа, модное в предыдущем столетии, и садовая скульптура Венеры, подчеркивающая направленность картины на любовь, также отражают его влияние. Но Патер, в соответствии со вкусами рококо, усовершенствовал массивные фигуры Рубенса. Они собраны в изящные группы, их тонкие шелка окрашены прохладными пудровыми красками, нанесенными перистыми мазками.
Жан-Батист Жозеф Патер , французский, 1695–1736, Fête Champêtre , ок. 1730 г., холст, масло, Коллекция Сэмюэля Х. Кресса, 1946.7.19
5 из 11
Будучи молодым художником, Буше гравировал работы Ватто для публикации. Гравюры, подобные его, часто с добавлением стихов, распространили стиль рококо по всей Европе. Сам Буше стал самым модным художником Франции под покровительством мадам де Помпадур, могущественной фаворитки Людовика XV, чьи утонченные вкусы влияли на французское искусство в течение двух десятилетий. Возможно, именно муж или брат женщины на этой картине познакомил молодого художника со своим будущим покровителем.
Из более чем тысячи картин, созданных Буше, только около двадцати являются портретами. Современники отмечали, что художнику было трудно передать сходство, и в 1700-х годах этот недостаток считался менее серьезным для женских портретов, чем для мужских, поскольку правдивость могла заменить лесть. Бледные цвета, богатые ткани и деревенский оттенок соломенной шляпы типичны для стиля Буше. В нем запечатлено изящество изнеженного образа жизни, в котором, как отмечал современник, «нам действительно нечего делать, кроме как искать приятных ощущений и чувств».
Франсуа Буше , Франция, 1703–1770, Мадам Бержере , возможно, 1766, холст, масло, Коллекция Сэмюэля Х. Кресса, 1946.7.3
6 из 11 художников, следовавших за Ватто27 900 Ланкре был самым талантливым и изобретательным. Скорее соперник, чем подражатель, он был принят в Академию как художник galantes , но также создавал исторические и религиозные картины — и портреты, особенно актеров и танцоров.
В этом вдохновенном гибриде Ланкре создал такой портрет в элегантном саду fête galante . Словно в центре внимания, знаменитая танцовщица Ла Камарго разделяет па-де-де со своим партнером Лавалем. Их обрамляет пышная листва, которая словно вторит их движениям. Мари-Куппи де Камарго (1710–1770) широко хвалили за ее чуткий музыкальный слух, воздушность и силу. Вольтер сравнивал ее прыжки с нимфами. Мода и прически были названы в ее честь, и ее реальный вклад в танец был значительным. Она первой укоротила юбки, чтобы можно было в полной мере оценить сложные шаги, и некоторые думают, что она изобрела туфли с носками.
Николя Ланкре , Франция, 1690-1743, Танцы Ла Камарго , ок. 1730 г., холст, масло, Коллекция Эндрю В. Меллона, 1937.1.89
7 из 11
Любовное письмо было заказано самой мадам де Помпадур. Любовница короля заказала его и сопутствующую картину для своего замка в Бельвю, где они, вероятно, висели над дверными проемами, встроенными в изогнутые овальные рамы.
Позже по углам были добавлены куски холста, чтобы сделать эту картину прямоугольной.
Сцена представляет собой пасторальную идиллию. Молодые «пастушки» носят тонкие шелка, и современный зритель понял бы эротическое обещание в демонстрации розовых пальцев на ногах. Идеализированные видения деревенской жизни были обычным явлением на сцене и в реальных маскарадах. Дени Дидро, пренебрегая легкомыслием сцен Буше, жаловался: «Неужели я никогда не избавлюсь от этих проклятых пасторальей?» Тем не менее энциклопедист, который был влиятельным критиком, также оценил великолепие картины Буше, в которой запечатлены светящиеся цвета раковин, бабочек и полированных камней — предметов, которые художник собирал, чтобы скопировать их хрупкую радужность.
Франсуа Буше , французский, 1703–1770, «Любовное письмо» , 1750, холст, масло, коллекция Timken, 1960.6.3
8 из 11 крадется сквозь лунный свет, чтобы поцеловать спящего пастуха Эндимиона, которому боги даровали вечный сон, чтобы сохранить его красоту и молодость.
Диана и Эндимион был написан, когда Фрагонар был еще студентом Академии и находился под сильным влиянием Буше, который был его учителем. Это была одна из нескольких мифологических виньеток, действие которых происходило в разное время дня; на другом изображена восходящая Аврора (Рассвет). Обе композиции, написанные как украшения над дверью, были основаны на рисунках, которые Буше сделал для гобеленов Бове. Несмотря на сходство с работами старшего художника, Диана и Эндимион уже демонстрируют важные элементы того, что станет собственным стилем Фрагонара: насыщенные цвета и плавное обращение с краской.
Жан-Оноре Фрагонар , француз, 1732-1806, Диана и Эндимион , ок. 1753/1756, холст, масло, коллекция Timken, 1960.6.2
9 из 11
Костюмы и обстановка здесь предполагают маскарад, возможно, в Венеции. Однако, как и изображенное элегантное и загадочное трио, картина остается загадочной. Его приписывали многим разным художникам, совсем недавно Ле Лоррену, малоизвестному художнику, который провел девять лет в Италии и был известен прежде всего как «художник руин».
Ле Лоррен также проектировал интерьеры, мебель (в том числе неоклассическую сюиту на портрете Греза в коллекции Галереи) и декорации для публичных зрелищ (например, коронации Людовика XV). Морозные цвета и холодный, резкий свет на этой картине кажутся похожими на другие работы Ле Лоррена, но для сравнения существует несколько его работ. В конце концов он принял приглашение Екатерины Великой возглавить Академию художеств в Санкт-Петербурге и умер там всего через несколько месяцев после прибытия.
Луи-Жозеф Ле Лоррен , Франция, 1715-1759, Три фигуры, одетые для маскарада , ок. 1740-е годы, холст, масло, Коллекция Сэмюэля Х. Кресса, 1961.9.92
10 из 11
Широкие драпировки и тугой поворот головы создают движение и энергию в этом портретном бюсте. Слегка приоткрытые губы, просверленные зрачки и тщательно детализированные черты лица — линии вокруг глаз и рта — оживляют личность субъекта, который был советником Людовика XV и чей сын сражался в американской войне за независимость.