Картины в стиле барокко фото: Картины в стиле Барокко: характерные черты

Искусство и архитектура барокко | Британника

Искусство и архитектура барокко , изобразительное искусство, проектирование и строительство зданий, появившиеся в эпоху истории западного искусства, которая примерно совпадает с 17 веком. Самые ранние проявления, которые произошли в Италии, относятся к последним десятилетиям 16-го века, тогда как в некоторых регионах, особенно в Германии и колониальной Южной Америке, определенные кульминационные достижения барокко не произошли до 18-го века.Произведение, которое отличает период барокко, стилистически сложное, даже противоречивое. В целом, однако, в основе его проявлений лежит желание вызывать эмоциональные состояния, обращаясь к чувствам, часто драматическим образом. Некоторые из качеств, наиболее часто ассоциируемых с барокко, — это величие, чувственное богатство, драматизм, жизненная сила, движение, напряжение, эмоциональная яркость и тенденция к стиранию различий между различными искусствами.

Популярные вопросы

Откуда взялся термин

Термин Baroque , вероятно, происходит от итальянского слова barocco , которое философы использовали в средние века для описания препятствия в схематической логике.Впоследствии это слово стало обозначать любую искаженную идею или инволютивный процесс мышления. Другой возможный источник — португальское слово barroco (исп. barrueco ), используемое для обозначения жемчужины несовершенной формы. В искусствоведении слово Барокко пришло для обозначения чего-либо необычного, причудливого или иным образом отклоняющегося от правил и пропорций, установленных в эпоху Возрождения. До конца 19-го века этот термин всегда подразумевал странное, преувеличенное и чрезмерно украшенное.Только в новаторском исследовании Генриха Вельфлина, Renaissance und Barock (1888), этот термин использовался как стилистическое обозначение, а не как термин тонко завуалированного злоупотребления, и была достигнута систематическая формулировка характеристик стиля барокко.

Каковы особенности искусства и архитектуры барокко?

Произведение, выделяющее период барокко, стилистически сложное и даже противоречивое. Например, течения натурализма и классицизма сосуществовали и смешивались с типичным стилем барокко.В целом, однако, в основе его проявлений лежит желание вызывать эмоциональные состояния, обращаясь к чувствам, часто драматическим образом. Некоторые из качеств, наиболее часто ассоциируемых с барокко, — это величие, чувственное богатство, драматизм, динамизм, движение, напряжение, эмоциональная яркость и склонность к стиранию различий между различными искусствами.

Как возникли искусство и архитектура барокко?

Три широких течения оказали влияние на искусство барокко, первой из которых была Контрреформация.Борясь с распространением протестантской Реформации, Римско-католическая церковь после Тридентского собора (1545–1563 гг.) Приняла пропагандистскую программу, в которой искусство должно было служить средством стимулирования общественной веры в церковь. Возникший стиль барокко был одновременно чувственным и духовным. В то время как натуралистическая обработка сделала религиозный образ более доступным для среднего прихожанина, драматические и иллюзорные эффекты использовались, чтобы стимулировать преданность и передать великолепие божественного.Вторая тенденция заключалась в консолидации абсолютных монархий: дворцы в стиле барокко были построены в монументальном масштабе, чтобы продемонстрировать мощь централизованного государства, явление, которое лучше всего было продемонстрировано в Версале. Третья тенденция заключалась в расширении интеллектуальных горизонтов человека, чему способствовали развитие науки и исследования земного шара. Это породило новое ощущение ничтожности человека (особенно чему способствовало смещение Земли по Копернику из центра вселенной) и бесконечности мира природы.Пейзажные картины, на которых люди изображены в виде крошечных фигур на обширном пространстве, свидетельствовали об этом меняющемся осознании условий жизни человека.

Какие художники ассоциируются со стилем барокко?

Аннибале Карраччи и Караваджо были двумя итальянскими художниками, которые помогли открыть барокко и чьи стили представляют, соответственно, классицизм и реалистичность. Художница Артемизия Джентилески была признана в 20 веке за свое техническое мастерство и амбициозные исторические картины.Джан Лоренцо Бернини, чьи достижения включали проектирование колоннады перед базиликой Святого Петра в Риме, был величайшим из скульпторов-архитекторов эпохи барокко. Упорядоченные картины Николя Пуссена и сдержанная архитектура Жюля Ардуэна-Мансара показывают, что импульс барокко во Франции был более сдержанным и классическим. В Испании художник Диего Веласкес использовал мрачный, но мощный натуралистический подход, который имел лишь некоторое отношение к мейнстриму живописи в стиле барокко.Тем временем этот стиль в ограниченных масштабах проник в северную Европу, особенно на территорию нынешней Бельгии. Величайшим мастером этого испанского в основном римско-католического региона был художник Питер Пауль Рубенс, чьи бурные диагональные композиции и полнокровные фигуры являются воплощением живописи в стиле барокко. Однако искусство в Нидерландах более сложное. Обусловленные реалистическими вкусами своих покровителей из среднего класса, такие выдающиеся мастера, как Рембрандт, Франс Хальс и Иоганнес Вермеер, оставались в значительной степени независимыми от барокко в важных отношениях, но многие художественные тексты тем не менее приравнивают их к стилю.Однако барокко оказало заметное влияние на Англию, особенно на архитектуру сэра Кристофера Рена.

Чем стиль рококо отличался от барокко?

Стиль рококо зародился в Париже около 1700 года и вскоре был принят во Франции, а затем и в других странах, в основном в Германии и Австрии. Как и стиль барокко, рококо использовалось в декоративном искусстве, дизайне интерьера, живописи, архитектуре и скульптуре. Его часто называют завершающей фазой барокко, но стиль отличается от своего предшественника интимным масштабом, асимметрией, легкостью, элегантностью и обильным использованием изогнутых природных форм в орнаменте.Живопись в стиле рококо во Франции, например, началась с изящных, мягко-меланхоличных картин Антуана Ватто, завершилась игривыми и чувственными обнаженными фигурами Франсуа Буше и закончилась свободно написанными жанровыми сценами Жана-Оноре Фрагонара. Живопись французского рококо в целом характеризовалась непринужденным, беззаботным подходом к мифологическим темам и темам ухаживания, представлением семьи как предмета, богатой и тонкой манерой письма, относительно легкой тональной тональностью и чувственной окраской.

Происхождение термина

Термин «барокко», вероятно, в конечном итоге произошел от итальянского слова barocco , которое философы использовали в средние века для описания препятствия в схематической логике. Впоследствии это слово стало обозначать любую искаженную идею или инволютивный процесс мышления. Другой возможный источник — португальское слово barroco (исп. barrueco ), используемое для описания жемчужины неправильной или несовершенной формы, и это употребление до сих пор сохранилось в названии ювелира барокко жемчуг .

В искусствоведении слово «барокко» стало использоваться для описания чего-либо необычного, причудливого или иным образом отклоняющегося от установленных правил и пропорций. Этот предвзятый взгляд на стили искусства 17-го века с небольшими изменениями поддерживался критиками от Иоганна Винкельмана до Джона Раскина и Якоба Буркхардта, и до конца 19-го века этот термин всегда подразумевал странный, гротескный, преувеличенный и чрезмерно украшенный. Только с пионерским исследованием Генриха Вельфлина Renaissance und Barock (1888) термин барокко был использован как стилистическое обозначение, а не как термин тонко завуалированного злоупотребления, и была достигнута систематическая формулировка характеристик стиля барокко.

Три основные тенденции эпохи

Три более широкие культурные и интеллектуальные тенденции оказали глубокое влияние на искусство барокко, а также на музыку барокко. Первым из них было появление Контрреформации и расширение ее владений как в территориальном, так и в интеллектуальном плане. К последним десятилетиям XVI века изысканный придворный стиль, известный как маньеризм, перестал быть эффективным средством выражения, и его непригодность для религиозного искусства все больше ощущалась в художественных кругах.Чтобы противостоять набегам Реформации, Римско-католическая церковь после Тридентского собора (1545–1563 гг.) Заняла пропагандистскую позицию, в которой искусство должно было служить средством расширения и стимулирования общественной веры в церковь. С этой целью церковь приняла осознанную художественную программу, произведения искусства которой вызывали у верующих откровенно эмоциональный и чувственный отклик. Стиль барокко, возникший из этой программы, парадоксальным образом был одновременно чувственным и духовным; в то время как натуралистическая обработка сделала религиозный образ более доступным для среднего прихожанина, драматические и иллюзорные эффекты использовались, чтобы стимулировать благочестие и преданность и передать впечатление великолепия божественного.Таким образом, церковные потолки в стиле барокко растворялись в живописных сценах, которые представляли наблюдателю яркие виды бесконечного и направляли чувства к небесным заботам.

Вторая тенденция заключалась в консолидации абсолютных монархий, сопровождающейся одновременной кристаллизацией выдающегося и могущественного среднего класса, который теперь стал играть роль в покровительстве искусству.Дворцы в стиле барокко были построены в расширенном и монументальном масштабе, чтобы продемонстрировать мощь и величие централизованного государства, явление, лучше всего демонстрируемое в королевском дворце и садах Версаля. Но в то же время развитие рынка картин для среднего класса и его стремление к реализму можно увидеть в работах братьев Ленена и Жоржа де Ла Тур во Франции и в различных школах голландской живописи 17-го века. (Подробное обсуждение этого явления, , см. Rembrandt van Rijn.)

Третья тенденция заключалась в новом интересе к природе и общем расширении интеллектуальных горизонтов человека, вызванном развитием науки и исследованиями земного шара. Они одновременно породили новое ощущение как человеческой незначительности (особенно чему способствовало смещение Земли по Копернику из центра вселенной), так и неожиданной сложности и бесконечности природного мира.Развитие пейзажной живописи 17-го века, в которой люди часто изображаются в виде крошечных фигур в обширном естественном окружении, свидетельствует об этом меняющемся осознании условий жизни человека.

Гостиная в стиле барокко: 100 красивых фото-идей

Содержание:

1. Особенности стиля
2. Модные интерьеры
3. Лучшие декорации
4. Барокко и современность

Превратите свою гостиную в придворный дворец. Рассмотрите мебель и аксессуары, которые напоминают богато украшенные модели времен Людовика XIV. Это вдохновение для всех тех, кто хочет создать неповторимый интерьер. Выбирайте подходящие модели зеркал, стильные рамы для картин и элегантные вазы. А как насчет фарфоровых блюд и аксессуаров? Они станут ценным семейным сувениром, а также замечательно украсят гостиную в стиле барокко. Хотите узнать особенности роскошного интерьера? Читайте представленную статью с обширной фото-галереей.

Гостиная в стиле барокко: особенности направления

Имя эпохи Барокко связано с богатством украшений. Слово «барокко» означает жемчужину неправильной формы, а на французском языке отождествляется с украшением. Это направление появилось в искусстве в конце 16-го века и продолжалось до 18-го века, однако, и сегодня оно стимулирует воображение многих художников. Сегодня вы можете выбрать из широкого ассортимента аксессуаров в стиле барокко. Это прежде всего декоративные рамы для картин, фарфоровые вазы, которые идеально сочетаются с представительной гостиной или очаровательными шкатулками для драгоценностей. Зеркало в стиле барокко или канделябры с амурами — это предложение для людей, которые ценят оригинальные предметы интерьера.

Стиль барокко воплощается в декоративных украшениях, мебели, картинах и скульптурах. Интерьеры характеризуются мраморными стенами, подвесными золотыми зеркалами, хрустальными люстрами, бархатными шторами, золотыми или белыми ангелами. Стиль барокко особенно создан смотрится в высоких и просторных интерьерах, принося классическую красоту в гостиную. В таких залах вы найдете шкафы с украшениями, массивные рельефы. Внутренние стены будут украшены картинами, перенося в эпоху старины. Каждая деталь стиля барокко создает целостный помпезный интерьер.

Мебель и украшения в стиле барокко создадут незабываемую композицию в вашем доме. Вы найдете золотые консоли с ангелами, канделябры, позолоченные зеркала, статуэтки с фигурками, пейзажи, роскошные вазы, часы с амурами, шкатулки для драгоценностей, бюсты и другие украшения. При выборе украшений в стиле барокко не забудьте создать интерьер в одном стиле. Гостиные, относящиеся к нескольким стилям, теряют свое очарование и композицию. В барочных интерьерах присутствует большое количество украшений,  подчеркивая впечатление изобилия. Такой декор можно найти в основном в интерьерах квартир, усадеб, дворцов и замков.

Гостиная в стиле барокко: фото модных интерьеров

Период Барокко в основном ассоциируется с классической архитектурой с колоннами, арками и скульптурами. В таких интерьерах всегда царило великолепие. Хотя вряд ли кто-то сможет жить во дворцовых пространствах ежедневно, но модно выбрать отдельные элементы роскоши для создания стильной композиции.

Как украсить гостиную в стиле барокко в квартире?

Интерьер в стиле барокко отличается роскошью. Стены украшены причудливо отделанной штукатуркой, зеркалами и картинами в золотых рамах, а с потолка свисает огромная хрустальная люстра. Стильная мебель обтекаемой формы и массивные ножки встречаются в темных и светлых тонах. Их дополняют высококачественные ткани, такие как бархат, мелкая вышивка, сатин, лоскутное одеяло. Текстиль в виде обивки на мебели, а также ковриков, подушек и длинных тяжелых штор шикарен.

В гостиной в стиле барокко важным элементом является украшенный камин, большой стол и стильные детали, такие как фарфор, расписанный вручную, который дополняет обстановку столовой. На стенах часто встречаются обои с орнаментом или крупными цветами.

Стиль барокко и современные интерьеры гостиной

Изысканный и элегантный, полный замысловатых украшений и феноменальных дополнений интерьер — это гостиная в стиле барокко, которая поражает своим великолепием. Для такого огромного количества украшений и прекрасного художественного мастерства нужно подходящее место, чтобы представить себя во всем своем великолепии. Просторные, роскошные гостиные созданы для барочных аранжировок. Как украсить современный зал в помпезном исполнении? Вот несколько советов о том, как декорировать интерьер в стиле барокко и добиться впечатляющих результатов.

Роскошная мебель

Гостиные барокко отражают страсть к художественному мастерству, искусству, красоте и роскоши. Сложно вырезанная мебель с ослепительными деталями и высококачественной резьбой по дереву является одним из их наиболее характерных элементов. Барочный стиль интерьера легко подчеркнут изысканным диваном. В гостиной вы будете отдыхать на мягкой мебели с позолоченным каркасом и стильно профилированными ножками. Пространство заполняется комодами и шкафами, инкрустированными черным, красным или розовым деревом, золотыми канделябрами, украшенными статуэтками. Гостиная в стиле барокко может быть подчеркнута столом с причудливо вырезанными ножками и столешницей, покрытой слоем 23-каратного золота.

Чувственные цвета

Интенсивная и чувственная цветовая палитра с доминирующим золотом — особенность стиля барокко. Глубокие темные оттенки, такие как баклажаны, красный рубин, охра, изумруд и контрастная комбинация золота и черного, играют главную роль. Нейтральные, приглушенные расцветки, такие как бежевый, серый и белый, видны, особенно в современных вариациях этого стиля дизайна. Цвет золота, столь характерный для барокко, проявляется в виде позолоченной мебели, украшений, настенного декора и аксессуаров.

Освещение

Освещение очень важно, так как оно позволяет выявить свечение и глубину цвета. Большая хрустальная люстра и стильные бра приносят теплый свет и создают атмосферное, таинственное настроение, которое наполняло старинные барочные интерьеры.

Штукатурка на потолке и стенах

Богато украшенные стены и потолки должны быть уникальным произведением искусства сами по себе. Декорированные розетками, карнизами, пилястрами, великолепными настенными росписями, элегантными обоями с потрясающими сложными узорами, они восхищают художественным мастерством.

Эффективные дополнения

Кульминация в стиле барокко — тщательно подобранные аксессуары и драгоценные материалы. Они подчеркивают стиль и создают желаемую атмосферу. Стоит выбрать драгоценные ткани и материалы, такие как булат, бархат, шелк с красивой отделкой, бахромой, декоративной вышивкой. Окна будут украшены тяжелыми бархатными шторами, перевязанными золотыми кисточками. Ажурные светильники с хрустальными гирляндами привнесут в интерьер чудесный свет, красиво отражаясь в больших зеркалах с декоративными позолоченными рамами. Богатство текстур, узоров и хорошо сбалансированных деталей создадут неповторимый эффект и шикарное пространство в неповторимой гостиной.

Большое разнообразие красивых гостиных найдете в фото-галерее, которая перенесет вас в мир дворцовой роскоши времен Барокко.

Изучение богато украшенного искусства и архитектуры барокко

Этот пост может содержать партнерские ссылки. Если вы совершите покупку, My Modern Met может получать партнерскую комиссию. Пожалуйста, прочтите наше раскрытие для получения дополнительной информации.

На протяжении 17 и 18 веков европейские художники и архитекторы перенимали все более сложный стиль. Этот подход, известный как Baroque , отличается изысканной, чрезмерной эстетикой, которая пробуждает воздушность и стремится внушить благоговение.

Сегодня период барокко остается одним из самых знаменитых культурных движений в истории западного искусства.Здесь мы рассмотрим этот яркий стиль, исследуя историю и эволюцию его яркого искусства и архитектуры.

Каким был период барокко?

Названный в честь barroco , , португальского названия жемчужины неправильной формы, период барокко определяется величием и богатством его искусства и архитектуры. Укоренившись в Риме, движение распространилось по Италии и другим европейским странам между 1600 и 1750 годами, став особенно популярным во Франции, Испании и Австрии.

Николя Пуссен, «Вакханский пир перед статуей Пана» (ок. 1632–1633) (Фото: Национальная галерея, Лондон, Wikimedia Commons Public Domain)

Поскольку период барокко совпал с итальянским Возрождением, неудивительно, что эти два движения имели некоторое стилистическое сходство. Художники как барокко, так и эпохи Возрождения использовали реализм, богатый цвет и религиозные или мифологические сюжеты, в то время как архитекторы, работающие в обоих стилях, предпочитали баланс и симметрию.Однако то, что отличает стиль барокко от его аналога эпохи Возрождения, — это его экстравагантность — характерная черта, очевидная как в его искусстве, так и в архитектуре.

Искусство барокко

Живопись

Хотя тематика и даже стиль могут варьироваться между картинами в стиле барокко, у большинства произведений этого периода есть одна общая черта: драма .

В работах таких известных художников, как Караваджо и Рембрандт, интерес к драме проявляется в интенсивных контрастах между сияющим светом и надвигающимися тенями.

Караваджо, «Призвание святого Матфея» (ок. 1599 или 1600) (Фото: Ибиблио через Wikimedia Commons Public Domain)

Рембрандт, «Ночной дозор» (1642 г.) (Фото: Государственный музей через Wikimedia Commons Public Domain)

Художники эпохи барокко, такие как Джентилески, Пуссен и Рубенс, достигли обостренного чувства драмы через движение. Часто эта динамичная иконография была вдохновлена ​​сказками из Библии и историями из древней мифологии.

Джентилески, «Давид и Голиаф» (ок.1605-1607) (Фото: через Wikimedia Commons Public Domain)

Помимо энергичных композиций, Рубенс запечатлел драматизм в своей богатой и сияющей цветовой палитре. «Рубенс избегал живописи таким образом, что цвет впитывался. Светящаяся ясность его работ была доказательством превосходства его техники», — объясняет художник Макс Дорнер в книге «« Материалы художника и их использование в живописи »». «В его цветах было столько яркости и связующей среды, что, как и в картинах Ван Эйка, они обладали блеском, и их не нужно было покрывать лаком.”

Питер Пауль Рубенс, Самсон и Далила (ок. 1609–1610) (Фото: Национальная галерея, Лондон, Wikimedia Commons Public Domain)

Скульптура

Фигурные скульптуры из бронзы и мрамора, созданные в этот период, демонстрируют интерес к динамизму . Скульпторы, такие как Бернини, пробуждали движение за счет завихрения силуэтов, скрученных контуров и плавной драпировки. Добавленные элементы, такие как водные арматуры, часто усиливали этот театральный подход.

Бернини, «Аполлон и Дафна» (1622–1625)

Подобно статуям эпохи Возрождения, в том числе знаменитому «Давиду » Микеланджело, скульптуры в стиле барокко часто предназначались для украшения величественных зданий. Они также были заказаны для других грандиозных декораций, таких как позолоченные церковные интерьеры и королевские сады.

Бернини, «Экстаз Святой Терезы» (1647–1652)

Шарль Лебрен, Фонтан Аполлона в садах Версаля (1668–1671)

Основы искусства барокко | Искусство мужественности

Это часть II из серии, разработанной для ознакомления читателей с простыми основами некоторых из основных периодов западного искусства в надежде дать вам что-то сказать на вашем следующем свидании в музее и более глубоко оценить искусство. в общем.Первая часть посвящена основам искусства эпохи Возрождения.

Основы искусства барокко

Период времени: 1600s-1700s

Предыстория: Когда Мартин Лютер написал свои 95 тезисов в 1517 году, он положил начало движению, которое навсегда изменило мир: протестантской Реформации. Его критика католической церкви и аргументы в пользу таких вещей, как верховный авторитет Священного Писания и оправдание только верой, распространились по всей Европе через печатный станок, сделав новообращенных и основав новые протестантские деноминации.

В ответ католическая церковь начала собственное внутреннее реформирование, чтобы устранить коррупцию и четко определить свои доктрины и богословие. Эта контрреформация нашла свое самое важное выражение в Тридентском соборе, созванном папой Павлом III в 1545 году. Хотя Совет предпринял шаги по реформированию внутренних злоупотреблений, он не попытался пойти на компромисс с протестантами в вопросах доктрины; вместо этого Церковь решительно подтвердила истинность позиций, на которые напали протестанты.Это наполнило католическую веру новой энергией и уверенностью.

Но менее известным следствием Трентского совета было его влияние на искусство.

Частью реформы церкви было просвещение ее членов, помогая им больше узнать о своей вере. Это была нелегкая задача, поскольку большинство людей в то время были неграмотными. Совет Трент объявил, что искусство должно использоваться для объяснения глубоких догм веры всем, а не только образованным. Для этого религиозное искусство должно было быть прямым, эмоционально убедительным и мощным, предназначенным для того, чтобы зажигать духовное воображение и вдохновлять зрителя на большее благочестие.

Новые деноминации, такие как кальвинисты, считали, что церкви и церковные службы должны быть простыми, упрощенными делами. Но Совет утверждал, что Богу величия и силы следует поклоняться с помощью ритуалов, церемоний и церквей, соответствующих этим божественным качествам. Это утверждение красоты и грандиозности проявлений веры нашло свое отражение в искусстве барокко.

На что обратить внимание в искусстве барокко:

• Изображения прямые, очевидные и драматичные.
• Пытается привлечь зрителя к участию в сцене.
• Изображения кажутся физически и психологически реальными. Эмоционально напряженный.
• Экстравагантные декорации и украшения.
• Эффектное использование цвета.
• Драматические контрасты между светом и тьмой, светом и тенью.
• В отличие от искусства эпохи Возрождения с его четко очерченными плоскостями, где каждая фигура расположена изолированно друг от друга, в искусстве барокко есть непрерывное наложение фигур и элементов.
• Общие темы: грандиозные видения, экстазы и обращения, мученичество и смерть, яркий свет, напряженные психологические моменты.

Примеры:

Экстаз Святой Терезы , Джованни Лоренцо Бернини, 1652. Общей темой художников барокко был чудесный момент, когда божественное встречается с земным, священное вторгается в мирское. Святая Тереза ​​была мистической монахиней, которая записала опыт, в котором ангел спустился и пронзил ее внутренности пылающей стрелой божественной любви.Боль была сильной, но сладкой и привела ее в экстаз перед Богом. Также демонстрируется использование света в стиле барокко; деревянные лучи зрелищно спускаются вниз и освещаются окном с желтыми панелями над скульптурой.

Преобразование по дороге в Дамаск , Караваджо, 1601. Караваджо, пожалуй, мой любимый художник любого периода, и это моя любимая его картина. Изображен момент, когда Савл (который вскоре станет Павлом) переживает переживание обращения по дороге в Дамаск.Мы снова видим барочную тему божественного, внезапно вторгающегося в земную сферу. Караваджо был мастером использования тени и света, чтобы усилить драматизм и значение своих картин. Здесь Божий свет сбил Саула с лошади, и его руки вытянулись в форме воронки, чтобы принять свет. Между тем человек и лошадь, которые символизируют обычный земной мир и не обладают полным опытом, находятся в тени.

Распятие Святого Петра , Караваджо, 1601 .В отличие от идеализированных, благородных, классических человеческих форм, любимых художниками эпохи Возрождения, Караваджо предпочитал рисовать сцены и людей такими, какими их мог бы видеть глаз, включая естественные недостатки. Он не чувствовал, что картина должна быть сентиментальной, чтобы быть сильной, вместо этого полагая, что внутренняя природа сцены, красноречие, запечатленное в реальных позах фигур, были эффективными с педагогической точки зрения. Его картины были настолько реалистичными, что посетители иногда отвергали их как слишком «вульгарные». На этой картине св.Петра распинают. Он попросил повесить его на кресте вверх ногами, чтобы не подражать своему Господу. Божественный свет сияет на Петра, в то время как лица римлян скрыты тенями. Питер кажется намного тяжелее, чем можно было бы ожидать — трое мужчин изо всех сил пытаются поднять его, что символизирует тяжесть их преступления.

Четыре континента , Питер Пауль Рубенс, 1615. Питер Пауль Рубенс был ведущим художником Контрреформации и привнес энергию, чувственность и драматизм искусства барокко не только в религиозные произведения, но и в исторические. и мифологические темы (а иногда и сочетание всех трех).На творчество фламандского художника повлияло как его образование в Антверпене, так и поездка в Рим, элементы, которые стали мастерским синтезом стилей Ренессанса и барокко. В Четыре континента вы можете увидеть черты барокко: яркие цвета, физичность и перекрывающиеся фигуры. Символизируя распространение католической церкви по всему миру, изображение четырех континентов в виде женщин было общей темой в искусстве Контрреформации, особенно в церквях иезуитов. Склонность Рубена к изображению женщин с мясом на костях привела к известному прилагательному «Rubenesque» для описания полных женщин.

Снятие с креста , Рембрандт, 1634. Хотя Рембрандта, пожалуй, больше всего помнят за его портреты, он также был мастером пейзажа и религиозной тематики в стиле барокко. Во всех своих картинах и офортах он стремился к «величайшему и наиболее естественному движению». В его «Спуск с креста » мы снова видим подпись в стиле барокко эмоциональной сцены, усиленной драматическим использованием света и тени. Свет сияет на теле Христа, верных женщинах, которые стояли рядом с ним, и на саване, в котором он вернется к жизни.

Мои любимые Рембрандты — это его серия «Философ», на которую я, вероятно, не должен указывать, а свет и тень блестяще используются:

Философ в медитации

Философ с открытой книгой

Философское чтение

Основы искусства Серия
Эпоха Возрождения
Период барокко
Период романтики

Фотограф воссоздает голландский стиль барокко с фотографиями подводных натюрмортов

Хотя мы видели немало потрясающих подводных изображений, это то, чего мы не видели раньше.Фотограф Александр Джеймс воссоздает классический стиль Vanitas с его уникальной фотографической техникой:

Джеймс потратил три десятилетия, совершенствуя свой стиль. Его творчество черпает вдохновение в картинах мастеров стиля голландского барокко. Черный — типичный цвет, который доминирует на его полотнах. Череп олицетворяет смерть, а бабочки и цветы олицетворяют жизнь и возрождение. Цвета глубокие и завораживающие; тени — отражение болезненного характера его темы.

Джеймс настраивает выстрел

Очаровательные эффекты — это результат ряби на воде. Цвета насыщенные, и итоговое изображение выглядит практически нереальным.

«Вода позволяет мне обращаться с каждым холстом так, как если бы он был окрашен в миллион цветов одновременно. Тогда я могу взять малярный нож и перемещать эти масла. Этого достаточно, чтобы занять меня на всю жизнь «.

Как говорит сам Джеймс,

«Такого вы никогда раньше не видели.Когда вы когда-нибудь видели фотографию, документальный фильм, который выглядит так, как будто он был нарисован? Это не выглядит под водой, похоже на скульптуру. Это не похоже ни на что, как должно ».

Работы Джеймса нельзя назвать просто фотографией. Он размывает границы живописи, скульптуры и фотографии, создавая уникальное сочетание визуального искусства.

Что его вдохновляет?

Джеймс объясняет, что тщеславие и его бессмысленность сегодня так же важны, как и 300 лет назад.Человечество стоит перед своей главной проблемой, и эта проблема связана с самым важным ресурсом, который у нас есть — водой. Он считает, что в будущем из-за него будут вестись войны, и целые цивилизации будут перемещаться в зависимости от доступа к нему. Он чувствует, что, в конце концов, важность жизни, имеющей определенную ценность, сегодня так же актуальна, как и раньше. Работа Джеймса как таковая не о суровой реальности смерти, а о воспевании жизни.

Я не осознавал, насколько расистской может быть история искусства, пока не увидел эту картину в стиле барокко

Прежде чем погрузиться в проблемные истории о танцах в выпускном классе средней школы, мне, вероятно, следует ответить на несколько ваших животрепещущих вопросов.Что такое барокко и почему меня это должно волновать?

Барокко — это стиль искусства, музыки, архитектуры и танца, который приобрел огромную популярность в Европе 17, ^и века. Он возник в Италии и отличается яркими красками, величием и замысловатыми деталями. Как и другие стили искусства, барокко имеет колониальную историю, которая игнорирует различные изображения чернокожих людей, живших в эту эпоху. По большей части это побеленный стиль искусства, однако в прошлом веке он обрел новую жизнь.

Сегодня термин «африканское барокко» относится к красочным украшениям, одежде и украшениям, сделанным из традиционных африканских тканей. Он сочетает в себе красочное величие искусства барокко с мастерством и дизайном африканского искусства.

[Описание изображения: Мужчина смотрит в Национальный музей искусства Каталонии, Парк Монжуик, Барселона, Испания. Пример архитектуры барокко.] Через Unsplash Тем не менее, все еще сомнительно пытаться связать африканскую идентичность с искусством барокко, и мой школьный танец был прекрасным примером.Еще в 2014 году темой моих танцев в выпускном классе средней школы было «Африканское барокко». Имейте в виду, что это событие обычно является веселым и праздничным моментом в жизни большинства студентов, и беззаботной «сказочной» темы было бы достаточно. В то время я понятия не имел, что такое барокко, как и никто из моих сверстников. Тема не понравилась никому из нас, но последнее слово было за учителями, и мы просто должны были с ней справиться.

В ночь танцев декор стола состоял из декора в стиле барокко, африканских текстильных принтов, цветов, некоторых других орнаментов в африканском стиле и афро гребешков.Да, вы правильно прочитали. У нас были афро гребешки в качестве украшения стола, и почему-то организаторы сочли это хорошей идеей. Для контекста я ходил в богатую частную школу в северном пригороде Йоханнесбурга, Южная Африка. Оглядываясь назад, я считаю, что все мероприятие было отчаянной попыткой продвинуть разнообразие и черную культуру в преимущественно белой школе, и оно не попало в цель. Решение объединить африканские темы с искусством барокко было, возможно, расистским решением. И я здесь, чтобы рассказать вам почему.

В прошлом изображения африканцев в искусстве барокко были редкостью. Мне потребовалась целая вечность, чтобы найти в Интернете картину в стиле барокко, в которой основное внимание уделяется чернокожему человеку. В свете этого утомительного исследовательского опыта я не собираюсь делать вид, что добавление слова «африканец» перед словом «барокко» имеет большое значение. Это все еще глубоко колониальный вид искусства.

[Описание изображения: Картина Аннибале Карраччи в стиле барокко. На нем изображена африканская рабыня в ожерелье из красного коралла, жемчужные серьги и черное платье с длинным рукавом и белым кружевным воротником.] Via Wikimedia Commons Тем не менее, после нескольких часов тщательного исследования в Интернете, я наткнулся на редкий портрет в стиле барокко, написанный около 1585 года итальянским художником Аннибале Карраччи. Он считается одним из основоположников стиля барокко в искусстве и одним из самых плодовитых художников своего поколения. Его картина изображает элегантно одетую африканскую рабыню в красном коралловом ожерелье, жемчужных серьгах и черном платье с длинным рукавом и белым кружевным воротником. Личность женщины еще предстоит выяснить, но ее одежда показывает, что она — продукт современности и колониальной Европы.

[Описание изображения: Картина «Портрет африканца» Яна Мостарта (около 1525-1530 гг.). Мужчина носит свободную одежду с длинными рукавами эпохи раннего Возрождения. Точно так же картина голландского художника Яна Янса Мостарта «Портрет африканца ( около 1525-1530 ) » иллюстрирует присутствие черных тел в европейской жизни и на арт-сцене барокко. Это настоящая редкость, так как это один из немногих известных портретов чернокожего человека того времени, который не был рабом.Искусствоведы полагают, что из-за мужской одежды на картине изображен чернокожий дворянин, работавший в здании суда. Мостарт уделял внимание деталям и стремился создать детализированные, реалистичные черты лица, изображая джентльмена в почетном положении, а не в роли слуги.

Съемка портрета была исключительной практикой, обычно предназначенной для богатой белой знати или религиозных лидеров. Это означает, что само существование этой картины является новаторским, поскольку на ней изображен чернокожий мужчина из высшего сословия этой эпохи.

К сожалению, не все изображения черных африканцев в стиле барокко обладают такой же энергией, как у Мостарта. Картина Бенедетто Дженнари в стиле барокко 1688 года изображает пресловутую распутницу Гортензию Манчини (герцогиню де Мазарини) в образе Охотницы Дианы.

Диана — богиня охоты и диких животных в древнеримской религии, эквивалент греческой Артемиды. На картине Манчини окружена черными детьми-рабами, носящими ошейники и смешивающимися с ее домашними собаками.Это ужасное изображение, которое явно приравнивает черных детей к животным.

Что еще хуже, существует множество других картин эпохи Возрождения, использующих тот же тон, что затрудняет обращение к этой работе без признания ее темных истин.

Учитывая проблемную и расистскую историю движения искусства барокко, концепция «африканского барокко» довольно иронична. Это определенно не кажется подходящим для школьной танцевальной темы, даже если она была адаптирована с учетом современного африканского искусства.

В конечном счете, мы не можем игнорировать весь исторический контекст любых форм искусства, отдавая им должное в 21 ^-м -м веке. Будем лучше.

Получите Tempest в свой почтовый ящик. Читайте больше подобных эксклюзивов в нашей еженедельной рассылке!

• Луале Монзе

  Луале Монзе — опытный журналист, копирайтер и стратег по социальным сетям из Йоханнесбурга, Южная Африка.Луале не будет уклоняться от начинать новые проекты, сотрудничать с другими создателями и учиться на ходу. Имея степень бакалавра журналистики и медиа исследований и желание рассказывать значимые истории, она готова покорить мир.

I hadn’t fully realized how racist art history could be until I saw this Baroque painting

Искусство эпохи Возрождения и искусство барокко: понимание разницы

Меня не раз спрашивали, и я встречал разных людей, которые выражали недоумение относительно Baroque vs.Искусство эпохи Возрождения. На самом деле, несмотря на несколько моих курсов по истории искусства и признательности, мне все же потребовалось несколько часов индивидуального обучения, чтобы действительно понять разницу. Большинство людей понимают, что если картина или скульптура созданы в Европе между 1300 и 1600 годами, скорее всего, это произведение эпохи Возрождения. И если это европейская работа 1600-1750 годов, то это барокко. Но если вы не знаете даты работы, или если вы не знаете художника или когда он жил, как вы можете определить, барокко это или ренессанс?

Что ж, прежде чем мы обсудим, что отличает эти два вида искусства, давайте посмотрим на некоторые сходства между искусством барокко и ренессанса, чтобы мы могли ясно понять, почему существует путаница: оба термина («ренессанс» и «барокко») используются для обозначения двух разных вещи, касающиеся изобразительного искусства: историческая эпоха и художественный стиль.Оба термина относятся к определенно европейским эпохам и стилям. Известно, что оба стиля преуспевают в изображении реализма. В обоих стилях используются яркие, вызывающие воспоминания пигменты, и, что, пожалуй, наиболее досадно, так это то, что, когда дело касается предмета, обе эпохи имеют сильные акценты на темы из иудео-христианской Библии или из греко-римской мифологии. Неудивительно, что существует смешение эпох и стилей. Если вы один из них, ободритесь; вы далеко не одиноки.

В качестве основы для изучения разницы между этими двумя эпохами и этими двумя стилями было бы полезно начать с двух ключевых слов.Хорошее слово для искусства эпохи Возрождения — «стабилизировать», а для барокко — «драматизировать». Прекрасный способ продемонстрировать важность этих двух слов — взглянуть на искусство в мире научной фантастики 21-го века. Артисты, работающие во франшизах «Звездный путь» и «Звездные войны», также должны иметь возможность отдельно продемонстрировать драматизм и стабильность.

Продолжение статьи после объявления

ЧАСТЬ I: СТРАТЕГИЯ ЛИНИИ

В «Звездном пути», когда художники и режиссеры хотят показать «Энтерпрайз» (когда он не на варп-скорости) или космическую станцию ​​- K7 или DS9 — неподвижными и устойчивыми, они показывают объект горизонтально с точки зрения зрителя.В качестве альтернативы, чтобы продемонстрировать устойчивость чего-то, что должно быть узким и стоящим, идеальная вертикальная перспектива дает тот же эффект. Это простое устройство, будь то горизонтальное или вертикальное, но наиболее эффективное для демонстрации того, что все в порядке. Теперь давайте разберемся с этим: мы говорим о космосе. Для тех, кто находится внутри корабля или станции, существует четкое движение вверх и вниз, но для самой станции или для самого корабля в космосе нет ни вверх, ни вниз. Если мы с вами приближаемся к космической станции на космическом корабле, мы можем оказаться совершенно по одну сторону или даже вверх ногами по отношению к станции, и никто не почувствует разницу.Но ради кино или телепередачи показ обоих в космосе под одним и тем же углом говорит о том, что все стабильно.

Искусство эпохи Возрождения использует то же устройство и для той же цели, даже если вы редко (если вообще когда-либо) найдете космический пейзаж эпохи Возрождения. Но когда вы видите изображение Мадонны с младенцем или Распятия, ясно подчеркивается использование четко выраженных горизонтальных или вертикальных линий. Иногда художник заходит так далеко, что создает картину, визуально похожую на пирамиду, так что самая широкая часть объекта находится внизу, а самая узкая часть вверху, потому что пирамида является наиболее устойчивой трехмерной формой. .Посмотрите ниже на «Мадонну щегла», которая представлена ​​дважды, чтобы продемонстрировать горизонтальную форму и форму пирамиды в отредактированной версии.

Пирамидальная композиция также применима к скульптуре эпохи Возрождения. Взгляните на знаменитую «Пьету» Микеланджело. Если смотреть спереди, пьедестал и ноги Марии составляют нижнюю часть с Христом, который заметно меньше Марии, стоящим на ее коленях в центре скульптуры, а плечи и голова Марии обозначают вершину.Он, как и многие произведения искусства эпохи Возрождения, соответствует фактору горизонтальной устойчивости.

Однако, как я упоминал ранее, есть еще один способ создать ощущение стабильности в искусстве эпохи Возрождения: вертикальная линия. В большинстве случаев вертикальная линия все еще сопровождается горизонтальной линией, что является одной из причин того, что крест на распятии всегда так выделяется. Кроме того, это не означает, что диагональных линий не будет.То, что мы обсуждаем с идеей стабильности в искусстве эпохи Возрождения, — это большая часть и более заметный фокус композиции. В «Распятии» Андреа Мантенья вертикальные линии подчеркнуты на полюсах трех крестов, но три горизонтальные линии разделены наверху тремя поперечными балками, в средней части — ногами осужденных с вершины голов зрителей, а внизу боковыми линиями ступеней у основания. Ниже представлено «Распятие» Мантеньи сначала без редактирования, затем с редактированием.После этого идут еще четыре сцены распятия, чтобы вы могли сами найти горизонтальные и вертикальные линии.

Как я упоминал ранее, в то время как ключевое слово для эпохи Возрождения — «стабилизировать», ключевое слово для барокко — «драматизировать», но с В концепции драмы также присутствует заметная нестабильность или интенсивная энергия, и художники «Звездного пути» используют некоторые тактики, которые были хорошо известны в Европе в стиле барокко.Когда им нужно показать, что корабль или станция в беде или плывут по течению, они помещают Энтерпрайз или свою станцию ​​под сильным углом с точки зрения зрителя, обычно с чем-то еще на изображении, чтобы подчеркнуть нестандартную ориентацию — другим большим или возможно, более близкий объект.

Другой эффект изображения объекта под углом — демонстрация большой энергии, как на изображении Klingon Cruiser ниже.На этом снимке корабль должен двигаться с большой «варповой» скоростью. Угол наклона корабля помогает передать это ощущение скорости и энергии.

Художники в стиле барокко Европы также понимали этот принцип: строить композицию под углом, чтобы придать энергию, создать нестабильность или добавить драматизма. Однако в стиле барокко имеющиеся здесь линии визуально менее подчеркнуты, чем в эпоху Возрождения. Кажется, что часто в эпоху Возрождения предметы помещают в композицию, чтобы подчеркнуть горизонтальные и вертикальные линии, даже включая сам горизонт.В стиле барокко линии могут начинаться с одной части композиции и продолжаться другой, казалось бы, несвязанной частью композиции. Фактически, иногда черный фон функционирует как диагональная линия. Чтобы сделать различие между двумя эпохами как можно более четким, я продолжу использовать те же нарисованные темы, что и раньше, чтобы вам было легче сравнивать и противопоставлять.

Сначала рассмотрим картину «Мадонна с младенцем и Иоанн Креститель». Горизонтального акцента нет, кроме основания окна, но даже он покрывает менее трети холста и кажется совершенно случайным.Однако есть четкая диагональная линия, частично отмеченная краем красных занавесей, головой и рукой Марии, головой и спиной Христа. Есть также две параллельные диагональные линии: одна идет от головы Марии вниз по ее руке, другая следует за левой рукой Иоанна Крестителя и идет вверх к руке Иисуса. Обратите также внимание на то, что глаза Марии и Христа устремлены на Иоанна, образуя подразумеваемую букву «V» в центре холста. Эта картина представлена ​​ниже, один раз без и один раз с редакционными пометками.

В картине «Мадонна с младенцем» неизвестного бельгийского художника эпохи барокко отчетливо видна линия, идущая от глаз Иоанна Крестителя к глазам Христа и до глаз Иосифа. Обратите внимание, что глаза Марии не включены, но расположены значительно выше линии, проведенной тремя другими, чтобы подчеркнуть ее место на небесах. Это делает еще более заметным ангел, находящийся в центре над ней, но смотрящий на Марию сверху вниз, и это создает вторую линию, почти вертикальную, но не совсем.Третья линия образована углом тела ангела, который образует линию, идущую до макушки Джозефа. Эти три линии образуют почти невидимый треугольник. Также обратите внимание, что на картине почти нет ничего горизонтального. Вместо этого, словно вопреки горизонту, художники использовали платье Мэри, чтобы создать полукруг по низу. И снова эта картина помещена ниже дважды.

То же использование диагоналей используется и в теме Распятия, но с еще большей драматичностью.В «Распятии» Педро Орренте есть очевидная диагональ лестницы, которая удваивается двумя людьми на этой лестнице. Другая линия начинается с левой руки Христа, мимо его глаза и прямо до вершины обвинения, которое должно быть пригвождено к кресту прямо над ним. Другая линия начинается с пальца ноги человека в верхнем правом углу холста, проходит мимо глаз трех свидетелей и следует вдоль линии их тел. Я также указал линию, которая совершенно не видна, скрыта свидетелями, но подразумевается основаниями трех поперечных столбов в земле, и эта линия будет прямо контрастировать с поперечной балкой Христа над ней.

Интересно, что на этой картине есть горизонтальная линия, проведенная по ступням трех осужденных мужчин и к голове и плечам мальчика слева. Это может иметь религиозный подтекст, возможно, предполагающий стабильность, принесенную жертвой Христа, но когда вы рассматриваете абсолютную необходимость взгляда от одного человека к другому и впечатляющее качество искусства, нужно учитывать, что эта линия, проходящая через стопы, абсолютно абсолютно естественна. преднамеренный, и поэтому имеет некоторое значение.

ЧАСТЬ II: ВРЕМЕННОЕ ЗАЯВЛЕНИЕ

Стабильность искусства эпохи Возрождения — это гораздо больше, чем использование горизонтальных и вертикальных линий; необходимо также учитывать временные рамки. Есть причина, по которой композиция мотива «Мадонна с младенцем» эпохи Возрождения часто является пирамидальной и стабильной: в искусстве эпохи Возрождения есть подразумеваемый отрезок времени — от нескольких секунд до, возможно, минут. Я не говорю о «вневременности», когда содержание произведения может иметь место практически в любую эпоху, я говорю о продолжительности времени в самом произведении.

Само собой разумеется, что сцены Распятия предполагают продолжительность, даже несколько отдельных событий, показываемых одновременно. Но в случае Мадонны с младенцем мы можем посмотреть на исполнение этого мотива как у да Винчи, так и у Гирландайо. В последнем из двух есть восхитительная двусмысленность обмена между матерью и ребенком. В каком-то смысле кажется, что Мария смотрит на младенца Иисуса, который отвечает ей взглядом, как любой младенец смотрит на свою мать. Его позиция, когда он опирается на свою мать.. . стабильность. . . может быть чисто детской попыткой непрофессиональной позиции. Даже его жест правой рукой мог быть одним из младенцев, неуверенных в том, упадет он или нет.

В то же время, однако, приглядевшись в их взгляды, можно увидеть, что Иисус на самом деле не смотрит на Марию в ее глаза, а смотрит немного вдаль. Его позицию можно было рассматривать как позицию человека, ведущего глубокую, но небрежную дискуссию, а жест его правой руки можно было рассматривать как указание на будущее на небесах или как контрапункт — почти как если бы Христос в младенчестве все еще имел все возможности. для осмысленного дискурса зрелого взрослого человека.Мария, при ближайшем рассмотрении, также на самом деле не смотрит на младенца Иисуса, а смотрит вниз слева (с ее точки зрения) Иисуса, и ее выражение выражает печаль, возможно, учитывая ужас надвигающейся кончины ее старшего сына на кресте. Однако, как бы вы ни смотрели на картину, внутри композиции затрачивается время. Мария могла продолжать стоять в таком состоянии в течение нескольких часов, как и Младенец Иисус.

Этот принцип верен и в скульптуре эпохи Возрождения.Взгляните на знаменитую статую Давида Микеланджело. Перед нами молодой человек ростом 20 футов в очень устойчивой позе. Его правая нога задействована и в результате полностью вертикальна, как и его правая рука и туловище. Статуя изображает Давида, который вот-вот сразит гиганта Голиафа в битве, а Давид либо обдумывает свою стратегию, либо ждет, пока Голиаф завершит свои обычные насмешки. Так или иначе, эта скульптура требует времени. Дэвид может сохранять эту позу долгое время.

Есть также Давид Донателло, который изображает Давида после его битвы с Голиафом.Его нога опирается на голову гиганта, а задействованная нога твердо стоит рядом с мечом. Скульптура отличается особым настроем, но, опять же, скульптура не имеет непосредственности.

В том же духе рассмотрим выражения лиц этих двух представлений. В обоих есть эмоции; существует отчетливое понимание мысли, транслируемой зрителю, но нет отчетливой мускульной силы ни у одного из субъектов.Опять же, нет причин, по которым эти выражения не могут длиться долго.

В резком контрасте с этими выражениями ниже показано лицо Давида, написанное Джованни Бернини, итальянским скульптором в стиле барокко, чье изображение Давида заставляет его бить по камню Голиафа. На его лице мимолетное выражение напряжения, решимости и отчетливой концентрации человека, использующего хорошо отработанный навык. Дело в том, что это портрет самого краткого из примеров — моментальный снимок движения.

Поскольку это скульптура, а не живопись, мы имеем дело с кривизной, а не с линиями, но к скульптуре в стиле барокко по-прежнему применяются те же углы, что и к живописи; пересекающиеся дуги придают барочной скульптуре такой же динамизм, как и живопись, но в обоих случаях мы находимся в драматических муках мгновения времени. Скульптура Давида Бернини не сможет сохранять свою позу дольше, чем застывший мимолетный фрагмент мгновения времени.

ЧАСТЬ III: ФОН

Последний раздел этой статьи больше касается ключевого слова барокко, чем ключевого слова эпохи Возрождения, потому что он касается фона картин, которые больше влияют на драматизм барокко, чем на добавление. стабильность в эпоху Возрождения. Тем не менее, между ними существует резкий контраст, и его можно исследовать.

В эпоху Возрождения задворки всегда были полностью развитыми частями картин.Это могут быть сцены горизонта или сцены в задней части комнаты, но фоны присутствуют с удивительной детализацией. Как таковые, они мало что делают для стабильности, но добавляют измерение завершенности. Возьмем, к примеру, знаменитую картину Леонардо «Мона Лиза»: портрет молодой женщины, сидящей на балконе с чисто вымышленным фоном вдалеке. У вас все еще есть вертикальные и горизонтальные линии в видимых частях балкона, а также на горизонте. У вас есть отчетливый компонент времени.Ведь сколько человек сможет комфортно сидеть на красивом балконе? И у вас есть полный фон, изобилующий типичным эффектом сфумато в стиле да Винчи (придавая области эффект тумана, заставляя цвета постепенно смешиваться друг с другом). «Мона Лиза» — это все, чем должна быть великая картина эпохи Возрождения.

Однако в барокко фоны считаются настолько незначительными, что часто просто затемняются. Имейте в виду, что иногда — с портретами — художник эпохи Возрождения использовал этот подход, но гораздо реже.Но художники эпохи барокко используют эту концепцию в своих интересах, чтобы драматизировать свои картины. Но опять же, чтобы полностью понять эффект, давайте посмотрим на современный пример: выдающуюся работу Бев Дулиттл под названием «Неизвестное присутствие». Само полотно поразительно горизонтально, более половины его полностью окутано тьмой. Сюжет картины — одинокий путешественник XIX века и его лошадь в тревоге у костра. Их внимание резко погрузилось в темноту. Их выражения выражают удивление, осторожность, бдительность и, возможно, немного страха, когда путешественник тянется за винтовкой.

Не маловажна темнота этой картины. Неважно, что именно заставило путешественника и его лошадь так разбудить их. Темнота, однако, позволяет зрителям драматизировать именно то, что чувствует путешественник. Мы видим, как он смотрит в темноту, и мы тоже. Мы прищуриваемся и пытаемся сфокусироваться на черной краске, точно так же, как путешественник делает или будет делать это в темноте, пытаясь найти слабый намек на то, что там. Это НЕ «ничего.”

Это яркий пример удачного использования так называемого «тенебризма», который, в зависимости от того, как вы хотите сфокусироваться, представляет собой либо саму темноту, либо контраст освещенной области по сравнению с темнотой. Это также известно как «драматическое освещение» и достигается за счет использования очень темных пигментов, не обязательно только черного, и ярко выраженного «светотени», что является названием, данным эффекту света, падающего с одного направления или источник. Художники барокко использовали этот прием, «тенебризм», с большим успехом на протяжении 150 лет.

Взгляните на версию Питера Пауля Рубенса «Связанного Прометея», где тенебризм уносит спину орла в глубины гибели. Взгляните на его «Поднятие креста» и тенебризм прямо за головой Христа. Там тьма настолько яркая, что один человек появляется позади Иисуса из ниоткуда, чтобы помочь поднять крест. Почти вся предыстория Рембрандта — это тьма в его собственной версии «Поднятия креста». Тенебризм можно использовать, чтобы вызвать ощущение мрачности или уныния, или его можно использовать, чтобы подчеркнуть драматизм мгновенного действия, которое, кажется, освещено.

ЗАКЛЮЧЕНИЕ

Да, я полагаю, что я мог бы поговорить о большем: о различном использовании мазков кисти художников, более широком круге тем в стиле барокко, сводящем с ума изобилии греко-римских аллюзий в эпоху Возрождения, но у вас достаточно теперь, чтобы начать собственное исследование двух стилей / эпох. Ключевые слова «стабилизировать» и «драматизировать» для эпохи Возрождения и барокко, соответственно, и то, как они воплощают эти идеи в своем искусстве, остаются совместимыми с другими вещами, которые предстоит открыть, но они четко очерчены в горизонтальной и вертикальной ориентации в Возрождение и очень угловатые ориентации в стиле барокко.Стабильность времени в эпоху Возрождения в отличие от мимолетного момента в стиле барокко. Теперь исследуйте стили на себе и откройте для себя новые отличия.

Ниже приводится краткая викторина с 10 картинами, некоторые из которых выполнены в стиле барокко, а некоторые — в стиле ренессанс. (Их может быть пять, а может и не быть.) Все они пронумерованы, и я призываю вас проверить себя с ними, чтобы увидеть не только то, сколько вы узнали в этой статье, но и насколько четко написана статья. Да, некоторые из них непростые.Сообщите нам, как вы забили и что, по вашему мнению, я могу более четко изложить в статье.

Продолжение статьи после объявления

Ренессанс и искусство барокко Викторина:

Указания: пронумеруйте запасной лист от 1 до 10. Внимательно исследуйте картины по очереди и рядом с каждым номером на вашей странице укажите эпоху картины, написав буквой «R», если работа относится к эпохе Возрождения, и буквой «B», если работа принадлежит к эпохе барокко. Ответы показаны в конце этой страницы.

1

2

3

4

5

6

7

8

9

10

Ответы на викторину ниже

О писателе:

А.Й. Миттендорф — заядлый любитель искусства, который более двух десятилетий изучает историю искусства, оценку искусства и художественную интерпретацию. Он получил степень магистра в области литературы, а степень бакалавра — в области английского образования. Как педагог, он любит писать для международного онлайн-журнала Art, Artists, Artwork, поэтому он может использовать свое образование и навыки в области искусства, чтобы помогать продвигать художников и помогать покупателям выбирать искусство, которое им лучше всего подходит.

Ответы на викторину об искусстве эпохи Возрождения и барокко

1.Барокко: «Христос во время бури на Галилейском озере» (1633) Рембрандта (1606-1669)

2. Барокко: «Распятие Святого Петра» (1600) Караваджо (1571-1610)

3. Возрождение: «Пьета Бандини» (1547) Микеланджело (1475-1564)

4. Возрождение: «Прекрасный сад» (1507) Рафаэля (1483-1520)

5. Возрождение: «Портрет кардинала» (1510) Рафаэля (1483-1520)

6.Барокко: «Призвание святого Матфея» (1600) Караваджо (1571-1610)

7. Барокко: «Человек в золотом шлеме» (ок. 1650 г.) Рембрандта (1606–1669)

8. Барокко: «Экстаз Святой Терезы, авторство Бернини» (1598–1680)

9. Возрождение: «Афинская школа» (1509-1511) Рафаэль (1483-1520)

10. Возрождение: «Венера и Марс» (1483) Ботичелли (1445-1510)

Надеюсь, вам было весело!

Направление искусства барокко: художники и произведения искусства 17 века

Автор: Dan in Research> Art Movements

Барокко Период начался в начале 17 века в Италии и длился более века в некоторых частях Европы.Стиль Baroque artwork сочетает в себе драматические композиции, красивые детали и эмоционально заряженный сюжет, чтобы дать зрителям максимально насыщенное визуальное восприятие.

Фрески и картины в стиле барокко часто встречаются в церквях и соборах по всей Италии и в остальной Европе, в основном потому, что Римско-католическая церковь 17 века знала, что этот стиль искусства можно использовать для продвижения церкви и создания впечатления силы и силы. власть.

Церковь заказала тысячи произведений в стиле барокко, подобных приведенной выше, под названием Успение Девы Марии , специально для этой цели, используя их, чтобы пробудить эмоции масс, изображая религиозные темы и идеалы.

Среди художников раннего барокко были Караваджо, художник, повлиявший на стиль барокко благодаря использованию светотени и интенсивного реализма, и Аннибале Карраччи, который был известен больше своими фресками, чем картинами, написанными маслом.

Картина Караваджо « Взятие Христа » демонстрирует два характерных элемента его стиля — крайние светлые и темные тона с выразительно реалистичными лицами и жестами.

Его работы немного менее грандиозны, чем искусство позднего барокко, но эмоции, движение и драматизм, безусловно, присутствуют.

Питер Пауль Рубенс, с другой стороны, создал очень грандиозные произведения искусства и был, пожалуй, самым успешным и известным художником эпохи барокко своего времени, создавая картины для королей и императоров нескольких стран, а также для церкви по всей Европе.

Вот одна из наиболее мифических картин Рубенса (вероятно, не заказанная церковью) под названием Союз земли и воды.

Рубенс демонстрирует свое мастерство в создании красивой закрученной композиции из нескольких фигур, в то же время безупречно изображая каждый элемент картины — цветы, фрукты, ткань и плоть.

Искусство барокко простиралось далеко за пределы живописи, конечно, в архитектуру, скульптуру и музыку. Со временем искусство и архитектура барокко стали более богатыми и украшенными, пока рококо и неоклассицизм не заменили их в 18 веке.

Мы будем отправлять вам статьи и учебные пособия сразу после их публикации, чтобы вы не пропустили ни одной публикации! Отпишитесь здесь в любое время.

ПРИМЕЧАНИЕ. Вас также может заинтересовать пошаговое руководство по рисованию от EE для художников. Нажмите ниже, чтобы узнать больше!

Этот пост может содержать партнерские ссылки.

Рамы для картин в стиле барокко для продажи | Рамы в стиле барокко на заказ

Все предлагаемые на продажу рамы в стиле барокко делятся на три основные категории: дорогие, доступные и дешевые.В меню каждой страницы категорий вы всегда найдете ссылки на эти три категории.

Выше на этой странице представлены дорогие и доступные по индивидуальному заказу рамы в стиле барокко для картин. Мы решили собрать их вместе, потому что они уникальны. Фактически, единственная разница между двумя категориями связана с рабочим временем. Соответственно, они принадлежат к той или иной категории.

Это точные копии подлинных рам в стиле барокко.Каждая модель была скопирована с существующей оригинальной рамы с упором на детали. Поэтому на первый взгляд вы подумаете, что они подлинные. То есть мы производим их, применяя самые древние техники золочения.

Реплики рам для картин в стиле барокко воспроизводим уже более века. По этой причине мы обладаем исключительными знаниями по этому вопросу. Мы смешали традиционные методы с инновационными, чтобы снизить цены. Таким образом, классические техники, такие как использование водного золочения, по-прежнему доступны по запросу.

Представленные золотые рамы в стиле барокко выполнены из голландского сусального золота. Также наши золочения дополнены хорошей патиной, которая выглядит аутентично. Любой из наших методов требует качественного ручного труда и длительного времени. Следовательно, наши рамы для картин в стиле барокко ценны.

Так как наша миссия — производить рамы для большого количества клиентов, мы решили создать линейку недорогой продукции.Несмотря на то, что эти продукты очень качественные, они используют некоторые технологии обработки, которые значительно снижают стоимость. Короче говоря, мы нашли систему для реализации высокотехнологичных рам по разумной цене.

Наша система в первую очередь основана на трезвости. Производственные этапы, необходимые для достижения существенных результатов, предпринимаются соответствующим образом. В результате для нас необходимы технологические инновации, исследования новых материалов и навыки.

Несмотря на то, что мы используем новые методы, снимая большинство устаревших технологий, мы по-прежнему реализуем сложные индивидуальные рамки в стиле барокко.Многие из них имеют упрощенный орнамент, другие — еще более сложные. Итак, доступные по цене оправы не обязательно должны быть трезвыми. Среди доступных моделей по-прежнему есть место богатым оправам.

Вот, например, недорогая, но очень богатая рама: Cod. 083

Как мы реализовали качественный каталог рам в стиле барокко по низкой цене? Мы создали его, ориентируясь на потребности клиента. Когда мы имеем дело с покупателями, которые ищут товары по разумной цене, упомянутый каталог нам очень пригодится.Иногда их не волнует правильный стиль. Фактически, их основной целью могло быть просто украшение дома, а не коллекционирование картин старых мастеров.

Если вы хотите обрамить картину по низкой цене, вы можете выбрать это решение. Кроме того, это может быть правильным выбором для дешевой зеркальной рамы для декора голой стены.