Posted on Leave a comment

Картины виды: Жанры живописи

Содержание

Жанры живописи

Живопись — один из наиболее распространенных видов искусства, с помощью которого художники — живописцы передают свое видение мира зрителям.

Таким образом, живопись представляет собой отдельный и весьма популярный вид изобразительного искусства, в котором зрительные образы передаются мастером посредством нанесения красок на поверхность картины.

 

И. И. Шишкин. Пейзаж » Корабельная роща» ( 1898 год).

 

Все существующие на сегодняшний день живописные произведения можно разделить на несколько отдельных жанров, которые имеют свои особенности в тематике и технике изображения. Рассмотрим основные из них, чтобы иметь правильное представление о структуре живописных полотен.

Итак, среди современных жанров живописи можно назвать следующие:

  • Портрет
  • Пейзаж
  • Марина
  • Историческая живопись
  • Батальная живопись
  • Натюрморт
  • Жанровая живопись
  • Архитектурная живопись
  • Религиозная живопись
  • Анималистическая живопись
  • Декоративная живопись

Схематически разделение жанров живописного искусства будет выглядеть следующим образом:

 

Схема жанров живописи

 

Портрет

Многим из нас знаком такой жанр живописи, как портрет. Это один из самых древнейших видов  изобразительного живописного творчества, и его можно встретить также в скульптуре и графике. Раньше не было фотографий, поэтому каждый богатый или знаменитый человек считал необходимым увековечить свое лицо и фигуру для потомков — и в этом на помощь ему приходили художники — портретисты.

Портретом принято считать изображение одного конкретного человека или целой группы людей. С помощью портретной живописи мастер показывает внутренний мир людей через особенности их внешнего облика.

Причем, на портрете могут изображаться как реальные люди, так и литературные или мифические герои. Кроме того, может быть создан как портрет человека, жившего в прошедшие времена, так и нашего современника, существующего на сегодняшний день.

Четких границ у портретного жанра нет, поэтому в одном произведении портрет может сочетаться с элементами других жанров живописи — пейзажем, натюрмортом и так далее.

 

Ксения Черномор. Портрет женщины на фоне пейзажа. Холст, масло.

 

Виды портретов

Среди наиболее распространенных видов портретной живописи можно выделить следующие:

  • Исторический портрет
  • Ретроспективный портрет
  • Портрет — картина
  • Типовой портрет
  • Костюмированный портрет
  • Автопортрет
  • Донаторский портрет
  • Парадный портрет
  • Полупарадный портрет
  • Камерный портрет
  • Интимный портрет
  • Малоформатный портрет
  • Портрет — миниатюра

Каждый из видов портретной живописи имеет свои характерные особенности и отличия в технике выполнения. Рассмотрим их более подробно.

  • Исторический портрет — содержит изображение какой — либо исторической личности, политического деятеля или творческого человека. Такой портрет может быть создан по воспоминаниям современников или родиться в воображении живописца.

 

А. М. Матвеев. Портрет Петра Великого ( 1724 — 1725 годы). Холст, масло.

 

  • Ретроспективный портрет
    — посмертное изображение жившего в прошлом человека, которое создано по описаниям очевидцев или по прижизненному изображению. Однако возможны также случаи полного сочинения портрета мастером.

 

Владислав Рожнев » Женский портрет» ( 1973 год). Холст, масло.

 

  • Картина — портрет — человек изображается в сюжетной взаимосвязи с окружающим миром, природой, на фоне архитектурных построек или деятельности других людей. В портретных картинах как раз наиболее ярко прослеживается расплывчатость границ и соединение различных жанров — пейзажа, исторической и батальной живописи и так далее.

 

Борис Кустодиев. Картина — портрет Ф. И. Шаляпина ( 1922 год). Холст, масло.

 

  • Типовой портрет — художник — живописец изображает собирательный образ, составленный из характерных особенностей внешности многих людей, объединенных общими идеями, видами деятельности, социальным положением или образом жизни.

 

Ф. В. Сычков » Портрет крестьянки».

 

  • Портрет костюмированный — изображенный человек представлен перед зрителем в виде литературного или театрального персонажа, исторического деятеля или мифологического героя. Подобные портреты представляют особый интерес для изучения костюмов других эпох.

 

Костюмированный портрет

 

  • Автопортрет — особый вид портретного живописного произведения, на котором художник изображает сам себя. То есть, он хочет передать и донести до зрителей свою внутреннюю сущность.

 

Автопортрет Рафаэля Санти

 

  • Донаторский портрет — одна из устаревших форм портретной живописи. На такой картине с религиозной тематикой изображался человек, сделавший крупные пожертвования церкви. Он представал перед зрителями в окружении святых, рядом с Мадонной или на одной из створок алтаря в коленопреклоненном виде. Состоятельные люди в те времена видели в создании донаторского портрета особый смысл, потому что такие картины всегда воспринимались позитивно и почитались наравне с иконами.

 

Пинтуриккьо. » Воскресение Христа» с коленопреклоненным папой Александром VI.

 

По характеру и способу изображения фигуры человека все портреты делятся на следующие типы:

  • Парадный портрет — показывает человек в положении стоя в полный рост. При этом все детали внешности и фигуры выписываются очень четко.

 

Эжен Делакруа. Портрет барона Швитера ( 1827 год).

 

  • Полупарадный портрет — человек изображается по пояс, до колен или в положении сидя, когда нижняя часть ног не видна. В подобном произведении портретной живописи огромную роль играет изображение окружающей обстановки или аксессуаров.

 

Рокотов Ф. С. » Коронационный портрет Екатерины II» ( 1763 год).

 

  • Камерный портрет — фигура человека выполняется на нейтральном фоне, причем используется сокращенный вариант изображения фигуры человека — до пояса, до груди или даже до уровня плеч. В этом случае мастер особенно четко и тщательно выписывает черты лица человека.

 

Камерный портрет Екатерины II в дорожном костюме. Конец XVIII века.

 

  • Интимный портрет — используется крайне редко и представляет собой одну из разновидностей камерного портрета благодаря выполнению на нейтральном фоне. В основе создания интимного портрета лежат глубокие чувства художника к изображаемому человеку или доверительные отношения между ними.

 

Эдуард Мане » Девушка в испанском костюме» ( 1862 — 1863 годы).

 

  • Малоформатный портрет — живописное произведение небольшого размера. выполняемое, как правило, тушью, карандашом, пастелью или акварельными красками.

 

Современный малоформатный портрет, написанный акварелью.

 

  • Портрет — миниатюра — один из самых узнаваемых и сложных в отношении техники выполнения видов портретной живописи. Для миниатюры характерен небольшой формат изображения ( от 1,5 до 20 см), а также необычайная тонкость письма и тщательная, практически ювелирная прорисовка всех линий. Миниатюрные портреты вставляли в медальоны, украшали ими часы, браслеты, броши, перстни и табакерки.

 

Жак Августин » Вакханка» — миниатюрный портрет ( 1799 год). Кость, акварель, гуашь. Размер 8 см ( круг).

 

 Пейзаж

Пейзаж представляет собой отдельный жанр живописи, основным объектом изображения которого является природа в первозданном виде или несколько измененная в процессе деятельности человека.

 

Константин Крыжицкий » Дорога» ( 1899 год).

 

Жанр пейзажной живописи известен с древнейших времен. Однако в средние века он несколько теряет свою актуальность. Но уже в эпоху Ренессанса пейзаж возрождается и приобретает значение одного из важнейших жанров в живописном искусстве.

 

Жан — Франсуа Милле » Весна».

 

Марина

Марина ( от латинского слова » marinus» — » морской») — особый жанр живописи, в котором все изображаемые события, виды человеческой деятельности и картины природы посвящены морю. Зачастую на полотнах изображены морские пейзажи в разное время года и при различном освещении.

 

И. К. Айвазовский » Девятый вал» ( 1850 год).

 

Художников, рисующих морские просторы в различных их проявлениях, называют » маринистами». Одним из известнейших маринистов является Иван Айвазовский, создавший свыше 6 тысяч картин на морскую тематику.

 

Иван Айвазовский » Радуга» ( 1873 год).

 

Историческая живопись

Жанр исторической живописи зародился в эпоху Возрождения, когда художники стремились отразить в своих полотнах сцены из жизни общества в различные периоды истории.

Однако на исторических полотнах могли  изображаться не только картины из жизни реальных людей, но и мифологические сюжеты, а также иллюстрированное переосмысление библейских и евангелийских историй.

 

Доменико Беккафуми » Воздержание Сцилиона Африканского» ( около 1525 года).

 

Историческая живопись служит для отображения событий прошлого, наиболее важных для конкретного народа или всего человечества в целом.

 

Франциско Прадилья » Крещение принца Хуана, сына Фердинанда и Изабеллы» ( 1910 год).

 

Батальная живопись

Одной из разновидностей исторического жанра является батальная живопись, тематика изображений которой посвящена главным образом военным событиям, знаменитым сражениям на суше и на море, а также военным походам. Батальный жанр охватывает историю военных столкновений за всю историю существования человеческой цивилизации.

При этом батальные полотна отличаются большим количеством и многообразием изображенных фигур, а также достаточно точными картинами местности и особенностей архитектуры того или иного региона.

 

Франсуа Эдуар Пико » Осада Кале» ( 1838 год).

 

Перед художником — баталистом стоит несколько сложнейших задач:

  1. Показать героику войны и показать поведение наиболее отважных воинов.
  2. Запечатлеть особо важный или переломный момент сражения.
  3. Раскрыть в своем произведении полный исторический смысл военных событий.
  4. Точно и четко выразить поведение и переживания каждого из участников битвы — как знаменитых полководцев, так и рядовых солдат.

 

Жан — Батист Дебре » Наполеон выступает перед баварскими войсками в Абенсберге 20 апреля 1809 года.

 

Следует отметить, что жанр батальной живописи считается одним из самых сложных, поэтому подобные полотна создаются мастерами длительное время — порой по десятку лет. От художника требуется не только отличное знание подробной истории изображаемого сражения, но и умение создавать многофигурные полотна с большим количеством вспомогательных деталей. Это и картины природы, и элементы архитектуры, и изображение оружия или военных механизмов. Поэтому батальный жанр занимает особое место и стоит отдельно от исторической живописи.

 

Фрагмент Бородинской панорамы.

 

Натюрморт

Натюрмортом называется создание на полотнах композиций из  неодушевленных предметов в различных их сочетаниях. Наиболее популярными являются изображения посуды, вазонов с букетами цветов и фруктов на блюде.

 

Сезанн » Угол стола» ( 1895 — 1900 годы).

 

Изначально тематика изображений в жанре натюрморта возникла на рубеже XV — XVI столетий, но окончательное оформление жанра в отдельное направление живописи произошло в XVII веке. Первыми создателями натюрмортов были голландские и фламандские художники. Позднее натюрморт занял важное место и в творчестве русских художников.

 

Виллем Клас Хеда, Натюрморт ( 1637 год).

 

Тематика изображений в натюрмортах может быть весьма богатой и многообразной, и не ограничивается исключительно бытовыми предметами. Это могут быть книги, журналы и газеты, бутылки, статуэтки, глобус и многие другие объекты.

 

Давид Тенирс Младший. Натюрморт ( 1645 — 1650 годы).

 

Одним из ответвлений жанра можно считать с центральным изображением черепа. Этот подвид жанровой живописи условно называют » Суета сует»  или Vanitas ( в переводе с латинского звучит как » тщеславие, суета»).

Главной идеей композиций в жанре Vanitas является мысль о конечности земного бытия и смирении перед неизбежностью перехода в мир иной. Наибольшую популярность натюрморты с изображением черепа в центре композиции приобрели в XVI — XVII столетиях во Фландрии и Нидерландах. Чуть позже к нему стали обращаться французские и испанские художники.

 

Питер Клас » Натюрморт с черепом».

 

Жанровая живопись

В изобразительном искусстве жанровая живопись считается частью бытового жанра. С древнейших времен художники изображали сцены бытовой жизни простых людей — крестьян, ремесленников, торговцев, а также слуг знатных придворных в процессе трудовой деятельности или в повседневной жизни их семей.

 

Габриель Метсю » Продавец птиц» ( 1662 год).

 

Первые образцы жанровых картин в современном понимании появились в эпоху Средневековья, и впоследствии получили повсеместное распространение и популярность. Тематика жанровых полотен характеризуется завидным разнообразием, чем и вызывает интерес зрителей.

 

Бернардо Строцци » Кухарка» ( 1625 год).

 

Архитектурная живопись

Архитектурная живопись — особенный живописный жанр, тематика которого посвящена изображению зданий, сооружений и различных памятников архитектуры, а также наиболее интересных решений интерьера в историческом аспекте. Имеется в виду изображение внутреннего оформления дворцов, театральных и концертных залов и так далее.

 

Адольф Вегелин ( картина создана в 1845 году).

 

Благодаря подобным картинам зритель имеет возможность воочию увидеть памятники архитектуры в первозданном виде глазами самого художника. Произведения архитектурной живописи также помогают в изучении архитектурного ландшафта городов ушедших времен.

 

Луи Дагер » Туман и снег, видимые сквозь разрушенную готическую колоннаду» ( 1826 год).

 

Анималистическая живопись

Анималистический жанр — отдельный жанр живописного искусства, который специализируется главным образом на изображении животного мира нашей планеты. На картинах данного жанра мы можем видеть животных, птиц, рыб, а также представителей многих других видов в естественной среде их обитания.

 

Джордж Стаббс » Спящий леопард» ( 1777 год).

 

Однако это не значит, что темой изображения анималистического жанра являются только дикие животные. Напротив, художники очень часто пишут картины, посвященные домашним любимцам — кошкам, собакам, лошадям и так далее.

 

Паулюс Поттер ( 1649 год).

 

Декоративная живопись

Жанр декоративной живописи можно условно разделить на несколько видов, имеющих свои отличия:

  • Монументальная живопись
  • Театральная декорационная живопись
  • Декоративная роспись

Видовое разнообразие декоративного жанра объясняется тем, что художники во все времена старались украсить каждый объект окружающего мира.

 

Потолок ратуши в Тулузе

 

  • Монументальная живопись — жанр монументального искусства, произведения которого имеют достаточно масштабный характер и используются в качестве декоративного оформления зданий и сооружений светского и культового характера различного назначения ( храмов и церквей, офисных зданий и культурных сооружений, архитектурных памятников и жилых домов).

 

Фреска из оформления виллы в Боскореале.

 

  • Театральные декорации — это весьма востребованный вид декоративного жанра, который включает в себя создание декораций и эскизов костюмов для персонажей театральных постановок и героев кинофильмов, а также зарисовки отдельных мизансцен. Художники — декораторы в театре и на съемочной площадке порой создают настоящие шедевры, которые впоследствии входят в число лучших декораций театра и кино.

 

Театральная декорация

 

  • Декоративная роспись — представляет собой сюжетные композиции или орнаментальный декор, созданный на различных частях зданий и сооружений, а также на образцах декоративно — прикладного искусства, берущего свои истоки в народных художественных промыслах. Основными видами расписываемых изделий была посуда, предметы быта, мебель и так далее.

 

Декоративная роспись подносов

 

Направления в живописи с примерами

 

 

В мире существует множество художественных техник и приёмов, которые постоянно смешиваются, изменяются и взаимодействуют. Однако выделить основные направления всё же можно – и именно этому посвящена наша статья. Здесь представлены все стили живописи: список включает не только самые известные разновидности, но и их неординарные вариации.

Абстракционизм

Название данного направления, возникшего в начале ХХ ст., произошло от латинского слова «abstractio» – «отвлечение». Художники, работавшие в этой технике, отказались от реалистичных средств живописи, пытаясь показать гармонию и закономерности мира с помощью геометрических форм и цветовых сочетаний. Целью мастеров было отобразить устройство общества и окружающей среды, социальные процессы. Самые знаменитые представители– В. Кандинский, К. Малевич, Пабло Пикассо, Пит Модриан.

 

Авангардизм

Данный стиль, чьё название происходит от фр. слов «avant» – «вперёд» и «garde» – «охрана», развивался в 1910-1940 гг. Его можно охарактеризовать как противоречивый, сложный, неоднозначный и требующий осмысления. Влияние авангардизма прослеживается в абстрактном экспрессионизме, дадаизме, конструктивизме, кубизме, примитивизме, супрематизме и др., которые пытались найти новые способы и формы изображения, передать зрителю своё видение мира.

 

Ампир

Этот «имперский», или «королевский» стиль (с франц. «style Empire»), появился в первых десятилетиях XIX ст., в период правления Наполеона I. Он отличается парадностью, помпезностью, театральностью. Произведения симметричны и уравновешены, но дополнены множеством декоративных элементов – скульптур, драпировок, военных эмблем. Художники, работавшие в подобной манере (из них наиболее известен Жак-Луи Давид), использовали античные сюжеты, древнеегипетские, этрусские и помпейские орнаменты, ренессансные приёмы живописи.

 

Анималистика

Направление, посвящённое изображению зверей и птиц – древнейшее в мировом искусстве. Ещё в эпоху палеолита (14 тыс. лет до н. э.) пещерные люди рисовали на стенах мамонтов, коней, саблезубых тигров. Позже такие мотивы встречаются в творчестве египтян, ассирийцев, китайцев, античных греков и римлян. А в XVII-XVIII ст. этот жанр стал популярен во Фландрии – динамичные и натуралистичные картины животных создавали Паоло Порпора, Шарль Жак и Франс Снейдерс.

 

Барокко

Этот стиль – визитная карточка Италии XVII-XVIII ст. Одни историки выводят происхождение названия от итал. «barocco» – «странный», тогда как другие склоняются к версии, что оно заимствовано из португальского языка, где слова «perola barroca» означают «жемчужина с изъяном». Основные признаки – контрастность, напряжённость, динамичность, величие и пышность. В барокко сочетаются иллюзия и реальность, духовное и материальное, возвышенное и смешное. Его последователи – Рубенс, Караваджо, Эль Греко, Веласкес – писали мифологические и библейские сцены, фантастичные пейзажи, парадные портреты.

 

Бытовой жанр

Зарисовки повседневной жизни создавали ещё в Древнем Египте и Греции. Подобные сценки присутствуют в европейских средневековых манускриптах, барельефах церквей и дворцов. Но как отдельный стиль это направление выделилось лишь в XV-XIV ст., когда в нём стали работать такие мастера, как Ян ван Эйк, Ян Вермеер, Антуан Ватто и Франсуа Буше. Художники запечатлевают работников и фермеров, юмористические эпизоды. В XIX ст. живописцы начали изображать жизнь обездоленных, рабов и больных, а в ХХ ст. картины обрели идеологический подтекст.

 

Ванитас

Данное направление зародилось в эпоху барокко. Его название «Vanitas» переводится с латыни как «тщеславие, суета» и восходит к библейскому стиху: «Суета сует, сказал Екклесиаст, суета сует, — всё суета!». Это аллегорические натюрморты, на которых присутствует человеческий череп и другие схожие атрибуты – гнилые фрукты, увядающие цветы, мыльные пузыри, гаснущие свечи либо разбитая посуда. Они призваны напомнить о тщетности и быстротечности жизни, неотвратимости смерти. Такие произведения создавали Якоб де Гейн, Симон Ренар де Сен-Андре, Юриан ван Стрек.

 

Возрождение, или Ренессанс

Эта эпоха (XIV-XVI ст.) стала культурным расцветом европейской истории. Мастера начали работать со светскими сюжетами, воспевать гуманистические идеалы и античность как идеальный пример мирового порядка. Традиционные религиозные сюжеты наполняются мирским содержанием, нарастает реалистичность работ (они пишутся с учётом законов анатомии и линейной перспективы), у картин появляется пластический объём, а на заднем плане изображаются пейзажи либо интерьеры. Знаменитые мастера Возрождения – Сандро Боттичелли, Леонардо да Винчи, Рафаэль Санти, Микеланджело Буонаротти, Тициан.

 

Гиперреализм, фотореализм, суперреализм

Такой жанр (от древнегреч. «Ὑπερ», что значит «сверх», и лат. «realis» – «материальный, вещественный») возник во второй половине ХХ ст. и развивается в XXI ст. Картина напоминает фотографию высокого разрешения – все предметы и сцены детализированы ради создания иллюзии реальности. Но изображенное на полотне могло случиться и в жизни – этим данное направление отличается от сюрреализма. Представители гиперреализма – Герхард Рихтер, Клафек и Делкол.

 

Городской пейзаж

Пейзажный стиль – один из самых разноплановых. Однако сейчас всё популярнее становятся изображения урбанистических ландшафтов, улиц, домов, архитектурных объектов. Создавая подобные картины, мастер старается воспроизвести не только живописный вид, но и возникающие при его созерцании эмоции, переживания, чувства, придать работе выразительность и одухотворённость. Например, таковы произведения Ф. Я. Алексеева, Хендрика Аверкампа, Геррита Беркхейде, а также представленные в нашем интернет-магазине янтарные панно.

 

Готика

Это направление бытовало в XII-XVI ст. на территории Европы. Одним из основных жанров стал витраж – из разноцветных стеклянных пластинок мастера создавали удивительно сложные и красочные изображения не только на богословскую, но и на бытовую тематику. Расцвело искусство книжной миниатюры – иллюстрированные рукописи, часословы, псалтыри и Библии создавали братья Лимбурги и Робине Тестар – и портретная живопись. Художники отошли от византийских канонов, привнося в изображение индивидуальные черты, динамику и эмоции.

 

Графика

Название этого вида искусства происходит от др.-греч. «γρᾰφικός» – «письменный» и означает изобразительные средства, которыми пользуется мастер – линии, штрихи, точки и пятна. В отличие от живописи, цвет играет второстепенную роль. Существуют разные типы графики – станковая, книжная, прикладная, компьютерная, промышленная. Самыми известными мастерами, работавшими в данной технике, являются Альбрехт Дюрер, Хокусай, Гюстав Доре, Альфонс Муха и Алан Ли.

 

Импрессионизм

Данный стиль зародился в XIX ст. во Франции. Его представители – Эдуард Мане, Клод Моне, Эдгар Дега, Альфред Сислей, Сезанн – писали мелкими и контрастными мазками, накладывая их в соответствии с теориями цвета. Благодаря этому мастерам удавалось создавать работы, не смешивая краски на палитре (это позволило им работать на открытом воздухе – ещё одна особенность импрессионизма), а также отказаться от чёрного цвета. Художники пытались уловить мимолётное впечатление от природы (отсюда и название стиля), передать относительность восприятия.

 

Иппический жанр

Название этого направления произошло от греческого слова «hippos» – «лошадь». На подобных картинах – увидеть их можно в каталоге нашего интернет-магазина – изображены сильные, свободные кони, несущиеся по просторам равнин либо спокойно пасущиеся на зелёных полях.

 

Исторический жанр

Такой стиль сформировался в эпоху Ренессанса. Художники писали важные события прошлого, а ещё запечатлевали сюжеты легенд, Евангелия и Ветхого Завета. При этом их целью часто было не достоверное изображение происшествий, а их прославление, создание идеологического мифа. Пример подобной работы – полотно К. Брюллова «Последний день Помпеи».

 

Классицизм

В основе этого направления (XVII-XIX ст.) лежат философские идеи Декарта. Согласно им, произведение должно торжествовать над хаосом, отображая важные черты показанного явления и выполняя общественно-воспитательную функцию. Эстетическим образцом стало творчество античной эпохи. Поэтому художники-классицисты (Карл Брюллов, Антонио Каналетто, Никола Пуссен) часто обращались к мифологическим сюжетам. Основными элементами были линия и светотень – они помогали выявить пластику фигур и предметов, разделить пространственные планы.

 

Кубизм

Происхождение данного жанра весьма необычно – считается, что толчком к его зарождению стало письмо Поля Сезанна к Пабло Пикассо, в котором он советует молодому живописцу рассматривать натуру как сочетание простых геометрических форм. Поэтому мастера-кубисты, работавшие в начале ХХ ст., изображали реальность как набор условных стереометрических объектов и плоскостей. Так, в подобной технике выполнены некоторые полотна Пикассо («Авиньонские девицы», «Аккордеонист»), картины Хуана Гриса, Марселя Дюшана, С. И. Щукина.

 

Маньеризм

Этот западноевропейский стиль развивался в XVI-XVII ст. Его отличительные признаки – воспевание духа, часто сочетающееся с подчёркнутым эротизмом, изломанность линий, деформированность фигур, напряженность поз. Такие картины часто имеют перегруженную композицию и насыщенную палитру. Представители данного жанра – Арчимбольдо, Франческо Пармиджанино, Якопо Понтормо.

 

Минимализм

Данное движение было основано в США в конце 1960-х гг. Оно характеризуется крайней простотой формы, буквальностью, асимметричностью изображений, простотой и монохромностью. Однако подобные картины наполнены метафорами и ассоциациями, скрытым смыслом. Художники-минималисты (Карл Андре, Дэн Флавин, Р. Раймэн) отказываются от реалистичности и субъективности, позволяя зрителю самому воспринимать полотно без интерпретации мастера.

 

Модернизм

Это течение (от лат. «modernus» – «современный») стало переломным в мировом искусстве. Мастера перестали показывать окружающий мир, обратившись к видению, чувствам и переживаниям автора. Часто такой подход сопровождался эпатажем, вызовом, ломанием установившихся канонов. Впрочем, считается, что именно это позволяет изобразить истинную действительность, внутреннюю свободу, стремление к прогрессу. К данному направлению принадлежат дадаизм, импрессионизм, кубизм, сюрреализм, футуризм, экспрессионизм и др.

 

Модерн

Под этим названием скрываются разнообразные стили живописи, от ар-нуво до сецессиона и югендстиля, бытовавшие в XIX– начале XX ст. Произведения работавших в подобном жанре художников часто использовались как элементы интерьера, поэтому им свойственна декоративность, условность, асимметрия, сочетание крупных плоскостей и тонких нюансов, орнаментальные фоны, на которых выделяются лица и фигуры. В таком жанре творили Густав Климт и Михаил Врубель.

 

Морской пейзаж (марина)

Этот жанр (от лат. «marinus» – «морской») выделился как самостоятельный в XVII  ст. в Голландии. Он демонстрирует виды безбрежных просторов океана, сцены сражений между кораблями, бури, закаты над морем. Яркие представители – Уильям Тернер, И. К. Айвазовский.

 

Натурализм

Такой этап реалистической живописи возник и развивался в 1870-х гг. Художники-натуралисты (Д. Р. Найт, А. Мутт, Л. Лермит) стремились запечатлеть современную им действительность, повседневную жизнь крестьян и работников безо всяких прикрас, беспристрастно и объективно. Поэтому они часто писали сцены насилия и жесткости, трактуя их как дарвинистскую борьбу за существование.

 

Натюрморт

На подобных картинах запечатлены неодушевлённые предметы – цветы, фрукты, дичь, сервированные столы, кухонная утварь, предметы быта. Иногда каждый объект наделяется символическим значением, но в большинстве случаев они демонстрируют благосостояние хозяев, служат для украшения интерьера. Самые известные представители данного жанра – голландцы Якоб де Гейн, Клара Петерс, Питер Клас, Ян Давидс де Хем.

 

Неоклассицизм

Данное эстетическое направление утвердилось в конце XVIII – начале XIX ст. Сюжеты живописцев обращены к античности, а всем героям приписываются типичные для этой эпохи величественность, строгость, монументальность. Преобладает строгая осевая симметрия, отсутствуют декоративные элементы. Самые знаменитые художники жанра – Лоуренс Альма-Тадема, Антон Рафаэль Менге, Фейербах Ансельм.

 

Неопластицизм

Это течение абстрактного искусства существовало в 1917-1928 гг. в Голландии. Его создатель – Пит Мондриан, объединивший художников из журнала «DeStijl». Именно он первым начал изображать на своих полотнах «чистую пластику» – крупные прямоугольные плоскости, окрашенные в яркие тона. Такие идеи повлияли на архитектуру, дизайн и типографское дело ХХ ст.

 

Ню

Данный жанр (от фр. «nudité» – «нагота, невинность») призван показать красоту обнажённого человеческого тела. Он впервые появляется ещё в каменном веке, расцветает в эпоху античности, переживает новый всплеск в работах эпохи Возрождения, барокко и Нового времени. Подобные произведения демонстрируют чувственное, полноценное восприятие мира, идеальные представления о красоте. В такой технике написаны полотна Тициана, Рубенса, Франсуа Буше.

 

Пастораль

Этот стиль, популярный в Италии в началеXVI ст., поэтизирует мирную, простую сельскую жизнь (отсюда и его название – с французского «pastorale» переводится как «пастушеский»). Работавшие в такой манере художники (Джордоне, Аннтуан Ватто.НикколоКанничи) писали счастливую и гармоничную жизнь на лоне природы, весёлые сценки с участием нимф, фавнов, куртизанок и крестьян.

 

Поп-арт

Так сокращённо называют течение популярного, или естественного искусства, возникшее в Западной Европе и США в 1950-1960-х гг. Его представители (Энди Уорхол, Джаспер Джонс, Рой Лихтенштейн) демонстрируют зрителям объекты массовой культуры, вещи домашнего обихода, упаковки товаров и даже фрагменты различных механизмов, помещённые в иной контекст. Считается, что это позволяет примириться с миром банальностей и вульгарности, бросить вызов повседневности, увидеть красоту в ежедневной рутине.

названия и фото от Beesona

Онлайн-музей – высокое искусство!

Даже люди, далёкие от искусства, непременно будут в восторге, взглянув на великолепие и красочность картин известных художников. В них можно увидеть исторические оттенки и легенды, невиданные красоты прошлого и удивительные фантазии мастера, потрясающие архитектурные достопримечательности и поражающие воображение виды природы. Можно с уверенностью сказать, что взгляд на любую картину великих художников облагораживает человека и затрагивает струнки искусствоведа в его душе. А если вы являетесь поклонником живописи в целом или какого-то художника в частности, тогда взгляд на красочные картины мировых художников – это лучшее, что может быть для вас!

Онлайн–галерея

Однако далеко не всегда у нас есть возможность пойти в музей и посмотреть на картины лучших мировых мастеров. Чаще всего этому препятствует отсутствие достаточного количества времени у современных людей. Также стоит отметить, что разные картины одного и того же художника вы можете встретить в различных уголках планеты, а некоторые и вовсе есть только в частных коллекциях. Для того, чтобы не лишаться возможности быть ближе к миру искусства, вы можете воспользоваться нашей онлайн-галереей.

Здесь вы сможете увидеть множество картин от ведущих мастеров художественного мира! Это и величественная «Буря» Айвазовского, и поэтичные труды Леонардо да Винчи, и красочные пейзажи Саврасова. Пабло Пикассо в своих работах, помимо красок, использовал разные природные материалы, его картины до сих пор остаются загадкой. Такое видение мира – это неимоверный талант руки мастера.

Неповторимые работы мировых художников

Оцените непревзойдённые картины, выполненные акварелью, маслом и гуашью. Окунитесь в мир искусства, который доступен только для посетителей Эрмитажа и Третьяковской галереи. Глядя на представленную репродукцию картин известных художников, вы сможете ощутить аромат цветов, созданных Пьером Огюстом Ренуаром, и женское изящество, изображённое Андерсом Зорном. Все работы представлены в своём настоящем размере, как для просмотра, так и для скачивания. Вы можете детально рассмотреть картины ваших любимых и известных мировых художников, разгадывая тайну их написания.

Бесконечное великолепие

Наслаждаться любой из представленных в нашей галерее картин можно часами, изучать каждый мазок, восхищаться техникой и мастерством художника. При этом разные картины одного художника открывают новые грани его таланта.

Художник Валентин Серов изображал в своих работах портреты разных людей и обыденные пейзажи того непростого времени. Глядя на его работы, вы сможете догадаться, откуда маэстро черпал вдохновение для своих творений. Во множестве картин вы увидите грамотное сочетание прошлого и настоящего, реальности и фантазии, природы и человека. Посмотрев на превосходные работы признанных миром художников, вы непременно сможете найти вдохновение для любого рода собственной деятельности, а также для по

Красивые картины великих художников: список и фото

Остановитесь на минутку и впустите в жизнь совершенство. Не так много возможностей у современного человека попутешествовать по миру, чтобы в лучших картинных галереях или музеях посмотреть красивые картины. Подборка фото с описанием шедевров известных художников поможет прикоснуться к прекрасному.

Фото: reading.com.ua: UGC

Живопись бывает разной. Одни картины вдохновят и пробудят все лучшее в душе, другие же с жестокой откровенностью откроют темную сторону человека. Великие художники умело воссоздают гармонию и трагедию жизни, божественную величественность мира, открывают красоту в, казалось бы, обыденных вещах.

Такие картины попадают в мировую сокровищницу полотен, независимо от того, где хранятся — в музее или частной коллекции. Прикоснитесь к миру живописи, познакомьтесь с лучшими произведениями классиков и современных мастеров:

Серия «Море» (Юстина Копаня)

Маринистические картины маслом художницы из Польши Юстины Копани создают меланхолическое настроение. Взгляд зрителя приковывает объемность, которую художница создает с помощью рельефных мазков и прорисовок.

Фото: pikabu.ru: UGC

Стропила и канаты, борта парусника выглядят реалистичными благодаря объемной технике, которую применяет Юстина Копаня. Автор использует большое количество масляной краски, наносит ее с помощью специального инструмента мастихина. Обычно им удаляют с полотна засохшие краски, Юстина же им пишет картины — формирует рельефные мазки.

Фото: li-day.ru: UGC

Серию «Море» польская художница презентовала в 2010 году и сразу же завоевала аудиторию поклонников современной живописи атмосферностью полотен. Картины Юстины Копани — поэзия красок.

«Вальс солнечных зайчиков» (Лоран Парселье)

Получите позитивные эмоции от знакомства с творчеством французского художника Лорана Парселье. Он знаменит уникальной техникой солнечных бликов, с помощью которых передает красоту окружающего мира, его пестроту и яркость.

Лоран Парселье — современный импрессионист, поэтому его картины исполнены эмоций. Это жизнеутверждающие полотна, наполненные солнечным светом.

Картина маслом «Вальс солнечных зайчиков» презентует особенную технику мастера — мягкие мазки формируют каркас сюжета. Это избавляет импрессионистическое произведение от размытости и туманности.

Художник использует яркие краски, наполняя пространство солнечным светом. Блики солнца создают приподнятое настроение, заставляют поверить в то, что жизнь — это бесконечный праздник.

«Рождение Венеры» (Сандро Боттичелли)

«Рождение Венеры» — это символ эпохи Ренессанса, который представил главные эстетические и философские идеи этой культурной эпохи.

Талантливый флорентийский художник Сандро Боттичелли в образе Венеры, рожденной из морской пены, воплотил идею гармонии духовного и физического, идею величественной красоты человеческого тела.

Фото: artchive.ru: UGC

Огромным достижением художника стало изображение главной героини — Венеры. Ее Боттичелли писал с первой красавицы Флоренции — Симонетты Веспуччи. Художник передал ее грациозность и нежность, утонченность и воздушность. Этот женский образ сочетает одухотворенность Мадонны (таков лик героини) и гармоничное телосложение — воплощение физического совершенства. Черты Венеры и других персонажей картины — вневременной идеал красоты.

Это полотно таит в себе множество загадок. Одна из них — это то, как художнику удалось оживить Венеру, сделать ее образ легким и реалистичным. Все дело в лессировке — нанесении слоев полупрозрачной краски.

«Звездная ночь» (Винсент Ван Гог)

«Звездная ночь» — картина, которая выбивалась яркостью красок и загадочностью из ряда работ Ван Гога времен его пребывания в Арли. Известно, что в этот период художник находился в депрессии. Он был разочарован, его одолевали приступы психического расстройства. И вдруг рождается «Звездная ночь» — воплощение надежды, торжества красоты, гармонии.

Фото: thinglink.com: UGC

Сам мастер утверждал, что картина стала для него символом надежды и мечты. На зрителей завораживающе действует особая техника, которую использовал художник: концентрические круги создают впечатление бесконечности жизни, глубины Вселенной, величественность звезд — совершенной красоты мира.

Полотно представляет гармонию небесного и земного: бездонность неба уравновешивают кипарисы, которые тянутся к небу в желании присоединиться к вечному движению светил. За ними тянется и весь провинциальный городок. Так рождается романтическое ощущение прикосновения к вечному, которое одухотворяет обычного человека, возвышает его.

«Звездная ночь» Ван Гога напоминает о присутствии непознанного, таинственного и загадочного, что всегда будет манить людей, отрывать их от будничности и серости. Главное — взглянуть на небо, усеянное звездами.

Ученые утверждают, что это полотно содержит небольшую тайну, которая является ключом к замыслу художника. Звездные спирали воплотили последовательность Фибоначчи — гармоничную последовательность чисел, которую художники и математики древности находили в анатомии человека и окружающем мире.

«Голубые танцовщицы» (Эдгар Дега)

Эта картина была создана художником в последний период его творчества. Она не единственная, которая была посвящена балеринам. В мире искусства Дега называли живописцем танцовщиц. В их изящных фигурах его привлекала грациозность движения и красота ткани.

Фото: painteropedia.ru: UGC

Дега живописными приемами стремится передать эстетику танца, зафиксировать женственность в движении. Сам художник был невысок ростом и неуклюж, поэтому его привлекала изысканная и утонченная женская красота, которая раскрывалась в танце.

Картина «Голубые танцовщицы» выполнена пастельными красками. Автор использовал технику расплывчатых мазков. Искусствоведы объясняют это тем, что Дега в период создания картины страдал от возрастной утраты зрения, а также импрессионистической манерой автора.

Эта размытость как раз и передавала легкость и непринужденность движений танцовщиц, которые готовятся к выходу на сцену. Эдгар Дега наносил и растушевывал краски пальцем. Это позволило достигнуть глубины цвета, его насыщенности и мерцания.

Картина имеет тайну: ученые предполагают, что на картине изображена одна и та же девушка в разных позах. Подтверждение тому эскизы, которые сделал мастер.

Читайте также: Самые загадочные картины великих художников

«Последний день Помпеи» (Карл Брюллов)

Чтобы изобразить гибель древнеримского города, уничтоженного проснувшимся Везувием, Карл Брюллов во время пребывания в Италии в 1827 году посетил раскопки Помпеи. Работа над полотном продолжалась шесть лет.

Фото: muzei-mira.com: UGC

Художник изобразил одну из улиц Помпеи — улицу Гробниц. Ему удалось показать лучшие качества людей в ситуации разыгравшейся катастрофы. Небо укрыто клубами дыма, озарено кровавой зарницей пламени, которое извергает Везувий. Рушится все, что построено руками людей. Картина передает апокалипсис: культура отступает перед природной стихией.

Но важно другое: в момент гибели города его жители проявляют благородство, смелость и мужество. Автор мастерски передал симбиоз страха и беспокойства о ближнем, отраженных на лицах героев. Родители стараются защитить детей от лавы, сыновья выносят на руках больного отца.

На картине представлены два священника — христианский, который вверил судьбу небесам и спокойно взирает на происходящее, и языческий жрец, который уносит под плащом драгоценные культовые реликвии. Эти два образа символизируют установление верховенства христианской веры.

Центральный образ полотна — упавшая с колесницы женщина и маленький ребенок возле нее. Это напоминает о том, что человек лишь беззащитное дитя.

Карл Брюллов в «Последнем дне Помпеи» сочетал черты романтизма и классицизма (герои представлены в группах по трое), использовал техники античного искусства (изобразил обнаженные натуры, задрапированные тканями). Все это придает величественности и трагического пафоса картине.

«Джоконда» (Леонардо да Винчи)

О «Моне Лизе» да Винчи написаны тысячи научных трудов, сотни литературных произведений, однако произведение не перестает поражать своей красотой уже более полувека. Эта картина — символ философии Ренессанса, воплощение гуманизма.

Фото: infokava.com: UGC

Лиза Герардини (дель Джокондо) — знатная флорентийка, искусно изображенная великим художником Возрождения, покорила мир таинственностью своей улыбки. Загадочно приподнятые уголки губ, в которых только угадывается рождение усмешки, поставили в тупик многих искусствоведов.

Какие только версии ни высказывались: одни находили черты сходства модели и самого художника, указывали на похожесть Моны Лизы на любовника Леонардо. Однако восхищение вызывает не только героиня, а в целом композиция и техника, в которой выполнен шедевр.

Эта техника называется смуфато. Для нее характерно смягченное изображение фигур, людей и предметов. Кажется, что их окутывает и наполняет воздух. Мастерство художника, который использует эту технику, состоит в том, что толщина мазков не превышает 0,3 микрона.

Ученым так и не удалось разгадать загадку пейзажа, изображенного за спиной Джоконды. Считают, что это шифр, в котором зафиксированы тайные знания, полученные Леонардо от собратьев по эзотерическому обществу. Удивляет диспропорция композиции: правая сторона больше левой. И это только малая часть загадок портрета.

«Девушка с жемчужной сережкой» (Ян Вермеер)

Эту картину часто называют голландской сестрой «Джоконды». Девушка, изображенная Вермеером более 300 лет тому, — это воплощение изящества и невинности. Художнику удалось передать нежность и бархатистость ее кожи, выразительные голубые глаза, приоткрытый в удивлении ротик. Девушка представлена в движении: кажется, что она повернулась на чей-то окрик и вот-вот с ее губ слетят слова. Этот образ динамичный и загадочный.

Фото: ru.wikipedia.org: UGC

На полотне есть четкий контраст темного и светлого. Своеобразная разделительная линия между ними — жемчужная сережка. Так автор добился трехмерности изображения. Для этого Вермеер воспользовался техникой лессировки — нанес полупрозрачные слои масляной краски поверх базового цвета.

Картина выполнена в популярном в XVII веке жанре трони, когда живописцы писали не полностью потрет, а только голову натурщика. Мастерство Яна Вермеера в том, что в картине «Девушка с жемчужной сережкой» он воссоздал психологический потрет девушки, открыл тайну ее эмоций и переживаний.

«Девочка на шаре» (Пабло Пикассо)

Картина Пабло Пикассо иносказательно передает эстетические поиски модернизма. В начале века творчество модернистов было сродни творчеству бродячих циркачей. Поэтому художник и выбрал сюжет, в котором представлен эпизод подготовки цирковых актеров к выступлению.

Фото: yandex.kz: UGC

Главный конфликт — конфликт форм: шар — воплощение неподвижности и неустойчивости, неконтролируемости движений, а куб — это стабильность и устойчивость, тяжеловесность. Девочка — символ хрупкости и изящества, воплощение слепого поиска художественной выразительности. Гимнаст, готовый прийти на помощь юной коллеге, наоборот, статичен. Он символизирует стабильность и надежность.

В картине есть и цветовой конфликт розового и голубого, который передает душевное состояние самого художника и творческие изменения в его манере. Завершается длительный период депрессии, в которую впал Пикассо после известия о смерти своего друга Карлоса Касагемаса в 1901 году, и начинается яркий эмоциональный розовый период. Поэтому на полотне герои изображены на фоне розовато-красного пейзажа, символизирующего жизнь и движение.

«Девятый вал» (Иван Айвазовский)

«Девятый вал» — самая знаменитая и самая талантливая картина из всех, созданных Айвазовским. Она впечатляет грандиозностью и масштабностью изображенных событий, глубоким содержанием и подтекстом.

Фото: gallerix.ru: UGC

Во-первых, автору удалось передать неукротимость и могущество водной стихии. Во-вторых, показать противостояние человека и природы, из которого он выходит победителем.

Девятый вал — самый сильный, но последний во время шторма. Он накатывает на судно, стремясь опустить его на морское дно, но первые лучи солнца усмиряют стихию и дают шанс человеку спастись. Теплые тона картины смягчают грозность волн, они вселяют надежду на то, что людям на лодке удастся спастись.

Эта картина притягивает внимание своей символичностью. Посетители Русского музея, созерцая «Девятый вал», сопоставляют себя с героями картины, представляют собственную борьбу с волнами житейского моря.

Лучшие творения мировой живописи — это источник вдохновения и откровения. Они познакомят с различными техниками и манерами художников, откроют эстетическое совершенство образов и глубокий философский смысл, переданный с помощью линий, образов, деталей. Приобщитесь к прекрасному, наполните жизнь красотой и совершенством, рожденными кончиком кисти мастера.

Читайте также: Современные художники Казахстана и их работы

Оригинал статьи: https://www.nur.kz/1781827-samye-krasivye-kartiny-velikih-hudoznikov-spisok-i-foto.html

Виды рисунка: основные понятия и характеристики

С детства мы привыкли воспринимать рисунок — как любую картинку, которую мы нарисовали. Но это не совсем так. Рисунок — это вид изображения созданного во время обучению академическому рисунку или по законам и принципам академизмом.

 

С рисунка начинается любое обучение рисованию. Даже перед обучению живописи мы советуем изучать основы рисунка, ведь рисунок даёт понимание предметности и основных правил изобразительного искусства. 

Для того, чтобы понимать, насколько необходим рисунок любому новичку, поговорим об его видах.

 

Виды рисунка в зависимости от использованных изобразительных средств

Линейно-конструктивный рисунок –  вид рисунка, при котором используют линии и её характеристики — толщину, тон и фактуру. Чаще всего такой вид рисунка используют архитекторы и дизайнеры, которым необходима четкость линий и понимания структуры предмета. 

 

В начале обучения все строят линейно-конструктивный рисунок, чтобы понимать особенности строения предмета и научиться его анализировать.

 

Линейно-конструктивный с условной светотенью – такой вид рисунка даёт возможность передать свет и тень, положение предмета по отношению к источнику света. Занятия по такому рисунка необычайно важны, ведь они позволяют учиться передавать предмет в зависимости от окружения.

 

Свето-теневой –  данный вид рисунка позволяет художнику передать свет и тень, при этом чаще всего фон имеет нейтральный подтон, либо вообще не поддается штриховке. Такой рисунок подходит для изображения фигуры или портрета человека, определенного предмета. При дальнейшей проработке мы можем добиться высокого уровня реалистичности. 

Тональный – самый сложный вид рисунка, который занимает больше всего времени. На таком рисунке передаются все свето-теневые отношения, прорисовывается детально окружающее пространство. Такой рисунок всегда реалистичен, на нем уже передается материальность предмета, а не только его форма. Применяется воздушная перспектива.

 

Виды рисунка в зависимости от цели 

Рисунок используется на разных стадиях образовательного процесса, также рисунок используют и уже опытные художники при создании больших полотен. 

 

 

Учебные рисунки — тот вид рисунка, который выполнял любой художник. Часто такой рисунок представляет собой определенное упражнение для изучения и закрепления определенной темы. 

 

Академический рисунок — рисунок, который выполнен профессионально и по всем законам рисунка.

 

 

Творческий рисунок может принадлежать как и опытному художнику, так и новичку. Главная цель — передать свое видение и ощущение. 

 

Набросок — вид рисунка, который применяется для запечатления момента, или подготовительный перед большой работой. Такой рисунок не проработан, часто заканчивается на этапе линейного изображения. 

 

Эскиз используют художники перед началом монументальной или детализированной картины. Эскизы позволяют не забывать о мелочах. 

Немного про композицию и анализ картин и фотографий

Про композицию написано очень много книг, поэтому здесь не надо ожидать каких-то откровений, просто несколько мыслей, возможно, и не очень точных с точки зрения серьёзной теории. Я пишу то, что сам был бы не против прочитать, когда всего этого ещё не знал.


Обнаружил, что многие студенты не понимают, до какой степени рассчитывались картины. Фразу «А я думал(а), что художники просто брали и рисовали» слышал не один раз. Тут надо помнить, что рисовать одну картину полгода было нормально, а часто бывало и больше. Вот представим себе, что художник месяц или два каждый день рисует наброски и продумывает, что и где будет на холсте. Как считаем, будет продумана картина? Далее вспоминаем, что в те времена не было интернета и телевизора. Новая картина была примерно аналогична выходу нового фильма в кинотеатрах в наше время. Сначала все идут смотреть картину, долго стоят и разглядывают, ищут смыслы, которые автор заложил за месяцы обдумывания, потом обсуждают с такими же посмотревшими. Сейчас все избалованы обилием информации, а тогда о чём поговорить? В общем, большая картина известного художника тогда — это примерно как голливудский блокбастер сейчас, если бы сейчас ещё и интернета не было. Так что прикиньте уровень медиа-повода выставки даже одной картины. А выставка, где много картин — это как посетить кинофестиваль.

Центр композиции.
Я бы сказал, что центр композиции — это то, куда взгляд возвращается чаще всего при рассматривании картины или фотографии. Это не научное определение, но не думаю, что неправильное. Когда спрашиваешь людей или студентов (опасная шутка, я знаю), что такое центр композиции, то говорят что угодно. Например, что это «куда взгляд падает в первую очередь». Вот это как раз мимо. Некоторые художники намеренно делают «обманку» — есть объект, куда взгляд падает в первую очередь, но, если долго рассматривать картину, то взгляд чаще возвращается к другому объекту.
Для примера привлечём картину Васи Ложкина «Кто котёночка обидел?»


В первую очередь взгляд падает на кота, но, если рассматривать картину, то мы заметим, что взгляд чаще возвращается на лицо бабушки. И этот эффект рассчитан. Так что теперь мы поговорим о способах художника установить центр композиции.

При взгляде на любую картину или фотографию взгляд в первую очередь «пробегает» 4 точки, которые расположены примерно на пересечении третей. Либо золотое сечение, когда всё делится на 3/8 и 5/8, это немного ближе к центру, но рядом, так что центр композиции можно ставить и на 3/8:


Про правило третей в фотографии многие слышали. Даже то, что в фотоаппаратах и телефонах при съёмке экран разделён по третям — это не просто так. Самый важный объект проще всего располагать на пересечении линий третей. Фотографируете стоящего человека — ставьте его на вертикальную линию трети, в идеале лицо на пересечение или близко к пересечению линий, фотографируете портрет — цельтесь пересечением третей в глаз.
Но. Если взгляду не за что «зацепиться» в этих 4 точках, то он ищёт дальше. Самый простой способ «зацепить» внимание — это самый яркий объект. Причём не самый насыщенный цвет, а именно самый яркий в абсолютном отношении. Если в фотошопе перевести картину в ч/б через «цветовой тон/насыщенность» (Hue/saturation), то мы сразу видим настоящие акценты. В картине «Кто котёночка обидел?» кот находится в зрительном центре на пересечении третей, но при переводе в ч/б мы видим, что по яркости он практически сливается с фоном, а лицо бабушки самое яркое.


Так что принцип простой композиции — если поставить объект на пересечение третей и сделать его самым ярким, то он точно станет центром композиции. Надо ли говорить, что я почти всегда так делаю? Простота сумки-авоськи, прямота оглобли и многогранность гранёного стакана — залог успеха фотографа в сельской местности.
Так что при анализе картин или фотографий рекомендую для начала переводить их в ч/б.


Оси композиции.

Когда смотрел видеоуроки Ian Roberts «Mastering composition» (не знаю, есть ли в переводе, я смотрел на языке наиболее вероятного противника), он называл оси композиции «арматура». Неплохо отражает смысл. Невидимые линии, к которым привязываются объекты в картине или фото, на которых «держится» композиция.

Тут надо отметить, что все эти правила, в основном, эмпирические, то есть, полученные в результате опытов. Вот, например, много сотен лет назад выяснили, что взгляд сначала «пробегает» 4 точки на картине (на третях). Как это объяснить? Да никак. Смотрят сначала туда и всё. Почему? — ПАТАМУШТА. Так и с осями композиции. Легче воспринимается композиция с осями. Теорий потом можно напридумывать много, но факт один — такие композиции лучше воспринимаются, поэтому все художники используют оси.

Так вот, основные оси проще всего проводить по вертикали и по горизонтали от центра композиции. Рисовать такой «крест» где в пересечении будет центр композиции. Если у вас экстерьер, то линия горизонта может быть горизонтальной осью, а вертикальную ось подчеркнуть, поставив на неё, например, облако сверху. Теперь, глядя на фотографии, люди уже не будут думать «а почему облако над головой?» они будут думать «ага, вертикальная ось композиции».
На самом деле, точки осей на краях можно задавать и просто указывая на эти точки какими-то объектами. Например, точки слева и справа методом указывания туда какими-то линиями, а вертикальную ось указать, располагая на ней объекты. Этот метод используют все, вот для примера Вася Ложкин, Луис Ройо и из календаря Пирелли (центр композиции везде получается на пересечении):




На календаре Пирелли обратите внимание на облако над головой. Хотя там есть указание не только на боковые точки, там и к верхней точке оси идут (вообще, мне кажется, левая точка горизонтальной оси тут немного ниже, я для красоты горизонтально провёл, потом к этой фотографии вернусь, там точку чуть ниже поставлю).


На самом деле, не так уж сложно при съёмке проверять что слева и справа от центра композиции и что сверху и снизу. Иногда достаточно сделать пару шагов вбок, чтобы поставить над головой модели облако или присесть, чтобы сдвинуть горизонт. А можно посмотреть, куда направлены линии и попросить модель вытянуть ногу или руку, чтобы они указывали на нужную точку. А потом обрезать кадр, чтобы стена на этой точке заканчивалась. А трещины на стене подчеркнут горизонтальную ось. Ещё из календаря Пирелли (стена справа обрезается в точке, трещины на стене подчёркивают ось):


Что делать, если трещин на стене не видно? Можно или усилить контраст тех, которые есть, или вообще подфотошопить трещины или грязь на чистой стене.

Про оси, указывающие на центр композиции.

Ещё один из простых способов указать центр композиции – это сделать сходящиеся к нему линии. Если на картине есть контрастная линия чего угодно, посмотрите, куда она указывает. Она может указывать на какую-то точку построения, а может прямо на центр:



Проверка правильности композиции.

С одной стороны, точных правил нет, с другой стороны — есть ошибки, которые сразу видны.

Проверки:

— Перевод в ч/б. Если в чёрно-белом варианте композиция смотрится плохо, то и в цветном будет плохой вне зависимости от цветов.

— Зеркальное отражение. Раньше, до изобретения телефонов с камерами, художники смотрели на картины в зеркало. Если в зеркальном отражении картина плохая, значит, надо переделывать.

— «Низ тяжелее верха». Если повернуть картину на 90 градусов, то низ должен «перевешивать», картина должна «хотеть» повернуться нормально. Кстати, многие не понимают, почему во многих картинах в нижнем углу лежат какие-то объекты. В частности, для того, чтобы утяжелить низ. То грабли положат, то совы летят (хотя у таких объектов может быть много ролей в композиции). Мясоедов «Страдная пора. Косцы», Васнецов «Ковёр-самолёт»:



Например, такая условная картина явно «заваливается» вправо:


С другой стороны, если действительно повернуть её вправо, то она опять «завалится», только уже влево. В общем, плохая картина.

Но давайте посмотрим с этой точки зрения на «Ковёр-самолёт». Повернули на 90 градусов против часовой стрелки, а ковёр «заваливает» картину обратно.

Повернули в другую сторону. Вот тут опасно заваливается. Но линия сов в углу чуть-чуть перевешивает и «крутит» обратно.

А потом мы ещё внезапно замечаем линии облаков, которые тоже наклонены и тоже «подталкивают» баланс в правильную сторону.

Теперь можно вернуться к картине «Косцы» и посмотреть на грабли в нижнем углу с этой точки зрения.

Нельзя сказать, что не было экспериментов по сдвигу низа. У Лисицкого картины часто «завалены», низ не точно внизу.


Как я понимаю (могу ошибаться), он пытался создать условно трёхмерные пространственные композиции. Не картину, а, скорее, объекты, висящие в пустом пространстве. В наше время он, наверное, делал бы такие проекты в программах трёхмерного моделирования, тогда вопросов бы совсем не было. А вот пытаться изобразить трёхмерные объекты на плоскости, в пустоте, где нет ни верха, ни низа, и ещё, чтобы эти объекты были уравновешены – это в классических правилах сложно представить. Такие картины надо скорее не вешать на стену, а класть на стол и ходить вокруг. Хотя он был архитектором, так что понятно, откуда взялись такие эксперименты.

— Ориентация. Полностью симметричная композиция плохо воспринимается, поэтому надо сместить что-то влево или вправо. Например, сделать одну сторону светлее или добавить немного объектов, уйти от полной симметрии. Тут ориентация влево: левая сторона чуть светлее и добавлена маленькая фигурка.

— Основной центр композиции должен быть один. Вообще, центров может быть много, но главный центр — один. Например, картина Васи Ложкина «Русский блюз, бессмысленный и беспощадный».


Тут во всех зрительных центрах (4 точки на третях) что-то есть: глаз, зубы, заяц, горящая машина. Хотя немного сдвинуто с третей, но посмотрим, куда. Зубы к центру (помним, что чуть ближе к центру золотое сечение 3/8 и 5/8, туда можно). А зайца и горящую машину от центра, обычно это снижает «важность» объекта.

Далее при рассмотрении яркости, мы видим, что зубы – центр композиции, потому что самое большое и самое яркое пятно, туда взгляд сильнее «притягивается». Если бы заяц был светлее, то он бы стал «спорить» за то, кто главный. Но, как однажды выразились студенты, этот цвет «засерИли». Плюс от зрительного центра наружу отодвинули, а машину ещё дальше.

Теперь про то, когда можно не ставить центр композиции на треть. В принципе, когда угодно, но надо чётко обозначить центр. Возьмём картину «Тайная Вечеря» Леонардо да Винчи.


Тут центр композиции — лицо Христа, которое расположено в геометрическом центре на пересечении диагоналей (редкий случай). Для начала, обратите внимание, что центр — самый яркий (три окна, самое большое посередине). Далее смотрим, как к этому центру сходятся все линии перспективы. Это рассчитанный эффект: первый взгляд на самую яркую часть, потом взгляд «съезжает» вбок, начинает разглядывать других людей, потом приходит к линиям перспективы на потолке и опять «идёт» в центр, потом снова «съезжает». Потом попадает на руки, указывающие в центр, опять идёт в центр и так далее. То есть, надо предусматривать варианты «возвращения» внимания зрителя в центр, чаще всего это какие-то указывающие линии.

Заодно обратите внимание, что полной симметрии нет – одна половина светлее.

А что мы видим, если посмотрим от картин на композицию кадров в кино? Да то же самое. Главный герой (герои) почти всегда расположен в кадре на 1/3 или рядом с 1/3.



А, если главного героя ставят в центре, то «сводят» к нему или линии перспективы, или просто какие-то линии в кадре. Либо подчёркивают за счёт яркости. Но даже при этом симметрию «разбивают», или сделав одну сторону светлее, или просто добавив какой-то яркий объект.

Зачем же тут слева на полу свет от солнца? И зачем на кадре ниже факел на стене? Теперь мы знаем — уйти от полной симметрии.

В рекламе или музыкальных клипах центр композиции часто ставят в геометрический центр кадра, но длительность показа таких кадров обычно полторы-две секунды, чтобы взгляд не успел «съехать».

Про «давление» в кадре.

Выпуклые линии создают «давление». Если хотим показать, что объект «вторгается» в пространство, рисуем выпуклые линии от объекта, как парус, надутый ветром. Если «давят» на объект, то выпуклые линии к объекту. Опять Вася Ложкин, «Шутки кончились». Выпуклые серые линии «давят» на цвет.

И, кстати, линии (лопата и топоры) сходятся к центру.

«Котёночек в добрые руки». Тут тоже с точки зрения давления объекта на пространство всё понятно: и бабушка округлой спиной давит, и кот, причём кот во все стороны и шерсть не гладкая. Если показывать не просто давление, а агрессивное поглощение пространства, то хороший приём.


Ну и всё разом. Объект в геометрическом центре, самый светлый, выпуклыми линиями давит на пространство. Взгляд «съезжает» из геометрического центра, чтобы разглядывать детали, потом линии домов возвращают взгляд на светлое лицо гармониста, а оттуда на ещё более светлое лицо поющего, потом опять «съезжает».


В принципе, для повышения пафоса можно посмотреть не только на Ложкина, а ещё и на Луиса Ройо: выпуклый «парус», на который сзади ещё «давят» треугольники.

Или что-то более академическое. Константин Сомов «Дама в голубом».

Аморфная тёмная масса поглощает фигуру, уже отделив от неба и гуляющих людей (сравните края листьев на фоне неба с котом из «Отдам котёночка в добрые руки», это именно агрессивное поглощение), выпуклые линии темноты «давят» на фигуру, на небо, на парк позади. У женщины на картине туберкулёз, через несколько лет она умрёт.

Так что выпуклые линии — один из способов создания настроения. Если же вы хотите ослабить «давление», то можно поставить объект на выпуклую линию, «разорвав» её. Рембрандт, автопортрет. Если бы фигура была между двух выпуклых линий на фоне, то они бы «давили», а так только немного подпирает с одной стороны.

Вдохновлённый Рембрандтом, нафотошопил мега-пафос на своей фотке:


Всё точно так же. Один круг с одной стороны подпирает пространство, второй круг «разбит» фигурой, чтобы не давил. А кто-то посмотрит на фото и подумает – причём здесь Рембрандт?

Поддержка объектов фоном.

Массово используется везде, виднее всего в рекламной фотографии. Надо помнить, что в рекламной фотографии центр композиции — это предметы, а не люди. Зачем тогда там люди? Опять эмпирическое правило, что с людьми в кадре картинка воспринимается лучше. Например, в рекламе часы всегда показывают 10.10, тоже лучше воспринимается, никто не знает почему, но, раз работает, то используют. Поэтому задача рекламного фотографа — сделать так, чтобы люди не перетягивали на себя внимание. Можно затемнять лица, убирать людей с трети, а, главное, меньше эмоций. Люди в рекламной фотографии играют роль мебели для наполнения кадра. Поэтому и лица у них такие безэмоциональные, а не от того, что они в школе моделей надорвали несколько извилин. Эмоции будут перетягивать внимание на человека, а надо показать вещи.

Объекты могут поддерживаться формой, цветом и текстурой или смыслом. Вот, например, серия рекламы DKNY, где на всех кадрах присутствует разрисованное жёлтое такси.


Какая связь DKNY и жёлтого такси? DKNY — это Donna Karan New York, такое жёлтое такси в Америке однозначно ассоциируется с Нью-Йорком. Рисунок на машине разный по цветам и по геометрии, чтобы с максимальной вероятностью совпадал с чем-то из рекламируемой коллекции.

В идеале надо создать стойкую ассоциацию. Увидели жёлтое такси — вспомнили DKNY. Поэтому и актёров используют в рекламе. Если вбить в мозг ассоциацию товара с актёром, то потом любой фильм с этим актёром будет работать как рекламный ролик.

Кстати, в этой серии снимков с такси постоянно используется определённый способ убрать внимание с человека – ставить лицо в самый край кадра, часто даже так, что голова немного «срезается», там внимание долго держать сложнее.

Возвращаемся к поддержке объектов фоном. Поддержка формой – очень частый вариант.

Джонни Депп и духи. Центр композиции — флакон. Он сдвинут с трети, поэтому пришлось выделить его сильнее за счёт контраста и яркого блика внизу. Форма фигуры Деппа повторяет форму флакона, даже блик на плечах и голове такой же сделали.


Форма и цвет – один из удобных способов поддержать объекты. Например, для рекламы духов подобрать платье под цвет, колье на шею под текстуру горлышка и встать так, чтобы формы тела повторяли флакон.

А если ключевой элемент флакона трудно привязать к форме тела или одежде? Не проблема. Находим кресло, которое повторяет форму и текстуру этого элемента. Голову по форме и цвету делаем крышкой, кресло делает остальное.

Теперь, я думаю, не составит труда проанализировать такую фотографию:

Во-первых, модель на 1/3 (может, чуть ближе к центру на золотом сечении 3/8), она самая светлая и на неё указывает линия слева внизу.

Во-вторых, сзади пальма, с которой проводятся явные параллели: ромбы на пальме/ромбы на узкой юбке, развевающиеся волосы/листья пальмы, синие оттенки юбки/синий оттенок на пальме.

Соотнесение главного объекта с другими объектами в кадре – это вообще стандартный приём. Смотрим на картину Луиса Ройо и видим явную параллель с птицей, даже поворот головы такой же:

А можно взять известный образец живописи соцреализма 1935 года. Александр Герасимов «И. В. Сталин и К. Е. Ворошилов в Кремле», где силуэты повторяют башни Кремля:

Грант Вуд «Американская готика»:

А можно опять взять Васю Ложкина и увидеть, что суровость бабушки поддерживается путём ассоциации с топором. Если бы центром композиции был топор, то это была бы типичная рекламная фотография топора.


Поддержка названия фирмы (для рекламных фотографий).

Хотя это может быть и поддержка формы лого. Типичный пример – Calvin Klein. Явная манера на фото держать руку согнутой, как буква С и отставлять ногу, чтобы вместе с телом получилась буква К. Конечно, не на всех фото, но тут задача – показать явное “CK” и создать ассоциацию, а остальные фото делать в такой же узнаваемой стилистике.


А кто на фото Kenzo найдёт буквы? Может, только с Z проблема, остальные есть. Ну и полосатость объектов на фоне типичная для лого.


Поддержка текстурой.

Когда текстура фона похожа на текстуру объекта – тоже хорошо. Размытые пятна одного оттенка с сумкой:


Обратите внимание, что тут центр композиции – сумка. Она на трети и она светлее. Форма ручки повторяет форму буквы D в надписи “Dior”. Понятно, что это задумка дизайнера сумок, но есть вероятность, что надпись сделали крупнее, чтобы аналогия прослеживалась лучше.
Текстура воды и текстура сумки:


Текстура и цвет украшений на фоне и одежде (и, кстати, расходящиеся линии занавески повторяют направление линии руки):


Поддержка объектов по смыслу.

Тут, в принципе, тоже несложно. Если джинсы ассоциируются с ковбоями, то снимаем рекламное фото с прериями, лошадьми и шляпами. Если рекламируем куртки из змеиной кожи, то на фон ставим камни или пустыню, где живут змеи, а модель выбираем худую.

Если Версаче со своим фирменным орнаментом ассоциируется с Древней Грецией, то фотосет с Олимпом и богами тоже напрашивается (хотя в одежду всё равно можно добавить золотого, чтобы была поддержка цветом и текстурой).


Важное примечание.

В рекламной фотографии не надо искать эти правила абсолютно везде. Как правило, такое заметно для каких-то главных фотографий, то, что пойдёт на плакаты и в журналы. Для каталогов просто снимают в той же стилистике или с теми же людьми, или в том же месте, чтобы серия фотографий «связывалась».

Снова возвращаемся к живописи. Далее исключительно моё мнение. В картине или фотографии есть форма и эмоции в разном количестве. Поэтому из современных художников мне нравятся два – Луис Ройо и Вася Ложкин, которые представляют два этих полюса: Ройо – чистая форма со сложным построением композиции, но минимум эмоций, Ложкин – чистые эмоции при форме уровня «трэш и угар» (хотя с композицией у него тоже всё нормально):



При этом, если выбирать, что повесить на стену, чтобы видеть каждый день, то я выберу Ройо, постоянно видеть сильные эмоции быстро надоест. В этом я вижу причину, почему дома на стену чаще вешают что-то нейтральное: пейзажи или вообще абстракции (по-научному «беспредметная живопись»).

Видел вариант в отеле – чёрно-белые макро-фотографии, где угадываются складки ткани, края каких-то предметов, но ничего конкретного. Сбалансированная спокойная композиция, где глазу есть за что «зацепиться», но при этом не требуется думать над изображением.

А вот в классической живописи вызывание эмоций – это ключевая задача.

Эжен Делакруа «Свобода, ведущая народ»:


Про анализ изображённых людей и так уже написано много. Можно только сказать, что всё это было близко современникам художника. Примерно как если сейчас нарисовать баррикаду, на которой будут: дворник в оранжевой жилетке с лопатой, хипстер с бородой в очках без диоптрий, офисный работник и блоггер, который делает на фоне баррикады селфи для инстаграма.
Для начала можно проверить картину переводом в ч/б, этим способом сразу можно увидеть довольно много, например, обычно сразу виден центр композиции.


Итак, тут центр композиции – женщина топлес (на золотом сечении 3/8), причём по яркости видно, что внимание как раз на топлес (белый край платья подчёркивает). Небо и флаг тоже яркие, но сильно отодвинуты от зрительного центра на 1/3.Проверяем наличие вертикальной оси. Сверху точка видна, это место, куда уходит край флага, на эту точку указывает ружьё и рука мальчика с пистолетом. На точку внизу указывает ружьё женщины, пистолет мальчика, граница света и тени на платье и какие-то брёвна справа внизу.


Горизонтальная ось, видимо, задаётся шляпами и белым краем платья. Думаю, что небольшой наклон вертикали нужен, чтобы показать динамику.


Второй смысловой центр – мёртвый человек слева внизу. На него указывает ручка флага и вертикальная ось, которую задаёт буржуа в цилиндре: светлое лицо, белая рубашка и блик на ружье. Ну и сам лежащий – белое пятно, но, раз отодвинут далеко от 1/3, то главным центром уже быть не может.


Общая композиция оказывается треугольной. Линия нижней части треугольника задаётся светлыми объектами.


Кстати, обратите внимание, что белая часть платья по форме и текстуре похожа на белые клубы дыма на заднем плане. Потом вспоминаем про поддержку объектов фоном.

Вообще, лично я считаю, что один из признаков классической живописи – это то, что про картину можно придумать историю. Про рекламную фотографию историю придумать нельзя, кроме «ну вот собрались и пафосно позируют». А про «Свободу, ведущую народ» можно. Хотя, конечно, и про картины Васи Ложкина тоже можно истории придумать.

Диагональное противопоставление.

Виктор Васнецов «Витязь на распутье».


Как обычно, проверяем в ч/б. Судя по яркости, центр композиции — явно мужик на лошади.


Поверяем по вертикальной и горизонтальной осям. Чтобы было виднее, можно посмотреть на ч/б:


Горизонтальную ось часто задают горизонтом, но тут получилось интереснее: линия камней ниже горизонта, белое оперение стрел и грива коня. Вертикальная ось идёт от верхней точки, куда указывает штырь на шлеме, далее блики на оружии и нога коня. Плюс на нижнюю точку явно указывает линия головы коня и не так явно линия с черепами.

Удивит ли кого-то, что эти оси расположены на третях? Лично я не удивился.

Смотрим дальше. Если на картине есть прямые линии, то я первым делом смотрю, куда они указывают. Куда указывает копьё? На точку под черепом. Куда указывает линия головы коня, если линию продлить? В точку над черепом. Ещё одна вертикальная ось через вторичный смысловой центр.


По факту мы получаем противопоставление живого и мёртвого, а противопоставление проще всего делать по диагонали.


И это тоже типичный приём: главный центр композиции расположен на 1/3, а второй смысловой центр расположен на 1/4 от формата.
И это я ещё не разбирал вторичные оси. Например, видно, что линия задней ноги коня тоже указывает на центр.


В таких случаях студенты-дизайнеры обычно удивлённо спрашивают: «Неужели художники так всё рассчитывали?» От таких вопросов искусствоведы только мрачно скрипят зубами. Впрочем, студенты-художники старших курсов, которым такими вещами годами пилили мозги, тоже скрипят зубами.

Правильный ответ: «Да, рассчитывали». Не забываем, что, если вы только общую композицию можете обдумывать пару месяцев (ещё до первых набросков), то время у вас есть.

Жак Луи Давид, «Бонапарт на перевале Сен-Бернар». Смотрим на оси из каждой точки и видим, как объекты привязаны к осям, идущим из этих точек:

А теперь всё одновременно:


И я далеко не уверен, что нашёл все оси.

Возвращаемся к диагональному противопоставлению. Григорий Мясоедов «Земство обедает» («Уездное земское собрание в обеденное время»). Сюжет: когда-то крестьянам разрешили голосовать по разным мелким вопросам вместе с дворянами. В данном случае мы видим перерыв на обед этих депутатов. Пока снаружи крестьяне едят хлеб и лук, внутри в окне виден буфетчик или официант с тарелкой и винными бутылками.


Теперь следим за руками. В первую очередь взгляд обычно падает на двух человек у стены. Как я уже говорил, сначала взгляд «пробегает» 4 точки на третях, и, скорее всего, «зацепится» за светлую рубашку. Но светлая рубашка – почти геометрический центр, с которого, как мы знаем, взгляд «съезжает». И внезапно оказывается, что настоящий центр композиции – сидящий человек в правой части примерно на 1/4. Помимо того, что он самый яркий, его подчеркнули осями. Горизонтальная ось – это все фигуры, вертикальная ось – яркий край двери (на нижнюю точку, кстати, тоже линия указывает).

Второй смысловой центр – официант в окне. По горизонтали он, конечно, на трети, но, поскольку в самом верху, то его подчеркнули белой тканью на подоконнике и вообще вертикальной осью. Горизонтальная ось дополнительно задаётся светлым бликом на крыше.

По итогу тоже диагональное противопоставление: одни внутри едят и вином запивают, другие на улице едят хлеб и лук.

Следующий фокус. Берём кадр из фильма (Игра Престолов). Обычно главных персонажей в кадре ставят на трети, но иногда можно увидеть и более интересные композиции. Что-то напоминает?


Да это же почти композиция «Земство обедает», только вместо двух людей у стены ваза с фруктами, а вместо «срезанного» окна наверху «срезанная» голова.
Правда, надо помнить, что в фильмах камера обычно немного двигается, поэтому не будет той точности, которую можно увидеть в картинах. Но общие принципы одинаковы. Кое-где можно видеть, что ось не одна точная, а, допустим, две. Или можно сказать, что ось одна, но широкая. В картинах так, наверное, делать не стали бы, но тут помним про двигающуюся камеру.



Линии перемещения взгляда.

Также не будем забывать, что оси, «арматура», на которой построена композиция, прямые. А вот взгляд чаще двигается по кривым. И «гонять» взгляд по «тропинкам» вполне можно. Если отметить все заметные линии изгибов, включая границы света и тени, то эти «тропинки» становятся заметны. Какие-то «тропинки» можно условно считать основными, а какие-то сделаны, когда по основным взгляд уже «прошёл» и теперь разглядывает детали. Адольф Вильям Бугро «Литература и музыка»:


Ещё Луис Ройо:


Так что, если, например, на одежде усилен контраст какой-то складки или где-то добавлен изогнутый блик, то обычно это не просто так.

Про основные виды композиции написано очень много книг, повторяться смысла нет. Но теперь уже понятно, на что смотреть. Главное – сначала постараться понять, как автор строил геометрию, не обращая внимания на форму. Есть, скажем, композиция, которую условно назовём «треугольником вниз».


Центр композиции в центре, самый светлый, возможно, на него указывают ещё какие-то линии, от симметрии ушли, добавив с одной стороны более яркий объект. Потом видим похожую картину, сразу думаем – ага, не просто так. И вертикальная ось, и горизонтальная, и одна сторона светлее.


А потом начнёте видеть аналогии в композициях.


И тогда будет гораздо интереснее, можно будет для фото своего кота использовать идеи из картин классиков или из кадров фильмов.

«Поднять взгляд из низа картины»

Я уже писал, что одна из задач художника – это делать «тропинки», по которым будет двигаться взгляд. Но в этом есть нюанс – взгляду легче опускаться, чем подниматься, поэтому, когда взгляд оказывается в нижней части картины, то его надо специально «поднять».

Обычно это делают или линиями, или градиентом от темного к светлому. И тут становится понятно, зачем на натюрмортах бывают свисающие драпировки. Это, кстати, одна из частых задач объектов внизу картин: взгляд идёт по нижней части, а потом его направленной линией «подкидывают» вверх к другим объектам.


У Васнецова река внизу – как раз градиент от тёмного к светлому, который «подкидывает» к линии сов, а дальше или совы к центру направят, или, если взгляд сов «проскочит», то там выше облака, которые взгляд всё равно к ковру «повернут».


Шишкин «Утро в сосновом бору»:


Линий «подъёма» можно делать несколько. Ян Вермеер «Молочница»:


Так что драпировки в натюрмортах не просто так свисают. Геррит Виллемс Хеда. «Натюрморт с глиняным кувшином»:


В голландских натюрмортах часто добавляли наполовину очищенный лимон, у свисающей кожуры тоже часто была функция «поднимания» взгляда. Виллем Кальф «Натюрморт с китайской супницей»:


Цветовые массы.

Про это тоже очень много написано, поэтому проще найти книгу по теме. Вот, например, страницы из Ian Roberts “Mastering composition”:


Для практики можно попробовать достаточно простое упражнение – брать картину или фотографию и в Photoshop набрасывать эти массы в сильно упрощённом виде, для простоты лучше сначала делать это не в цветном варианте, а в ч/б. Чтобы было виднее, сначала немного размывать картинку по Гауссу (Gaussian Blur). Тогда, кстати, и оси бывают заметнее.



Таким образом, картина – это продуманное сочетание осей, масс, «тропинок» для взгляда, смысловых центров и создания настроения разными путями. А тут ещё и про цветовые решения ничего не было сказано. Если даже бегло почитать хотя бы Иттена («Искусство цвета» и «Искусство формы»), то станет понятно, почему картины по году и больше писали.

Не будем забывать и про смысловую нагрузку, у каждого предмета в картине может быть и явный смысл, и скрытый, книги по символическому значению предметов выпускались массово. Например, известно, что Ян Вермеер использовал книгу «Иконология», автор Чезаре Рипа, вообще популярная в то время книга была.

Поэтому сейчас, может, некоторые люди и не понимают, что гениального в каких-то картинах. Но это примерно как прийти в политехнический музей и сказать: «Что тут делает паровой двигатель? Даже у меня в машине круче». А вот техник от каких-то инженерных решений в восторг придёт. А тот, кто разбирается в истории техники, в ещё больший восторг.

К тому же, в отличие от техники, законы человеческого восприятия не стареют, многие старые наработки можно легко применять и сейчас.

Как можно применять это всё.

Знание таких основ может оказаться полезным кому угодно. Это позволит резко повысить художественную ценность аватарок и селфи в зеркале, не говоря уже про фото своего кота.

Например, вы внезапно обнаружили, что рисунок на футболке по форме похож на объекты на фоне. Это получилось случайно, но вы просто усиливаете контраст, как будто, так и было задумано. Потом вы видите, что линия горы и тень образуют ось – тоже усиливаете контрасты. Объект на горизонтальной оси? Можно усилить пару бликов.


Можно ещё усилить яркость неба над головой (привет, картина «Наполеон на перевале Сен-Бернар») или, наоборот, затемнить для драматичности. Добавить «тропинки» для взгляда, при такой плотности мелких деталей несложно что-то подсветлить или затемнить. Один из вариантов — сохранить три картинки: обычную, тёмную и светлую (плюс и минус две-три ступени экспозиции), потом в фотошопе обычную вниз, тёмная и светлая с чёрными масками. Потом полупрозрачная белая кисть и рисуем по маскам. То есть, рисуем более тёмной или более светлой картинками по обычной.

Также во время съёмки можно ставить объект на треть и контролировать точки сверху, снизу и с боков. Тут пытался поймать момент, чтобы в левую точку уходила линия, а правой точки касался объект.


Потом усиливал оси. Граница света и тени по вертикали, горизонталь. Даже заметно, где при сильном осветлении оттенок «потерялся». Наклонная ось тоже была совсем не такой явной, но, раз ось случайно получилась, то её можно усилить. Если линия указывает на центр – тоже повышаем контраст.

Обязательно проверить переводом в ч/б и поворотами на 90 градусов. При этом часто видно, что низ надо «утяжелить» или усилить линии, «крутящие» картинку в нормальное положение.

Таким образом, можно получить славу фотографа как минимум на уровне своей деревни, а, может быть, даже и на уровне райцентра.

Стили живописи

Живопись — это вид изобразительного искусства. Живопись делится на следующие виды:

  • монументальная;
  • мольберт;
  • театрально-декоративный;
  • декоративный;
  • миниатюра.

В отличие от других видов, в живописи основной выразительной ценностью является цвет, благодаря которому он выполняет эстетическую, познавательную, идейную и документальную роль.

Живопись — это передача изображения жидкими красками в отличие от графики.Краски масляные, темпера, гуашь, эмаль, акварель и др.

Стиль живописи — направление с общими идеями, техникой исполнения, характерными приемами изображения. На формирование стилей оказали влияние политика и экономика, идеология и религия. Поэтому каждый стиль можно рассматривать как представителя своего времени.

Направления и стили живописи не менее разнообразны, чем средства ее изображения. Иногда нет четкого разделения стилей.При смешивании нескольких стилей получается новый. Но при всем разнообразии можно выделить несколько основных направлений:

Готика

Этот европейский стиль был распространен в 9-14 веках. Библейские рассказы, бесперспективность, эмоциональность и пафосность — главные черты этого стиля. Представители: Джотто, Трэйни.

Ренессанс

14-16 века знаменуют собой возвращение к античности, прославление красоты человеческого тела и гуманизма. Основные представители — Микеланджело Буонаротти, Леонардо да Винчи.

Маньеризм

Направление в живописи XVI века. Стиль противоположен ренессансу. Название происходит от слова «манера». Представителями этого направления являются Вазари, Дуве.

Барокко

Помпезный, роскошный стиль живописи Европы 16-18 веков. Его отличает яркость красок, внимание к деталям и отделке.

Рококо

16 век. Более изысканное, изысканное и интимное продолжение стиля барокко.Представители: Буше, Ватто.

Классицизм

Стиль, присущий европейской культуре 17-19 веков. Картина с точки зрения классицизма должна быть построена по строгим канонам. Стиль классицизм — наследник античности и эпохи Возрождения. Основные представители этого стиля — Рафаэль, Пуссен.

Ампир

Стиль 19 века. Название стиля происходит от слова «ампир». Это продолжение развития классицизма в его величии, роскоши и изысканности.Главный представитель — Дж. Л. Дэвид.

Романтизм

Стиль 19 века, которому предшествовал классицизм. Эмоциональность, индивидуальность, выразительность образов. Его отличал образ таких эмоций, как ужас, трепет. Защитник народных традиций, легенд, отечественной истории. Представители: Гойя, Брюллов, Делакруа, Айвазовский.

Примитивизм

Стиль живописи XIX века. Стилизованное упрощенное изображение, ведущее к примитивным формам, напоминающим примитивные рисунки.Яркий представитель — Пиросмани.

Реализм

Стиль 19-20 вв. В основном правдиво отражает объективную реальность, без излишней эмоциональности. Часто изображали людей во время работы. Художники: Репин, Шишкин, Саврасов, Мане.

Абстракционизм

Стиль 19-20 вв. Гармоничное цветовое сочетание геометрических фигур, направленное на достижение самых разных ассоциаций. Представители: Пикассо, Кандинский.

Импрессионизм

Стиль 19-20 вв.Стиль живописи на пленэре, на пленэре. Выполнены в характерной манере переливов света, техника небольшого мазка, движения переданы мастером. Название было дано стилю Моне «Впечатление». Основные представители этого стиля — Ренуар, Моне, Дега.

Экспрессионизм

Стиль ХХ века. Преувеличенное изображение эмоций для большего воздействия на зрителя. Среди представителей этого стиля — Модильяни, Мунк.

Кубизм

Авангард ХХ века. Для него характерны ломаные (кубические) линии, определенная комбинация объектов, рассматриваемых одновременно с нескольких точек зрения. Основоположником этого стиля является Пикассо.

Модернизм

Стиль 19-20 вв. Это полная противоположность консервативным образам реализма. Эпатажная пластическая манера живописи представляет собой оригинальные картины, отражающие внутренний мир художника. Представители: Пикассо, Матисс.

Поп-арт

Стиль ХХ века. Ироничный образ банальных, часто пошлых предметов. Обычно используется в маркетинге и рекламе. Ярким представителем этого направления является Энди Уорхол.

Символизм

Направление 19-20 вв. Духовность, мечты, мифы и легенды. Символы, часто неоднозначные, характеризуют этот стиль. Это предшественник экспрессионизма и сюрреализма. Представители: Врубель, Васнецов, Нестеров.

Сюрреализм

Стиль ХХ века.Аллюзии, смешение пространств реальности и сна, необычные коллажи. Это впечатляет подсознание. Большой вклад в этот стиль внесли Дали, Магритт.

Андерграунд

Экспериментальное направление в современном искусстве, отражающее антиобщественное поведение в нарушение общепринятых морально-этических принципов. Представитель стиля — Шемякин.

Что такое стиль?

Что такое стиль в искусстве? Это своеобразное идейно-художественное единство, благодаря которому художники отдают предпочтение определенной тематике и особым изобразительным средствам.Они остаются индивидуальными, но, глядя на конкретное полотно, уже можно практически точно определить эпоху и стиль.

Европа сформировалась в средние века. И живопись развивалась из иконописи. На русской почве существовал даже переходный жанр — парсуна. Это уже не икона, но и не портрет. И только тогда, когда искусство постепенно освобождается от власти церкви, становится более светским и светским, живопись как вид искусства приобретает все права.

Стиль за стилем

Первым панъевропейским стилем в живописи можно считать не романский и готический (в основном архитектура), а барокко.

Это стиль намеков, пропусков, аллегорий, стиль аллегорий и метафор. Рембрандт и Рубенс — его типичные представители. Рококо — это разновидность выродившегося барокко. Стиль не столько в живописи, сколько в прикладном искусстве. Ф. Буше и А. Ватто оставили наиболее яркие образцы живописи рококо. Сама картина изысканная, с оттенком эротизма, выдержанная в пастельных тонах, полная мифологических мотивов. XVIII век становится веком господства классицизма.Это уже героическая картина, в которой прославляются правители и полководцы. Наблюдается пристрастие художников к мифологической и исторической тематике. Строгие пропорции, единство содержания и формы, разделение персонажей на положительные и отрицательные, на главные и второстепенные — вот лишь некоторые черты классицизма. Затем наступает короткий, но яркий век сентиментализма. В сфере его влияния, помимо живописи, есть еще и поэзия. Сентименталисты углубляют содержание искусства, наполняют его психологическим напряжением.Они обращают живопись к нуждам и запросам обычных людей. Искусство демократизировано. На полотнах теперь не боги и герои, а повара, прачки, работницы. За самую некрасивую работу. На смену сентиментализму приходит романтизм. С его бурными страстями, необычными, небытовыми персонажами, культом вдохновения. Достаточно сравнить портреты Пушкина Кипренского и Тропинина, чтобы почувствовать принципиальную разницу между ними. Романтик Кипренского — и романтик Пушкина среди лиры.Реалист Тропинин рисует поэта в виде человека с небрежно распахнутым воротником рубашки, хотя и с пером в руках.

Реализм — серьезно и надолго Реалистическое искусство начинает пробиваться с тридцатых годов девятнадцатого века. И очень скоро он начинает определять и формировать художественные вкусы значительной части публики. В основе реализма — стремление к правдивому и всестороннему отражению окружающей действительности, критическое отношение к буржуазным ценностям и мощная социальная ориентация.В России реалистическая живопись — это, прежде всего, странники. На рубеже веков реализм переживает некий временный кризис. Но для появления модернизма этого оказывается достаточно. Этим термином принято обозначать пестрое собрание тех художественных течений и школ, которые стремились сбросить оковы традиционного искусства, порвать с реализмом и его субъективным искусством.

Альтернативный или ложный глянец?

Модернизм есть и импрессионизм, и фовизм, и символизм, и футуризм.Публика все меньше видит на полотнах людей, природу, животных. Вместо этого искаженные пропорции, неясные тона. Все окрашено эмоциями и сиюминутными настроениями того или иного автора. Как говорится, дальше — больше. После модернизма — абстракционизм. Это цветные пятна, изогнутые линии, причудливое сочетание геометрических тел. Кубизм, лучизм, сюрреализм. Спасен только талант. Это про Пикассо или Дали. Инерция поглотила Лето. Их судьба забыта в истории. Наконец, постмодернизм, век которого необоснованно затянулся.Нет никаких правил и канонов. Ни исповеди, ни проповеди. Все можно. Полная эклектика, т.е. смешение стилей и разнородных элементов. Ставка на коммерческий успех.

К чему вы пришли? Развитие живописных стилей, к сожалению, подтверждает гипотезу испанского философа Х. Ортеги-и-Гассета о наступлении века «дегуманизации искусства». Никто не отрицает необходимость самовыражения и никто не ограничивает художника в выборе средств для него.Печально только то, что многие склонны считать, как старуха Шапокляк из мультфильма, «добрыми делами прославиться нельзя». Чем скандальнее — тем громче предсказывается успех. И таким «художникам» неизвестно, что время еще просеет весь шлак и шелуху, а настоящее искусство останется. К нему не прилипает никакая грязь.



]]>

5 типов красок, которые вы обязательно найдете в своей коллекции произведений искусства

Возможно, вы раньше не задумывались о типах красок для искусства.Но теперь вы, возможно, думаете о покупке своего первого произведения искусства и создании своей первой коллекции произведений искусства … Но владелец галереи или веб-сайт художника продолжают кидать вам термины, о которых вы никогда не слышали! Абстрактная акриловая картина в смешанной технике? Картина маслом в стиле барокко? Сюрреалистический пейзаж? Это много видов красок… Никогда не знал, что существует столько разных стилей и разных типов красок для искусства!

Когда вы новичок в мире искусства или хотите купить свое первое произведение искусства, вам сложно разобраться в этих условиях.Плохая новость: мы не можем научить вас всему в одном сообщении в блоге (даже если бы мы все это знали …). Хорошие новости: давайте начнем с малого. С 5 различными типами красок, почему они различаются и почему они могут повлиять на ваш выбор.

Масляная краска

Масляная краска — один из наиболее часто используемых типов красок в произведениях искусства. И поскольку название уже портит это, цветные пигменты этого типа краски залиты маслом. Это может быть любой тип масла, например льняное, ореховое или подсолнечное.

Самая известная характеристика масляной краски — это то, что она (очень) медленно сохнет, особенно когда художник использует толстые слои вещества.Это тоже можно рассматривать как полезную вещь, так как исправить работу до высыхания краски несложно.

Когда дело доходит до сохранения произведений искусства, известно, что картины маслом со временем меняют цвет из-за воздействия света. В случае масляных картин, когда они не подвергаются воздействию света в течение длительного периода (например, недель или месяцев), (льняное) масло может начать темнеть. Если снова выставить картину на свет, это должно исправить ситуацию.

Масляная краска использовалась веками, хотя никто точно не знает, когда это было впервые.Одна из многих известных картин маслом — «Маленькая улица» Иоганна Вермеера, датируемая 1658 годом.

Дома в Делфте, Нидерланды. Также известна как «маленькая улица», Йоханнес Вермеер, ок. 1658 || by Rijksmuseum

Акриловая краска

Акриловая краска — одна из самых распространенных и наиболее экономичных красок, используемых художниками. Она прикрепляется к большинству оснований (дерево, холст, металл …) и, в отличие от масляной краски, акриловая краска сохнет очень быстро.

Вещество, в которое входят цветные пигменты, представляет собой акриловую эмульсию на водной основе.Итак, если масляная краска основана на масле, то акриловая краска основана на воде.

Когда краска высыхает (обычно немного темнее, чем кажется на первый взгляд), вода испаряется, и оставшаяся краска становится гораздо менее уязвимой и подверженной влиянию влажности, температуры и света, чем картины маслом. Вот почему акриловая краска — такой популярный вид художественной краски.

Когда вода испарится, слой краски больше не растворяется в воде, поэтому необходимо хорошо промыть кисти, иначе они станут жесткими от краски.В зависимости от того, сколько воды добавлено в раствор, акриловая краска может напоминать акварельные или масляные картины.

Интересный факт: #acrylicpaint — также очень известный хэштег для художников, использующих Instagram.

Вероятно, самым известным художником, который часто использовал акриловую краску, был Энди Уорхол. Он известен своими поп-артами, и одна из его самых замечательных работ — Мэрилин Диптич ниже.

Акриловая краска на холсте — Мэрилин Диптих 1962, Энди Уорхол || На выставке в галерее Тейт.Источник: Википедия.

Акварельная краска

Акварель — это тип краски, популярность которого с годами стремительно растет! Также называемая акварель (от французского), акварельная краска изготавливается из пигментов, в которых в качестве связующего используется водный раствор (с гуммиарабиком).

Но название также относится к цвету конечного произведения искусства, которое обычно прозрачное. Из-за этой прозрачности качество используемой бумаги (которая будет видна сквозь краску) имеет особое значение.

Предполагается, что впервые акварельные краски использовались египтянами на папирусе.После этого эта техника была найдена в китайском творчестве, и лишь намного позже (во времена Возрождения) первые акварельные работы были найдены в Европе.

Альбрехт Дюрер (немецкий художник эпохи Возрождения) был одним из первых художников, использовавших акварель для создания детализированных картин. Ниже вы найдете одну из его самых известных картин «Молодой заяц» 1502 года.

«Молодой заяц» Альбрехта Дюрера (1502) || by Totallyhistory.com

Гуашь

Гуашь — это краска, которую часто используют в произведениях искусства! Она очень похожа на акварельную краску, но также имеет характеристики акриловой краски.Гуашь отличается от акварельной краски тем, что она содержит мел, который делает ее более непрозрачной и светоотражающей, а значит, является более тяжелой краской.

Однако, поскольку он на водной основе, он также чувствителен к воде (и картины следует покрывать лаком, чтобы избежать проблем). Этот тип краски бывает самых разных цветов и поэтому особенно полезен для плакатов и комиксов.

Анри Матисс — один известный художник, который славится своим использованием гуаши.

Анри Матисс (француз, 1869–1954).Кодомы (Les Codomas), 1943 — Бумага, гуашь || Автор Huffinton Post © 2014 Наследие Х. Матисс / Общество прав художников (ARS), Нью-Йорк

Чернила

Если мы посмотрим на популярность различных типов красок, чернила определенно не самые популярные! Но рисование тушью в наши дни определенно стало больше. Вы часто увидите этот стиль в визуальных социальных сетях, таких как pinterest или instagram.

Живопись тушью — это техника, пришедшая из Восточной Азии и использовавшаяся для каллиграфии.Мастера каллиграфии годами тренировались, чтобы делать идеальные штрихи. Художники используют черные чернила не только для воспроизведения темы рисунка, выполненного тушью, но и для того, чтобы передать его дух.

Художник может прикладывать большее или меньшее давление к кистям, чтобы делать более темные или более светлые штрихи. В наши дни мы также видим большое разнообразие цветных чернил.

Мори Шухо, Лошади, 4-х слойная картина. Япония, период Эдо, конец 18 века нашей эры || by British Museum

5 видов краски — какая вам подходит?

Этот блог о различных типах красок далеко не исчерпывающий или подробное объяснение каждого типа красок.Мы стремились дать вам краткий обзор 🙂 У каждого художника и коллекционера есть свои предпочтения. Итак, теперь вы знаете, о чем говорите, не стесняйтесь спрашивать галеристов и художников об этом все 🙂

Лучшее изображение с Unsplash

Пейзаж | искусство | Британника

Пейзаж , изображение природных пейзажей в искусстве. Пейзажи могут изображать горы, долины, водоемы, поля, леса и побережья и могут включать или не включать искусственные сооружения, а также людей.Хотя картины самых ранних античных и классических периодов включали природные живописные элементы, пейзаж как самостоятельный жанр не возник в западной традиции до эпохи Возрождения в 16 веке. В восточной традиции этот жанр восходит к Китаю 4 века.

ван де Велде, Адриан: Речной пейзаж во второй половине дня

Речной пейзаж во второй половине дня , холст, масло, Адриан ван де Вельде, 1663; в частной коллекции.

В частной коллекции

Британская викторина

Все в искусстве и дизайне (часть третья) Quiz

Хотите узнать немного обо всем в искусстве и дизайне? Начните с этой викторины, а затем переходите к трем другим частям!

В данной статье рассматривается только западная традиция.Для получения дополнительной информации о других традициях пейзажной живописи выполните поиск по стране или региону, например, китайская живопись, японское искусство, искусство Южной Азии: изобразительное искусство.

Пейзажная живопись XVI, XVII и XVIII веков

Хотя пейзажная живопись по-прежнему не была самостоятельным жанром и считалась низшей ступенью в жесткой иерархии предметов художественной академии, фоновые пейзажи становились все более детализированными в композициях, которые возникли в Венеции в конце 15 века.Пейзажи были заметны в работах Джованни Беллини ( Агония в саду , c. 1465; Святой Иероним, читающий в пейзаже , c. 1480–85) и, немного позже, Джорджоне ( Буря , ок. 1505; Поклонение пастырей , 1505/10). К середине XVI века художники северной Европы — особенно художники дунайской школы, такие как Иоахим Патинир и Альбрехт Альтдорфер — создавали картины, которые, хотя и часто были заполнены библейскими фигурами, действительно прославляли красоту природы как таковую.Позже в 16 веке фламандский художник Питер Брейгель Старший стал мастером-пейзажистом, специализирующимся на красочных, детализированных живописных видах ( Пейзаж с падением Икара , ок. 1558; Охотники на снегу , 1565 ; The Harvesters , 1565).

Джорджоне: Поклонение пастырей

Поклонение пастырей , картина Джорджоне, масло, 1505/10; в коллекции Национальной галереи искусств, Вашингтон, Д.C.

Предоставлено Национальной галереей искусств, Вашингтон, округ Колумбия, Коллекция Сэмюэля Х. Кресса, 1939. 1.289

XVII век положил начало классическому или идеальному ландшафту, который разворачивался в мифической идиллической Аркадии древней Греции. Ведущими практиками классического пейзажа были итальянские художники французского происхождения Николя Пуссен и Клод Лоррен. Своими идиллическими сценами и классически упорядоченными, гармоничными композициями Пуссен и Клод пытались поднять репутацию пейзажного жанра различными способами: придавая метафорический смысл естественным элементам своих картин, изображая мифологические или библейские истории, сложенные в сложной форме. естественные условия, и подчеркивая героическую власть природы над человечеством.

Получите эксклюзивный доступ к контенту нашего 1768 First Edition с подпиской. Подпишитесь сегодня

Другая выдающаяся пейзажная традиция 17 века зародилась в Нидерландах в работах голландских художников Якоба ван Рейсдала, Эльберта Кейпа и Мейндерт Хоббема. Небо, часто зловеще облачное и заполняющее половину или больше холста, играло центральную роль в определении тона сцены. Голландские художники того периода наделили элементы своих композиций метафорическим значением и использовали визуальное воздействие маленьких фигур на обширном ландшафте, чтобы выразить идеи о человечестве и его отношении к всемогущей природе.

Центр пейзажной живописи в период рококо 18 века переместился из Италии и Нидерландов в Англию и Францию. Французские художники Антуан Ватто, Жан-Оноре Фрагонар и Франсуа Буше разработали лирические и романтические сцены на открытом воздухе, которые с точными деталями и тонкими красками прославили природу. Их беззаботные пейзажи — fêtes galantes — представляли собой декоративные виньетки, наполненные красиво одетыми мужчинами и женщинами, наслаждающимися развлечениями и досугом на свежем воздухе.Пейзажную традицию английского рококо возглавил Ричард Уилсон, который рисовал как в Италии, так и в своей родной Англии. Его самая известная картина « Сноудон из Ллин Нантл » ( c. 1765), на которой изображена группа из трех человек, ловящих рыбу на озере, обрамленном горами, иллюстрирует его безмятежный стиль. Среди других известных английских пейзажистов — Томас Гиртин, Джон Роберт Козенс и Томас Гейнсборо (который также был

Simple English Wikipedia, бесплатная энциклопедия

Картина Ренуара — произведение искусства.

Art — это творческая деятельность, которая выражает творческие или технические навыки. Он производит продукт, объект. Art — это разнообразные виды человеческой деятельности по созданию визуальных, исполнительских артефактов и выражению творческого мышления автора. Произведение искусства называется произведением искусства , чтобы другие могли его испытать. [1] [2] [3]

Некоторое искусство полезно в практическом смысле, например, скульптурная глиняная миска, которую можно использовать.Такое искусство иногда называют ремеслом .

Тех, кто занимается искусством, называют художниками. Они надеются повлиять на эмоции людей, которые это переживают. Некоторые люди находят искусство расслабляющим, захватывающим или информативным. Некоторые говорят, что люди стремятся заниматься искусством благодаря своему внутреннему творчеству.

«Искусство» — гораздо более широкий термин. Он включает рисунок, живопись, скульптуру, фотографию, перформанс, танцы, музыку, поэзию, прозу и театр.

Статуи Ботеро перед Дворцом культуры в Медельине, Колумбия Сцена из спектакля «Музыкальный Чикаго» в театре Брно.Обнаженная лежачая женщина — фотография Жана-Кристофа Дестайлера. Это изображение было размещено на Commons, и оно также является произведением искусства.

Искусство делится на изобразительное искусство, где что-то создается, и исполнительское искусство, где что-то делается людьми в действии. Другое разделение — между чистыми искусствами, созданными для самих себя, и практическими искусствами, созданными для практических целей, но с художественным содержанием.

  • Пластик арт.
  • Исполнительское искусство
  • Практическое искусство

Некоторые люди говорят, что искусство — это продукт или предмет, созданный с целью стимулировать человеческие чувства, а также человеческий разум, дух и душу.Произведение искусства обычно оценивается по тому, насколько оно влияет на людей, по количеству людей, которые могут иметь к нему отношение, и по тому, насколько они его ценят. Некоторые люди тоже вдохновляются.

Первое и самое широкое значение слова «искусство» означает «расположение» или «упорядочивание». В этом смысле искусство создается, когда кто-то преобразует найденные в мире предметы в новый или другой дизайн или форму; или когда кто-то расставляет цвета рядом друг с другом на картине, чтобы создать изображение или просто создать красивый или интересный дизайн.

Искусство может выражать эмоции. Художники могут почувствовать определенную эмоцию и захотеть выразить ее, создав что-то, что для них что-то значит. Большая часть искусства, созданного в этом случае, создается для художника, а не для публики. Однако, если аудитория также способна соединиться с эмоцией, тогда произведение искусства может стать общественно успешным.

Здесь представлены скульптуры, наскальные рисунки и наскальные рисунки эпохи верхнего палеолита.

Все великие древние цивилизации, такие как Древний Египет, Индия, Китай, Греция, Рим и Персия, имели произведения и стили искусства.В средние века большая часть европейского искусства изображала людей из Библии на картинах, витражах и мозаичных полах и стенах.

Исламское искусство включает геометрические узоры, исламскую каллиграфию и архитектуру. В Индии и Тибете были созданы расписные скульптуры, танцы и религиозная живопись. В Китае искусство включало резьбу по нефриту, бронзу, керамику, поэзию, каллиграфию, музыку, живопись, драму и художественную литературу. Есть много китайских художественных стилей, которые обычно называют в честь правящей династии.

В Европе после Средневековья было «Возрождение», что означает «возрождение». Люди заново открыли для себя науку, а художникам разрешили рисовать предметы, отличные от религиозных. Такие люди, как Микеланджело и Леонардо да Винчи, все еще рисовали религиозные картины, но теперь они также могли рисовать и мифологические картины. Эти художники также изобрели перспективу, при которой предметы на расстоянии кажутся меньше на картине. Это было в новинку, потому что в средние века люди рисовали все фигуры крупным планом и просто накладывались друг на друга.

В конце 1800-х годов художники в Европе, реагируя на современность, создали множество новых стилей живописи, таких как классицизм, романтизм, реализм и импрессионизм. История искусства двадцатого века включает экспрессионизм, фовизм, кубизм, дадаизм, сюрреализм и минимализм.

В некоторых обществах люди думают, что искусство принадлежит человеку, который его создал. Они думают, что художник вложил в искусство свой «талант» и трудолюбие. С этой точки зрения искусство является собственностью художника и охраняется авторским правом.

В других обществах люди думают, что искусство никому не принадлежит. Они думают, что общество вложило свой социальный капитал в художника и его творчество. С этой точки зрения общество — это коллектив, создавший искусство через художника.

Функции искусства [изменить | изменить источник]

К функциям искусства относятся: [4]

1) Познавательная функция

Произведения искусства рассказывают нам о том, что знал автор, и о том, каково было его окружение.

2) Эстетическая функция

Произведения искусства могут делать людей счастливыми, будучи красивыми.

3) Прогностическая функция

Некоторые художники рисуют то, что они видят в будущем, и некоторые из них правы, но большинство нет …

4) Функция воссоздания

Искусство заставляет задуматься о нем, а не о реальности; отдыхаем.

5) Функция значения

Что ценил художник? Какие цели в человеческой деятельности ему нравились / не нравились? Обычно это хорошо видно в работах художников.

6) Дидактическая функция

Какого послания, критики или политического изменения хотел достичь художник?
  1. ↑ Различные определения в: Wilson, Simon & Lack, Jennifer 2008. Путеводитель Тейт по терминам современного искусства . Тейт Паблишинг. ISBN 978-1-85437-750-0
  2. ↑ E.H. Гомбрич 1995. История искусства . Лондон: Phaidon. ISBN 978-0714832470
  3. ↑ Кляйнер, Гарднер, Мамия и Танси. 2004. Искусство сквозь века .12-е изд. 2 тома, Wadsworth. ISBN 0-534-64095-8 (том 1) и ISBN 0-534-64091-5 (том 2)
  4. Багдасарян, Надежда (2000). «7. Искусство как феномен культуры». Культурология . п. 511. ISBN 5-06-003475-5 .
Викискладе есть медиафайлы, связанные с Искусство .

()

Живопись и художники

Искусство всегда был способом понять мир и выразить чувства и эмоции.Есть много разных форм искусства и живописи. это только один из них.
Гораций сказал, что картина — это стихотворение без слов, и действительно это так. На протяжении веков многие техники развивались, чтобы позволяют художникам превратить свои чувства в образы на холсте.
Русские художники представляют русское искусство, во многом уникальна и всегда поражала людей во всем мире. Это происходит от всемирно известных иконописцев, самых известных из них Андрей Рублев.
Многие русские художники восхваляют красоту русской природы в их работы. Иван Шишкин особенно известен своими полотна с изображением русского леса (например, «Утро в сосне» Forest), а Исаак Левитан черпал вдохновение из Русская осень.
В передвижники входили художники XIX века. Один из им был Илья Репин, художник, известный своими большими полотна типа Иван Грозный и его сын Иван или Баржа Бурлаки на Волге.Виктор Васнецов выбрал народную русскую стиль для его Богатырей и Михаил Врубель известен оригинальность мысли. Его Демон — плод его фантастическое воображение.
Иван Айвазовский получил мировую известность благодаря романтическому картины, изображающие море. Девятая волна — это шедевр раскрывая красоту могучего моря в штормовой день.
Русское искусство экспонируется в Государственном Русском музее в г. Санкт-Петербург.А на кафедре английского искусства в В Эрмитаже вы сможете полюбоваться некоторыми шедеврами британской художники.
Один из самых известных из них — Джон Констебл — англичанин. Художник-романтик, известный прежде всего своими пейзажами. картины Дедхэм Вейл, район возле его дома в Саффолке который теперь известен как страна констеблей.
Уильям Тернер был пейзажистом, чей стиль можно сказать заложили основу импрессионизма.
Уильям Хогарт известен не только своими портретами, но и за серию картин с сатирическими деталями, характеризующими Английское высшее общество, 1740-е гг.
Томас Гейнсборо — один из самых известных портретистов и художники-пейзажисты Британии XVIII века. В национальном В галерее Лондона можно увидеть красочные картины Мистер и миссис. Эндрюса, который представляет собой сочетание семейного портрета и пейзаж и темный портрет мистера и миссис Уильям Хэллетт это пример зрелого стиля Гейнсборо.
Уильям Блейк — английский поэт и художник. Во многом непризнанным при его жизни сегодня, его работы считались значительный в истории поэзии и изобразительного искусства. Его картины могут показаться очень необычными и фантастическими. Fo

Arts — () — alleng.me

(9/11)

Разнообразие искусство безгранично. Что предпочитаете: кино, театр, живопись, музыка? Почему?

Искусство определяется в энциклопедиях как процесс и результат изготовление материальных работ, отражающих красоту или реальность.В «творческие искусства» обозначают ряд дисциплин, цель которых создавать материальные вещи, которые отражают сообщение, настроение и символы для интерпретации зрителя.

Искусство включает различные формы, такие как проза, стихи, танцы, актерское мастерство, скульптура, живопись, музыка и т. д. Термин «искусство» часто означает «изобразительное искусство» живопись, скульптура, рисунок, гравюра. Монтажное искусство, мебель, промышленный дизайн, графический дизайн и другие включены в прикладное искусство.Есть множество искусство, в том числе изобразительное искусство и дизайн, декоративное искусство, пластика искусство и исполнительское искусство. Художественное выражение может занять много формы: живопись, рисунок, эстамп, скульптура, музыка и архитектура. Новые формы включают фотографию, кино, видеоарт, концептуальное искусство, перформанс, ленд-арт, мода, комиксы, компьютерное искусство. В каждой форме может быть представлен широкий спектр жанров. существовать.

Из всех форм Из искусства я предпочитаю живопись и музыку.Я действительно заинтересован в покраска по нескольким причинам. Во-первых, это один из старейших формы искусства. Люди рисовали примерно 6 раз пока они пишут. Самая старая найденная картина более 32000 лет. Живопись — это вид искусства, который многие считают, что они выражают чувства и идеи в визуальном форма. Использование визуальных образов цветов, светотени, форм и формы, художник заставляет нас понять его концепцию жизни, поделиться его чувства и наслаждаться красотой мира.Во-вторых, живопись предлагает вам широкий выбор стилей, это позволяет нам быть настолько конкретно или абстрактно, насколько нам угодно. Из широкого ассортимента различные художественные школы и стили (реализм, импрессионизм, кубизм, фовизм, сюрреализм, модернизм, поп-арт и др.) на выбор один по своему вкусу. Художественные школы, которые я предпочитаю, — это реализм и импрессионизм, поскольку я считаю, что они наиболее полно передают форму и настроение. отчетливый и яркий образ.

Вторая форма Из искусства я очень увлекаюсь музыкой.Термин «музыка» сложно определить. Это можно объяснить, например, как искусство составлять приятные сочетания звуков в ритме, гармонии и контрапункт. Можно услышать музыку, которую создают композиторы через несколько СМИ; самый традиционный способ — это услышать вживую, в присутствии исполнителей. Живая музыка тоже может быть транслируются по радио, телевидению или в Интернете. Во-первых, музыка помогает мне расслабиться и снять стресс.Когда я слушаю музыку, классическая, джазовая, рэп или любая другая музыка, которая мне нравится, я забыть о повседневных хлопотах; музыка обеспечивает уходить от повседневных проблем. Стресс уходит, когда меня забирают в красоте музыки.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.

Copyright © 2011 - 2022Вито офисная мебель СПб