Натюрморт живопись в интерьере: Натюрморт в интерьере живопись (62 фото)

Живопись. Акварель: натюрморт, интерьер

Живопись. Акварель: натюрморт, интерьер

 Настоящий раздел посвящен работе над натюрмортом и интерьером. Натюрморт и интерьер как особые жанры живописи существуют очень давно. Многие виднейшие художники разных времен наряду с тематическими произведениями создавали ж натюрморты, и картины, изображающие интерьеры.

          В Голландии в XVII веке прославились как великолепнейшие мастера натюрморта художники Ян Давидс де Хеем и Биллем Кальф, во Фландрии большие полотна с изображением всевозможной дичи и снеди создавал Франс Снейдерс.

К числу лучших образцов этого жанра относятся натюрморты французского художника XVIII века Шардена.

Много внимания уделяли этому жанру русские художники. Известны этюды, написанные Александром Ивановым. В 40-х годах XIX века большое распространение получил натюрморт, а также живопись интерьера в картинах учеников А. Г. Венецианова, которого называли «отцом русского жанра». Среди его последователей наиболее известны художники Г. В. Сорока, К. А. Зеленцов и другие. Цветы и фрукты писал И. Т. Хруцкий. Он не был учеником Венецианова, но по тонкой передаче «вещественности» предметов был очень близок к его школе. В начале XX века к натюрморту часто обращается в своем творчестве К. А. Коровин. Большую роль играет интерьер в живописи И. Е. Репина, В. И. Сурикова, А. Е. Архипова.

Среди произведений русских художников известны натюрморты И. И. Машкова,  А. В. Куприна, М. С. Сарьяна, П. П. Кончаловского и других мастеров. Интерьеру отводится важное место в произведениях различного жанра — и в исторических, и в бытовых картинах. Много интерьеров — писали  П. И. Петровичев. Б. М. Кустодиев, И. А. Соколов в другие мастера.

В настоящем — втором — выпуске «Школы изобразительного искусства» воспроизводится ряд натюрмортов, выполненных маслом и акварелью. Эти произведения раскрывают мировоззрение художников, их отношение к жизни и отличаются друг от друга общей трактовкой предметного мира, подбором предметов, композиционным строем картины.

Голландский художник Кальф в натюрморте под названием «Кубок из перламутровой раковины и фрукты», подбирая предметы, имел в виду определенный сюжет: сочетание и сопоставление красивых, изысканных вещей, изящных по форме и материалу; это бокалы, нарядные драпировки. Одновременно Кальфа увлекает задача передать разнообразие материалов. Он берет стекло и фаянс, ковровую скатерть, перламутр, фрукта — асе это размещено на мраморном столе. Чтобы выявить материальные свойства предметов, используется прием контрастов: блестящая фаянсовая тарелка лежит на ковровой, рыхлой по своей фактуре, скатерти, что оттеняет жесткость одного материала и мягкость другого; один бокал венецианского стекла стоит на мраморной подставке, другие, попадая на темный фон стены, сливаются с ней, что подчеркивает хрупкость и прозрачность стеклянной посуды.

Натюрморт поставлен под боковой свет, падающий на предметы переднего плана — на блюдо с лежащими на нем персиками. Тем самым рельефно выражена их форма по контрасту к фону, погруженному в тень, лишенному каких-либо деталей.

Старый голландский фаянс тарелки имеет голубоватый тон. На нем живописно выделяются золотистого цвета шероховатые персики. Рядом — лимон со срезанной корочкой, влажный, сочный, с просвечивающимися зернами. Скатерть красно-коричневого тона созвучна по цвету вишневому тону бокала. И среди них — сверкающая переливами перламутра раковина.

Не вдаваясь в более глубокий анализ композиционного построения натюрморта, обратим лишь внимание на особую стройность всей композиции: с каким искусством художник расставил бокалы от низкого в левой части до более высоких в правой; в картине нет ничего случайного — все подчинено определенному художественному замыслу. В то же время постановка убеждает нас своей естественностью, близостью к человеку и кажется подсмотренной художником в жизни.

А вот натюрморт, принадлежащий кисти Шардена. Он выполнен также в традициях большого искусства. Подробно этот натюрморт анализируется в разделе «Живопись маслом (натюрморт)». Мы же обратим внимание лишь на одну сторону дела: на то, что художник умеет найти красоту в обыденных предметах.

Почему же эти простые вещи, с которыми мы встречаемся повседневно и мимо которых нередко равнодушно проходим, способны привлекать к себе и пленять собою в картине художника-мастера? Потому, очевидно, что художник, изображая предметы, не просто их повторяет в случайном сочетании, а показывает нам свое отношение к ним, выделяя их основные качества, рассказывая о их назначении, ценности, красоте.

Вот почему совершенно не обязательно искать для натюрморта какие-то необычные предметы, редкие или антикварные. Наоборот, чем проще, строже по своей форме предмет, чем больше он побывал в  употреблении, тем большую ценность может представлять он для натюрморта. Время накладывает на предметы патину*  ( От итал, patina — налёт.), обогащает их какими-то дополнительными оттенками цвета, одним словом, делает их, если можно так сказать, ближе к нам. В этом, очевидно, и кроется для живописца очарование слегка выцветших тканей, побывавших в употреблении вещей.

Предметы быта, одновременно с окраской, интересны и по форме. Каждый из них является в той или иной мере свидетелем уровня материальной культуры. Их формы не случайны, а отработаны в течение веков руками многих поколений мастеровых: гончаров, жестянщиков, столяров. Эти сложившиеся формы, как правило, в наибольшей мере соответствуют своему назначению, свойствам материала, способам изготовления. Вот почему простой глиняный кувшин нередко своими пропорциями и очертаниями отвечает самому взыскательному вкусу.

Натюрморт Шардена производит впечатление естественной простоты и гармонии. Мы читаем композиционный замысел, которым художник руководствовался, группируя предметы, и в то же время не обнаруживаем никакого намека на нарочитость и искусственность. В этом и заключается мастерство композиции: добиваться выразительности, не изменяя правде, решать поставленную задачу просто и ясно.

Простотой и вместе с тем удивительно точным решением поражает этюд М. А. Врубеля «Роза», выполненный акварелью. Здесь выразительность достигнута лаконичными средствами, видна рука опытного мастера, свободно владеющего материалом. Покоряют нежность и трепетность цветка, воздушность среды, верность ударов кисти.

Просвечивающий сквозь прозрачные слои краски рисунок итальянским карандашом свидетельствует о любви к отточенной, четкой и выразительной форме. Светлый бледно-розовый силуэт цветка выполнен легко перекрывающими друг друга прозрачными тонами — от бледно-розового до более яркого в рефлексах.

Можно проследить последовательность в нанесении художником одного тона на другой. Вначале Врубель покрыл всю розу холодным бледно-розовым. Поверх этого светлого следуют другие по силе планы. Завершают их наиболее чистые и насыщенные розовые. Общий светлый, несколько уплощенный силуэт розы на фоне гармонирующих с нею серебристо-серых и сдержанных по цвету зеленых листьев делает этюд прозрачным, акварельно легким, полным света я воздуха. В пределах нашего курса мы не имеем возможности останавливаться на более обстоятельном анализе композиционных решений натюрмортов. Мы сочли уместным дать лишь краткий разбор, имея целью сделать ряд выводов, полезных в практической работе начинающих художников. Совершенно очевидно, как важно вдумчиво подходить к делу, развивать в себе наблюдательность и вкус художника, рассматривать любое свое начинание как серьезный, осмысленный труд.

Изучая работы мастеров, мы постигаем общие основные принципы искусства, типичные для живописи художественные средства. Эти находки не только не возбраняется, но и рекомендуется использовать.

Не следует обольщаться и подражать таким произведениям, в которых подлинное мастерство подменяется рассчитанными на дурной вкус техническими выкрутасами: ловкостью кисти, эффектными ударами мазка, случайными цветовыми пятнами. Обращайтесь к таким произведениям, которые прошли проверку временем, вошли в фонд мирового, русского и советского искусства.

Следует подчеркнуть, что между учебным натюрмортом и натюрмортом-картиной, выполненным художником, есть существенные различия.

Учебная работа призвана помочь в овладении знаниями. Опытный художник этими знаниями уже владеет и выражает в своем произведении определенную мысль, свое понимание жизни. Поэтому не повторяйте ту или иную постановку мастера целиком. Согласуйте сложность задач, которые решает опытный художник, со своей технической и художественной подготовкой.

Задумайтесь над тем, какими средствами достигает художник выразительности, образности, как он группирует предметы между собой — разделяет или сближает их, а может быть, заслоняет один предмет другим. Проанализируйте, зачем он это делает; какой создается ритм композиции; каким образом используется свет, сочетание светлого и темного, контрасты или повторы цвета; чем достигается цветовая гармония в произведении, концентрируется внимание на главном, как подчиняются этому главному другие части; как выражается пространство, масштабность, применяются законы перспективы.

Работа над композицией натюрморта начинается уже с подбора и расстановки предметов.

Предметы,   составляющие   ту   или   иную   постановку,   должны иметь смысловую связь и, если можно так сказать, родство, определяющееся их применением в жизни. А потому относитесь к выбору предметов сознательно, по возможности избегайте случайных, чужеродных по своему назначению. Делая подбор, руководствуйтесь общим сюжетным замыслом. Для одних натюрмортов будут уместны предметы кухонного обихода, овощи, рыба, мясо. В натюрморте с посудой могут быть фарфор, стекло, фрукты. Особого сочетания вещей потребуют школьный или охотничий натюрморт.

Начинайте с несложных постановок. Вначале возьмите один-два предмета, затем составляйте небольшие группы.

Желательно, чтобы предметы, выбираемые для натюрморта, были разнообразны по форме, цвету, свойствам материала, отличались и по своей величине. Одновременно, поскольку мы преследуем учебные цели, не увлекайтесь предметами, сложными по форме и окраске. Нужно стремиться, чтобы постановка производила впечатление естественности, убеждала правдой, и не была бы беспорядочна, громоздка.

В процессе обучения мы воспитываем свой вкус, развиваем эстетическое чувство, поэтому нельзя мириться с тем, чтобы в ваши постановки попадали антихудожественные «изделия», которые, к сожалению, еще нередко встречаются наряду с простыми и строгими по форме, приятными по цвету вещами. Разве не бытуют еще гипсовые «кошки-копилки», пошлые статуэтки, ларцы из ракушек или аляповатые вазы, которыми наводняли рынок дореволюционной России всевозможные дельцы от искусства, потрафляя мещанским представлениям о красоте. И в наши дни можно еще встретить вычурные, грубые и примитивные вазочки и шкатулки. Конечно, вашим судьей в оценках красивого и некрасивого будет ваш собственный вкус, но его нужно развивать, совершенствовать. Подлинная красота не нуждается в украшательстве, в погремушках. Обманная красивость, «подсахаренная» и «сдобренная» стремлением к помпезности, к особому шику в подборе слащавых вещей, приторных сочетаний, может обмануть только наивного зрителя.

Подбор предметов как бы предопределяет и цветовой строй, который может быть более или менее нарядным и красочным. Следите, чтобы привлекаемые в постановку драпировки тоже не вносили диссонанса. Они должны соответствовать общему замыслу. Представьте себе, какой бы нелепой была ваша постановка, если бы в ней, скажем, рядом с утюгом стояла изящная статуэтка или хрустальная ваза с цветами, а на фоне, скажем, шелковой ткани была положена тыква или репа.

Чем более продуманной будет ваша постановка по выбору предметов, по формам, цвету, общему колориту, тем приятнее будет вам ее выполнять, тем большая гарантия и лучшего ее решения.

Определяя точку зрения, не ограничивайтесь первым же выбранным размещением. Продумайте, следует ли положить или поставить предмет, или прислонить его к другому предмету. Выбирайте состояние, наиболее типичное для данного предмета в жизни.

Обратите внимание на просветы между предметами. От этого будет зависеть впечатление собранности, компактности или разбросанности, стройности или хаотичности. Предметы, находясь на разных расстояниях от нас, могут заслонять друг друга. Посмотрите, как лучше их разместить. Здесь опять будут варианты, обусловленные величиной и формой предметов.

Подумайте, при каком свете (боковом или прямом) выгоднее решить ту или иную задачу.

Закончив постановку, приступайте к композиции на бумаге. Выбирая размер листа, руководствуйтесь масштабами участвующих в постановке предметов, но так, чтобы изображение было не очень крупным и не очень мелким. Для начала хорошо взять лист бумаги размером 30 X 40 см.

С рисунком на листе поступайте так, как рекомендовалось в главе о работе над орнаментом, то есть относитесь к поверхности бумаги бережно, стараясь ее не засалить, и не прибегайте часто к резинке, чтобы не нарушить зернистую фактуру бумаги. Величину изображения определяйте с таким расчетом, чтобы оно находилось в соответствии с фоном. Фон не должен довлеть над изображением, а с другой стороны, и предметам не должно быть на листе тесно.

Создайте себе необходимые для работы удобства — обставьте свое рабочее место наиболее целесообразно: краски, палитра, кисти и бумага для пробы — против вас; рядом с этюдом банка с водой, возле нее губка и тряпочка для вытирания кисти.

Какой кистью писать — важный вопрос. Он имеет непосредственное отношение к технике письма, к масштабу мазка, к разнообразию приемов, например, сочетанию в этюде широких заливок с иными по масштабу членениями и деталями. По мере накопления опыта, знаний, по мере усложнения заданий начинающий должен расширять и набор кистей. При заливке больших поверхностей нужно пользоваться крупным размером кисти, меньших плоскостей — другой кистью, для исполнения деталей — третьей.

Свет, освещающий лист бумаги, должен падать слева, чтобы ваша рука не заслоняла работу, не образовывала на листе теней.

При выборе места для работы нужно учитывать, что как при рисовании, так и в живописи необходимо охватывать взглядом всю натуру одновременно. Если же сесть к натуре очень близко, то в силу свойств нашего зрения мы будем лишены такой возможности.

Поэтому лучше располагаться от натуры на расстоянии ее двойной высоты. Обычно для работы над натюрмортом, в зависимости от величины участвующих в постановке предметов и занимаемого ими пространства, удобным оказывается место на расстоянии одного-двух метров от натуры.

Было бы неверным предполагать, что перечень рекомендуемых ниже заданий в состоянии исчерпать все стороны живописи акварелью. Они ставят лишь ряд основных вопросов, которые должен освоить начинающий, лишь намечают тот путь, по которому он должен идти, совершенствуя свое умение.

Большую помощь в вашем развитии может оказать копирование с хороших образцов. Однако непременно сочетайте копирование с изучением натуры. Только в этом случае оно и будет оправданным, будет служить подспорьем в вашем художественном развитии.

В старой русской художественной школе копированию с образцов в рисунке отводилась значительная роль. Нередко и художники, изучая великое наследие, выполняют с познавательной целью копии с произведений искусства. Мы представляем вам возможность самим определить место копии в своей учебе. Занимающимся акварелью лучше копировать произведения, выполненные в этой технике. Тогда получаемые знания и опыт будут более органично сочетаться в учебных работах.

В качестве иллюстративного материала нами привлекаются учебные этюды* (* Этюд (от французского etude — изучение) — произведение вспомогательного характера и ограниченного размера, выполненное целиком с натуры с целью тщательного ее изучения.) с натуры, выполненные учениками начальных классов московской и ленинградской художественных школ, а также студентами Художественного института им. И. Е. Репина. Это даст нашему читателю возможность сравнивать свои работы с работами также начинающих, покажет ему постепенное накопление знаний и совершенствование от этюда к этюду, послужит стимулом в работе, избавив от неизбежных огорчений при встрече с трудностями на первых порах его занятий живописью.

Разбирая отдельные задания, мы будем указывать среднее примерное время, необходимое для их выполнения. Но нужно учитывать, что на практике все будет зависеть от вашей подготовки, умения видеть и передать увиденное. Для одних это количество часов может быть слишком продолжительным, для других, наоборот, недостаточным. Слабо подготовленный исчерпает свои возможности раньше. Более подготовленный, обладающий развитым глазом и представлением о законченности живописной формы, может проработать дольше. Возможно указанного нами времени для такого ученика окажется даже недостаточно. Так что каждый из вас на практике определит режим занятий. Главное, чтобы стремиться от этюда к этюду высказываться до конца, до тех пор пока глаз в состоянии видеть в натуре все новые и новые стороны, более и более совершенно решать задачу, передавая форму и цвет. Взыскательный, требовательный к себе начинающий художник не будет скучать работая. Общение с природой и сам процесс письма, как всякий созидательный процесс, будут доставлять ему радость, принесут удовлетворение, хотя вместе с тем не исключены и большие трудности, которые придется преодолевать, применяя постепенно накапливаемые знания и опыт.

        А потому условимся, когда в дальнейшем встретятся указания на рекомендуемое время исполнения этюдов — это будут ориентировочные определения, средняя норма, предполагающая время на рисунок в течение одного или двух сеансов, а на исполнение в цвете — трех и более сеансов. Обычно в художественной школе сеанс длится в течение трех часов. Такая продолжительность сеанса определилась учебной практикой из учета возможности подготовить рабочее место, «войти» в работу и сохранить необходимую степень внимания в ходе занятий.