Фото барокко картины: Шедевры живописи эпохи барокко (описание + местонахождение)

Шедевры живописи эпохи барокко (описание + местонахождение)

Чем знаменита эпоха барокко в искусстве. Яркие представители эпохи 1600-1700 гг. и мировые шедевры живописи в стиле барокко, которые стоит запомнить.

В самом конце эпохи Возрождения в Венеции Тициан с его свободной манерой и чувством цвета положил начало новому направлению в живописи — барокко. Начинание Тициана сразу подхватил Тинторетто, о чем свидетельствуют его грандиозные композиции в церквях. Следующим был Эль Греко, которому также присущи черты барокко (точнее, маньеризма) — яркие цвета и эффекты, связанные с размерами. Но это были лишь предпосылки.

Барокко в его классическом понимании развилось в Риме, а затем по всей Италии, Испании, Германии, Австрии и Нидерландах.

Свое название стиль получил, благодаря движению и эмоциональной наполненности. Художники эпохи барокко развили возникший в период Возрождения натуралистический подход и научились создавать иллюзию реальности.

Объемные, убедительные человеческие фигуры, будто выходили на сцену, где непременно разыгрывалась драма. В работах эпохи барокко обязаны быть резкие контрасты между светом и тенью, чтобы усилить драматический эффект. Если будет насыщенная палитра и выразительные жесты, это еще лучше!

Яркими представителями разгара эпохи были римский архитектор Бернини, фламандские художники Рубенс и Ван Дейк, а также испанец Веласкес. Эпоха барокко в живописи растянулась на сотню лет, приблизительно с 1600 по 1700 гг.

В рейтинге представлено 10 шедевров в стиле барокко, которые находятся не только в разных странах, но даже в разных частях света. Чтобы увидеть их воочию придется побывать в Лувре, Метрополитен-музее, Королевской галерее Маурицхёйс, Уффици и т. д. Одна из картин попала в коллекцию Лихтенштейнов, а местонахождение другого из полотен нам так и не удалось установить.

Топ-12 шедевров барокко

1. «Мужчина в платье с синими рукавами», Тициан

Лондонская национальная галерея (около 1510 г. )

Шедевры барокко: «Портрет мужчины в платье с синими рукавами», Тициан

Похожие статьи

Тициан был самым выдающимся венецианским живописцем XVI в. и одним из величайших художников итальянского Возрождения. В Венеции он получил лучшее для того времени художественное образование, его учителем был Джованни Беллини.

Эта ранняя работа великого Тициана считается портретом итальянского поэта Ариосто, но окончательно изображение так и не было идентифицировано. Картина стала образцом для написания Рембрантом его собственного «Автопортрета в возрасте 34 лет». Обратите внимание, как прорисованы рукава платья!

Барокко в живописи

Живопись Барокко

(в пер. с ит. – «причудливый») принято называть художественный стиль, преобладавший в искусстве Европы в 16-18 веках.

Именно эта эпоха считается началом триумфа «западной цивилизации».

Оно возникло благодаря двум важным событиям Средневековья. Первоначально изменились мировоззренческие представления о человеке и мироздании, благодаря эпохальным научным открытиям того времени. В дальнейшем возникла необходимость власти создать имитацию собственного величия на фоне материального упадка. Для этого стали использовать художественный стиль, прославляющий могущество знати и церкви. Однако человек стал ощущать себя деятелем и созидателем и уже в сам стиль прорвались дух свободы и чувственность.

Этот художественный стиль возник в Италии, в частности в Риме, Мантуе, Венеции, Флоренции, и распространился в другие страны после эпохи Ренессанса. В 17 веке Италия потеряла свое могущество в политике и экономике. Ее территория начинает подвергаться нападению со стороны иностранцев – испанцев и французов. Однако истощенная невзгодами Италия не потеряла своих позиций. Культурным центром Европы все равно осталась Италия. Церковь и знать стремилась показать свою мощь и состоятельность, но так как денег на это не было, они обратились к сфере искусства.

Благодаря ему была создана иллюзия богатства и могущества.

Основными чертами данного стиля являются торжественность, парадность, пышность, жизнеутверждающий характер, динамичность.

Искусство барокко обладает смелыми контрастными масштабами колористики, тени и света, совмещении фантазии и реальности. Живописи этого направления характерны прогрессивные идеи о сложности мироздания, безграничном и многообразном мире, его непостоянстве.

Святое Семейство, Антонис ван Дейк

Томас Говард, 2-й граф Арундель, Антонис ван Дейк

Портрет Филадельфии и Елизаветы Уортон, Антонис ван Дейк

Человек – это часть мира, сложная личность, которая переживает жизненные конфликты.

Интерьер стали украшать портретами, подчеркивающими положение человека в обществе. Также очень популярны портреты правителей, на которых они изображены с античными Богами. Для барокко также свойственны натюрморты с изображением даров природы.

Джованна Гарцони

Благая весть, Филипп де Шампень

Джованна Гарцони

Художники направления барокко

Адриан ван де Вельде, Антонис ван Дейк, Бартоломе Эстебан Мурильо, Братья Ленен, Габриель Метсю, Гвидо Рени, Герард Терборх, Геркулес Сегерс, Давид Тенирс Младший, Джан Лоренцо Бернини, Диего Веласкес, Жан Батист Симеон Шарден, Жорж де Латур, Иван Никитин, Исаак ван Остаде, Каналетто, Караваджо, Клод Лоррен, Корнелис де Вос, Николя Пуссен, Николя Турнье, Питер де Хох, Питер Пауль Рубенс, Пьетро да Кортона, Рембрандт, Теодор ван Тульден, Франс Снейдерс, Франс Халс, Франсиско де Сурбаран, Франческо Гварди, Хендрик Тербрюгген, Хосе де Рибера, Эсайас ван де Вельде, Юдит Лейстер, Якоб Йорданс, Ян Вермеер, Ян Сиберехтс, Ян Стен

Известными представителями барокко являются Рубенс, Ван Дейк, Снейдерс, Йорданс, Маульберч.

Немного художников, даже выдающихся, заслужили честь быть основоположниками этого стиля в искусстве живописи. Рубенс оказался исключением. Он создал волнующую, живую манеру художественного выражения. Этот способ письма присущ его раннему произведению «Святой Георгий, поражающий дракона». Стиль Рубенса характеризуется показом крупных и тяжелых фигур в действии – они возбуждены и эмоциональны. Его картины наделены огромной энергией.

Никому не удавалось изобразить людей и животных в смертельной схватке так, как Рубенсу.

Раньше художниками изучались прирученные звери, они изображали их вместе с людьми. Эти работы обычно демонстрировали анатомические знания о строении животных. Их образы брали из рассказов Библии или мифов. Воображение художника порождало реальные картины сражающихся людей и зверей в настоящей схватке.

К этому стилю относятся и другие мастера живописи, к примеру, Караваджо и его последователи. Их картины реалистичные и обладают мрачными цветами.

Караваджо – наиболее значимый творец среди итальянских художников.

Его картины основываются на религиозных сюжетах. Им создан контраст эпох между поздней античностью и Новым временем.

Марта и Мария Магдалина, Караваджо

Музыканты, Караваджо

Христос у столба, Караваджо

В Германии, Австрии, Словакии, Венгрии, Словении, Хорватии, Западной Украине, Польше, Литве стиль барокко переплетался с тенденциями рококо. Так, во Франции основным стилем 17 века считался классицизм, барокко же считалось до середины столетия побочным течением, но в дальнейшем оба направления объединились в один большой стиль.

В Российской Империи барокко появилось в первой половине 18 века.

Русское барокко не обладало мистицизмом и экзальтацией, характерными для стран Европы, а имело национальные особенности. Русский стиль обладал чувством гордости за государственные успехи и народа.

Живопись освободилась от средневековья и религии и обратилась к темам светского общества, к образу человека-деятеля.

Портрет Екатерины I с арапчонком, Адольский И-Б.Г.

Портрет напольного гетмана, Никитин И.Н.

Портрет Перта I, Никитин И.Н.

Повсеместно эволюция Барокко пришла к грациозности и легкости рококо. Оно переплеталось с этим стилем. А с 1760-ых годов его полностью вытеснил классицизм.

Художниками барокко были открыты новые способы интерпретации формы в пространстве, ее постоянно изменяющейся жизненной динамики. Они активизировали мировоззрение и показали, что жизнь едина с чувственной и телесной сущностью бытия. А трагические конфликты в живописи барокко создавали основу прекрасного.

Творчество. Свобода. Живопись.

Allpainters.ru создан людьми, искренне увлеченными миром творчества. Присоединяйтесь к нам!

Барокко в живописи

4. 4 (88%) 5 голос(ов)

Картины В Стиле Барокко Фото

Можно украсить их богато украшенными обоями или покрасить краской и повесить многочисленные картины для интерьера в стиле барокко, фотографии в красиво рифленой золотой или серебряной оправе.

Стиль барокко в интерьере 45 фото примеров оформления

Подушки должны быть ручной вышивки или хотя бы создавать такое впечатление. К отличительным чертам также относится использование кариатид, атлантов и маскарон. В Испании в манере Караваджо творил Диего Веласкес (1599—1660), а во Франции — Никола Пуссен (1593—1665), который, не удовлетворившись школой барокко, заложил в своем творчестве основы нового течения — классицизма. Помимо Рубенса международного признания добился еще один мастер фламандского барокко, ван Дейк (1599—1641). Этот художественный стиль возник в Италии, в частности в Риме, Мантуе, Венеции, Флоренции и распространился в другие страны после эпохи Ренессанса.

В интерьерах дворцов кровати всегда отводилось особенно важное место. К примеру, прическа «а-ля каденетт». По легенде данную прическу придумала фаворитка Людовика XIV Анжелика де Фонтанж.

Но самой популярной прической была прическа «фонтанж». Культурным центром Европы все равно осталась Италия. Описание картины: одно из самых узнаваемых полотен Рубенса.

Декоративный эффект усиливается разноцветными тканями. Плюс на лоб опускалась небольшая ровная челка. Последователи и подражатели Караваджо, которых поначалу называли караваджистами, а само течение караваджизмом, такие как Аннибале Карраччи (1560—1609) или Гвидо Рени (1575—1642), переняли буйство чувств и характерность манеры Караваджо, так же как и его натурализм в изображении людей и событий. Очень ценились парики с белокурыми локонами.

Гостиным помещениям во времена барокко уделялось особое внимание – в шикарных залах принимали гостей и устраивали балы. Состояла она из подстриженных «лестницей» волос, ровно разделенных на две части. Одно время их могли носить только члены королевской семьи.

Для штор выбирают тяжелые, плотные ткани.

На его возникновение повлияли два важных события Средневековья. Сегодня давайте разберемся с интереснейшим художественным стилем барокко.

Интерьер в стиле барокко – изысканный и утончённый

Церковь и знать стремилась показать свою мощь и состоятельность, но так как денег на это не было, они обратились к сфере искусства. Костюм был подчинен этикету. С творчеством Рубенса новый стиль пришел в Голландию, где его подхватили Франс Хальс (1580/85-1666), Рембрандт (1606—1669) и Вермеер (1632—1675). К его стилю и классу следует уже подбирать ткани – обивочные и декоративные. Прически вырастают в размерах, а количество украшений в них выходит за все рамки приличия.

Пьетро да Кортона сравнивает картины эпохи барокко не с трагедией, что характерно для картин классицизма, а с эпической поэмой и присущей ей широтой повествования, множеством разнородных сюжетов, красочностью и свободной композицией. А с левой стороны была завязана тонкая косичка, украшенная бантом и драгоценностями. Исаак Ньютон в 1689 году создает труд под названием «Математические начала натуральной философии», а также открывает «Закон всемирного тяготения». Однако, это требует большого усердия и затрат. Только отдельные характерные черты барокко были описаны в сочинениях его современников: Марко Боскини (итал. )русск., Пьетро да Кортона, Бернини, Роже де Пиля (фр. )русск.

В декоре – гобелены с цветочным узором, прекрасно дополнявшиеся огромными букетами роз. Важно также тщательно выбирать цвета – сочные, но не яркие. Самыми дорогими считались парики из натуральных волос. Это было связано, в том числе и с появлением отложных воротников. Стиль барокко от маньеризма унаследовал тенденцию поражать воображение.

Барокко в интерьере: примеры оформления, фото

К слову, доходы от продажи париков были существенной графой в казне Франции. В центральной части комнаты стоит установить характерный барочный предмет мебели. На стены принято наносить обои из текстиля или пользоваться декоративной штукатуркой.

В декоре ракушки сочетают с фруктами и располагают на стенах. Также существовал и одноименный головной убор – высокий чепчик «фонтанж». Современные технологии в сфере создания материалов для отделки и ремонта, позволяют дополнить интерьер элементами барокко рококо (не менее причудливый стиль, но более утонченный). В XVII веке снова начинают носить парики. Таких, которые носили мушкетеры. Гигантские шкафы из дерева украшались резными гравировками и однотонными рисунками.

Возле кровати уместно размещение прикроватных тумбочек, массивного трюмо, на которых размещаются дамские шкатулочки и подсвечники (настольные лампы) из бронзы. В этом стиле оформляют не только разнообразные по назначению комнаты — спальни и гостиные, но и залы, кабинеты, прихожие, коридоры.

Создание стиля барокко в интерьере

Платья дам становятся все шире, а их вырезы все глубже. Они отражаются в зеркале, находясь за спиной зрителя, а художник пишет их портрет. Питер Пауль Рубенс (1577—1640) в начале XVII в. учился в Италии, где усвоил манеру Караваджо и Каррачи, хотя и прибыл туда лишь по окончании курса обучения в Антверпене. Мебель зачастую инкрустируется ценными камнями. Людовик XIV был в восторге от данной прически и сделал Анжелике комплимент.

В период барокко мужчины начинают носить рюши и банты, а также чулки. Карл Линнец публикует в 1735-м году известную работу по систематизации биологии «Система природы».

Здесь должен присутствовать блеск золота. На потолке — деревянная лепнина, основой которой становится причудливая резьба. Роскоши может добавить позолоченная фурнитура. В 17 веке Италия потеряла свое могущество в политике и экономике.

Но и сегодня кровати отводится центральное место при оформлении спальных комнат. вытесняется классицизмом. Все фигуры вписаны в круг.

Оно возникло благодаря двум важным событиям Средневековья. Учтите невероятные линии, привлекающие внимание гостей. Впрочем, прически времен Людовика XIII помнят все, кто смотрел «Трех мушкетеров». Прихожая должна быть просторной и светлой. Французские парики покупали и при российском дворе.

Барочный эффект интерьера подчеркнет музыка из той эпохи и большой букет цветов. Это сочетание создает уникальную атмосферу стиля. Парики были пышные и с завивкой.

Франция была законодателем моды в Европе, вот таким образом в других странах быстро переняли французскую моду. Это представление появилось, благодаря критикам XVII века. Кровать. Волосы для париков могли продавать либо нищенки, либо заключенные, волосы которых (при условии, что они были хорошими) остригались насильно. фото).

10 шедевров барокко, которые нужно знать (10 ФОТО)

Галилей доказывает предположение о том, что Земля вращается вокруг Солнца. Однако истощенная невзгодами Италия не потеряла своих позиций. Также необходимо позаботится об эффектном украшении окон, постелить на стол толстую бархатную скатерть, а кровать украсить впечатляющим куполом-балдахином.

Барокко любит шик, пышность и удобство. Такой интерьер наполнен красивыми, но часто «тяжелыми» объектами. В почете — парча. Прическа «фонтанж» имела множество вариантов – ее главная особенность высота (завитые локоны, расположенные горизонтальными рядами надо лбом) и множество украшений. В академических спорах с Андреа Сакки последователи Пьетро да Кортона отстаивали преимущества барочного изображения, которое не требовало от зрителя тщательного анализа каждой фигуры и внимательного «чтения» сюжета для раскрытия всех оттенков смысла, а развертывало перед смотрящим «сияющий, гармоничный и живой общий эффект, способный вызвать восхищение и изумление»34.

Барочная живопись можно назвать вершиной реализма в европейском искусстве. Франция торговала своими париками.

Стиль барокко в интерьере квартиры: особенности дизайна, отделка, мебель и декор

Названа прическа была в честь герцога Лотарингского Каденетта. Тонкими колоннами заменяют несколько стен, что дает открытость пространству. Рубенс прославился изображением пышнотелых женщин. Нередко можно было встретить развернутые колоннады значительных масштабов. Микеланджело Меризи (1571—1610), которого по месту рождения близ Милана прозвали Караваджо, считают самым значительным мастером среди итальянских художников, создавших в конце XVI в. новый стиль в живописи.

Мягкие гарнитуры (диваны, кресла с деревянными ножками, стулья) обивались дорогостоящими материалами насыщенных оттенков. При дворе царили строгий этикет, сложный церемониал. Герои изображены в полумраке из которого лучи света выхватывают выразительные жесты персонажей, контрастно выписывая их характерность. Благодаря ему была создана иллюзия богатства и могущества. Шахматная черно-белая плитка – очень популярное решение для прихожей в стиле барокко (см.

55 идей стиля барокко в интерьере и советы по оформлению

Отсюда и появилась мода осветлять, а именно посыпать пудрой парики других цветов. Чаще встречаются элементы показной роскоши, нежели сдержанные мотивы. Для отделки стен прихожей подойдут плотные обои с вертикальными орнаментными полосами.

После чего все придворные дамы стали украшать свои головы подобным образом. Это время абсолютизма.

---

Стили в живописи: от ренессанса до абстракционизма

Барокко, рококо, классицизм… Это все стили в живописи. Некоторые существовали в конкретную эпоху. Тогда достаточно посмотреть на дату создания картины и понять, какой это стиль.

Но многие пересекались во времени: один стиль ещё в моде, а другой уже наступает ему на пятки. В таком случае даты не всегда помогут.

Хорошо бы знать основные черты каждого стиля. Ещё лучше – понимать, почему тот или иной стиль возник.

С чего вдруг художники переключились с прекрасного ренессанса на вычурное барокко.

Почему строгий классицизм был вытеснен зыбким импрессионизмом.

И зачем художники повально отказались от эстетики и ударились в экспрессионизм.

А потом и вовсе отошли от узнаваемых образов, увлёкшись абстракционизмом.

Разберём каждый стиль. Начнём с ренессанса.

Позади средневековье и торжество духа над телом. Плоские лица и бесформенные одежды во множестве населяли готические соборы.

Ренессанс же сместил фокус с духовного на телесное. Вернее на человека красивого и благородного.

Почему стиль ренессанс возник

В Италии в конце 15 века картины стали заказывать не церковники, а банкиры.

Они были людьми не только богатыми, но и образованными. Читали древнегреческих поэтов. А заодно ещё и видели найденные скульптуры Древнего Рима. Их в то время много раскапывали.

Сандро Боттичелли. Рождение Венеры. 1484 г. Галерея Уфицци, Флоренция

Желание любоваться телесной красотой и восприятие человека, как мыслящего и достойного существа – таков был настрой заказчиков. Художники эти пожелания услышали.

Время расцвета стиля

Стиль ренессанс (или эпохи возрождения, что одно и то же) расцвел в конце 15 века, начиная с работ Боттичелли. И завершился в конце 16 века, работами Тициана.

Тициан. Венера Урбинская. 1538 г. Галерея Уффици, Флоренция.

Характерные черты стиля ренессанс

На картинах эпохи возрождения весь фокус – на человеке. Поэтому в это время почти не встречаются пейзажи и совсем нет натюрмортов. Это одна или несколько фигур. Чаще в спокойной и неподвижной позе. Красивые и благородные черты лица. Уверенный взгляд на зрителя.

Рафаэль. Портрет Бальдассаре Кастильоне. 1514-1515 гг. Лувр, Париж

Если это святой, то он почти не отличается от человека. Часто под образом Мадонны или древнегреческой богини скрывались возлюбленные, супруги или дочери.

Боттичелли, например, в образе Венеры изобразил восхищавшую его реальную девушку, Симонетту Веспуччи.

Сандро Боттичелли. Рождение Венеры. 1484 г. Галерея Уффици, Флоренция

Лицо или руки выполнялись в технике сфумато, то есть как будто покрытые дымкой. Эту технику придумал Леонардо да Винчи. Она позволяет сделать изображение человека более живым. Его Мона Лиза выполнена как раз с эффектом сфумато.

Леонардо да Винчи. Мона Лиза (фрагмент). 1503-1519 гг. Лувр, Париж

Картины Возрождения часто яркие. Эпоха полутонов и нежных оттенков ещё впереди. О колорите ещё мало заботились. По сути просто раскрашивали красивые формы.

Микеланджело. Ливийская сивилла. 1508-1512 гг. Фрагмент росписи Сикстинской Капеллы, Ватикан

Яркий пример стиля ренессанс

Самых красивых и благородных в Эпоху Возрождения писал Рафаэль. Пожалуй, он самый классический художник стиля ренессанс. Вот его “Мадонна в зелени”.

Рафаэль Санти. Мадонна в зелени. 1505-1506 гг. Музей истории искусств, Вена, Австрия

В ней есть почти все, чем славится Возрождение. И красота, и благородство, и сфумато.

Художники стиля ренессанс

Боттичелли, Леонардо да Винчи, Микеланджело, Тинторетто, Тициан.

Стиль ренессанс не исчез бесследно со смертью Тициана. Его черты вобрал каждый последующий стиль.

Художники всех мастей боготворили Рафаэля. Жесты и улыбки его героев повторены сотни раз в картинах на протяжении 300 лет. Точку в этой всеобщей любви к ренессансу поставили импрессионисты. Но о них позже.

О художниках Ренессанса читайте в моей статье “6 великих мастеров эпохи возрождения”.

Ренессанс, безусловно, прекрасен. Но статичен и аскетичен. С цветом художники Возрождения тоже не особо возились. Поэтому часто их работы похожи на раскраски (не считая Тициана, конечно).

А вот стиль Барокко все эти моменты учел. Барокко – это движение, роскошь и виртуозный колорит.

Рубенс. Вознесение Марии. 1618 г. Музей Кунстпаласт, Дюссельдорф

Почему стиль барокко возник

Вера в человека и республика, как форма правления, в Италии долго не продержались. Вернулась монархия. А монархам нужна была другая живопись.

Заказчики хотели показать себя во всей красе и с размахом украшать свои дворцы. Нужны были пышность и блеск. Художники быстро уловили, куда ветер дует. Так появился барокко.

Питер-Пауль Рубенс. Пребытие Марии Медичи в Марсель. Из цикла картин «Галерея Медичи». 394×295 см. 1622-1625 гг. Лувр, Париж

Время существования барокко

Расцвет барокко – это 17 век. Но в этом стиле создавались полотна вплоть до начала 19 века. Это стиль, который дольше всех продержался в истории искусства. Роскошь и ослепляющий блеск были в моде аж 200 лет.

Орацио Джентилески. Даная. 1621 г. Музей Гетти, г. Лос-Анджелес, США

Характерные черты барокко

Куча-мала из обнаженных тел, копьев и экзотических животных – самое что ни на есть барокко. Если смотрите и на ум приходят слова «как эмоционально и динамично», значит это барокко.

Питер-Пауль Рубенс. Охота на крокодила и гиппопотама. 1616 г. Старая Пинакотека, Мюнхен

Ещё барокко – этакая смесь живописи и театра. Неяркий свет выхватывает из тьмы драматическое действо. Сюжеты выбирались под стать: сцены пыток христианских мучеников, убийства и переломные моменты в жизни святых.

Караваджо. Обращение савла. 1600 г. Церковь Санта-Мария-дель-Пополо, Рим

Яркий пример стиля барокко

Кучу-малу из людей и животных любил Рубенс. Его «Охота на львов» – тому подтверждение.

Питер Пауль Рубенс. Охота на львов. 1621 г. Старая Пинакотека, Мюнхен.

А вот мастером театральной барочной живописи был Караваджо. Движения у него не такие зашкаливающие, как у Рубенса. Но эмоций и драмы у него хоть отбавляй. Как в картине «Положение во гроб».

Караваджо. Положение во гроб. 1602 г. Пинакотека Ватикана

Главные художники стиля барокко

Динамичное барокко (рубеновское) ищите у Симона Вуэ и Тьеполо.

Театральное барокко (так называемый караваджизм) ищите у Рембрандта, Джентилески (и у отца, и у дочери), а также Мурильо.

Еще учтите один момент. Барокко “страдает” излишествами. Но не только нарисованными. Огромное полотно 5 метров в длину и массивная позолоченная рама – идут, как правило, в придачу.

Барокко и Рококо часто путают. Но у них есть принципиальное отличие. Барокко – про помпезность. Рококо – про изящество. Барокко про сильные эмоции, даже эмоциональный надрыв. Рококо – про поверхностные чувства.

Франсуа Буше. Юпитер и Каллисто. 1744 г. ГМИИ им. А.С. Пушкина, г. Москва

Почему возник стиль рококо

Однажды заказчики устали от драмы и накала страстей. Захотелось легкой болтовни, флирта и поцелуев. Так возник стиль рококо.

Жан-Оноре Фрагонар. Украденный поцелуй. 1780-е года. Эрмитаж, Санкт-Петербург

А если серьёзно, появлению стиля способствовала мадам Помпадур, любовница французского короля Людовика XV. Она любила ангелочков, цветочный орнамент и нежные цвета.

Период расцвета рококо

Век рококо был коротким. Как говорится, отдохнули и хватит. Так что стиль просуществовал всего лет 50 (с середины 18 века до начала гражданской войны во Франции). Кровожадной гильотине были не к лицу легкомысленные образы.

Франсуа Буше. Мадам Помпадур. 1756 г. Старая пинакотека, Мюнхен

Характерные черты стиля рококо

Большинство героев – розовощёкие (но не пышные, как в барокко) девушки среди цветов и кавалеров. Все довольны и счастливы. Барочной драмы как и не бывало.

Томас Гейнсборо. Портрет дамы в голубом. 1778-1782 гг. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург

Художники стиля рококо пользовались тонкой кисточкой – мелкие листочки, тонкий слой краски, крохотные детали.

Антуан Ватто. Паломничество на остров Киферу. 1717 г. 129 × 194 см. Лувр, Париж

Яркий пример стиля рококо

Классическая картина в стиле рококо – это «Качели» Фрагонара. Тут и флирт, и тонконогая девица. О ней можно почитать в моей статье “Качели Фрагонара: главный шедевр эпохи рококо”.

Жан Оноре Фрагонар. Качели. 1767. Собрание Уоллеса, Лондон

Главные художники стиля рококо

Упомянутый Жан-Оноре Фрагонар, Антуан Ватто, Франсуа Буше, Томас Гейнсборо.

Все-таки оговорюсь, что рококо – это не всегда пустозвонная праздность. Те же “Качели” Фрагонара не так поверхностны, как может показаться поначалу. Предстоящую драму в отношениях можно почувствовать, взглянув на мрачные ветви деревьев. Гениальный художник может написать глубокое произведение даже в стиле рококо.

Параллельно с барокко возник классицизм. Полная ему противоположность. Вместо накала страстей – бесстрастность. Вместо переплетенных тел – выверенные пропорции и порядок. Как будто картины рисовали математики.

Никола Пуссен. Аркадские пастухи. 1650 г. Лувр, Париж

Почему стиль классицизм возник

Причину стоит искать в разнице вкусов заказчиков. Часть из них жаждали гармоничных пропорций античности. По сути классицизм – это возврат к ренессансу, но в более строгом варианте, под стать чопорным и высокомерным аристократам.

Жак-Луи Давид. Клятва Горациев. 330 × 425 см. 1784 г. Лувр, Париж

Более же экстравертные и истероидные по психотипу герцоги и князья предпочитали пышное барокко.

Так появилось два лагеря: любители классицизма и любители барокко.

Характерные черты

Классицисты выбирали сюжеты, далекие от жизни: о богах и богинях, о правителях Древнего Рима, гладиаторах и спартанцах.

Муссини. Спартанский мальчик наблюдает последствия пьянства. 1850 г. Лувр, Париж

Классицизм не только удовлетворял вкусы отдельных заказчиков, но и стал официальным искусством. У классицистов были свои академии, поэтому их называли академистами.

Они обучали учеников четким правилам живописи. Правильные пропорции, перспектива, моделировка объема светотенью, колорит в виде трехцветки.

Вильям Бугро. Данте и Вергилий в аду. 1850 г. Музей д’Орсе, Париж

Поэтому классицизм – самый распространённый стиль живописи. Пожалуй, в этом стиле создано больше всего полотен за всю историю искусства.

Период расцвета классицизма

Он был в моде в 17 веке. А затем вновь расцвел в конце 18 века. В основном за счет любви со стороны Наполеона.

Жак-Луи Давид. Наполеон на коне (фрагмент). 1798 г. Галерея Бельведер в Вене

Яркий пример классицизма

За классицизмом стоит обращаться к французскому художнику Пуссену. В его работах Вы встретите все черты этого стиля.

Никола Пуссен. Великодушие Сципиона. 1640 г. ГМИИ им. А.С. Пушкина, г. Москва

На картине “Великодушие Сципиона” все упорядочено и логично. Герои стоят в ряд. Никто ни на кого не наваливается, как у Рубенса.

Художник использует классическую трехцветку “синий-красный-желтый”. Эмоции приглушены: они здесь не так важны, как жесты и позы героев.

Главные художники

Никола Пуссен, Жак-Луи Давид, Анибале Карраччи, Вильям Бугро.

Классицизму не повезло. Если другие стили эволюционировали, то с этим рьяно боролись вольнодумные художники. Те, кто хотел творить по велению сердца, а не так, как учат в академиях.

В результате классицизм сломили импрессионисты. А окончательно затоптали экспрессионисты.

Есть кое-что, что объединяет все стили, существующие до импрессионизма. Это гладкая живопись. Скрытие мазков, натуралистичность и внимательность к деталям были важны почти всегда, начиная с 14 века.

Но импрессионизм смело пошатнул все эти традиции.

Клод Моне. Впечатление. Восход солнца. 13 ноября 1872 г. 7 часов 35 мин утра. Музей Морматтен-Моне, Париж.

Почему стиль импрессионизм возник

В 19 веке изобрели фотографию. Изображать реальность с помощью кисти и красок стало ни к чему. Аристократ мог пойти в фотоателье и сделать свой реалистичный портрет. Причём очень быстро.

Художники поняли, что реальность больше в их услугах не нуждается. Передавать этот мир в деталях уже нет смысла. Они сосредоточились на собственном впечатлении от увиденного – на живых людях, солнечных зайчиках и шелесте травы.

Клод Моне. Стог сена на закате возле Живерни. 1891 г. Музей изящных искусств, Бостон, США.

Характерные черты

Импрессионизму свойственна жизненность: они писали своих современников в кафе или на прогулках. В отличие от классицистов, которые изображали древне-римских героев или богов с богинями.

Константин Коровин. Парижское кафе. 1890 г. Государственная Третьяковская галерея, Москва

Также импрессионисты выработали свою технику. Вместо гладкой живописи – видимые, быстрые мазки. С помощью них они создавали иллюзию вибрации воздуха и солнечных бликов.

Пьер-Огюст Ренуар. Портрет актрисы Жанны Самари. 1877 г. ГМИИ им. А.С. Пушкина (Галерея искусств Европы и Америки 19-20 вв.), г. Москва

Время расцвета импрессионизма

Активно в стиле импрессионизм работали во второй половине 19 века. Совсем недолго. Как и рококо, этот стиль просуществовал тоже не более 50 лет.  

Но его расцвет закончился совсем по другой причине, чем у рококо. 

Эдгар Дега. Голубые танцовщицы. 1897 г. Галерея искусств Америки и Европы 19-20 вв. ГМИИ им. А.Пушкина, Москва.

Импрессионисты изменили способ мышления творческих людей. Они показали, что можно писать не только видимую реальность. Но нечто другое. В их случае – быстротечные эффекты солнца, тумана и сумерек. 

Другие художники пошли дальше. И начали писать свой внутренний мир (экспрессионизм), придуманную реальность (абстракционизм), или почти ничего (минимализм).

Яркий пример импрессионизма

Импрессионизм зародился во Франции. Так что самые яркие импрессионисты – французы. Классическая импрессионистическая работа – “Качели” Ренуара.

Огюст Ренуар. Качели. 1873 г. Музей Орсе, Париж

Здесь обычные горожане 19 века отдыхают в парке. Никаких исторических сюжетов, как у классицистов. При этом все изображено с помощью крупных разноцветных мазков. Даже тени цветные.

Главные художники

Клод Моне, Огюст Ренуар, Эдгар Дега, Константин Коровин.

Почитайте мою статью «7 великих художников-импрессионистов»

Для особо влюблённых в импрессионизм я разработала онлайн-курс «Импрессионизм: формула и главные герои».

Однажды художники отказались рисовать реальность. И переключились на свой внутренний мир. Они решили с помощью форм и цвета показывать свои эмоции и тем самым вызывать эмоции у нас. Так родился экспрессионизм.

Почему экспрессионизм возник

Экспрессионизм был следующим и логичным шагом после импрессионизма.

Импрессионисты все-таки были реалистами, изображающими окружающий мир, в первую очередь свето-воздушные эффекты. Свои эмоции и своё отношение к происходящему импрессионисты оставляли за кадром.

Но некоторым художникам реализм изрядно надоел.

Первым свой внутренний мир в свою живопись впустил Ван Гог. Он начал деформировать цвета и формы, исходя из собственного отношения к объекту.

Ван Гог. Портрет доктора Гаше. 1890 г. Частная коллекция

Лицо доктора Гаше зеленоватое и неправильной формы. Явно в реальности оно таким не было.

Мастером выразить свои эмоции на холсте был и современник Ван Гога, Эдвард Мунк. Он смело выражал свои эмоции на картине, ещё больше деформируя формы.

Эдвард Мунк. Вечер на улице Карла Иоанна. 1892 г. Коллекция Расмуса Мейера, Берген

У Мунка лица и вовсе похожи на черепа, обтянутые кожей. Это ещё дальше от реальности, чем даже у Ван Гога.

Время расцвета стиля

Экспрессионизм расцвёл в начале 20 века, как отклик на ужасы Первой Мировой войны. 

Слишком сильные эмоции испытывали художники. Эстетика прошлых лет стала для них неприемлема. Мир трещал по швам, и боль и разочарование выплескивались на холст.

Оскар Кокошка. Автопортрет. 1917 г. Музей фон дер Хейдт, Вупперталь. Maximonline.ru

Основные черты экспрессионизма

Так как эмоции выражались сильные и чаще негативные, то главная черта экспрессионизма – это дисгармония и уродство.

Эгон Шиле, например, намеренно подчеркивал все самое некрасивое в человеке.

Эгон Шиле. Танцор. 1913 г. Музей Леопольда, Вена

А в дисгармонии особенно преуспел Хаим Сутин. Его деформированные пейзажи как будто отображены в кривых зеркалах.

Хаим Сутин. Красная лестница в Кане. 1923 г. Музей искусства авангарда (МАГМА), Москва

Ещё экспрессионизм узнаваем по ярким цветам в виде больших пятен и полос, а также плоскому изображению. Моделирование объема и правда отвлекает от цвета, а главное – от эмоций. Как на “Автопортрете с моделью” Кирхнера.

Эрнст Людвиг Кирхнер. Автопортрет с моделью. 1926 г. Гамбургский кунстхалле. Artchive.ru.

Яркий пример стиля экспрессионизм

Икона экспрессионизма – это «Крик» Эдварда Мунка. 

Эдвард Мунк. Крик. 1893 г. Национальная галерея Норвегии в г. Осло.

Конечно, она создана ещё до ужасов первой мировой. Но сам Мунк был настолько экспрессивным человеком, что в его шедевре и без того страха и отчаяния хоть отбавляй.

Главные художники экспрессионизма

Много экспрессионистов было в Германии и Австрии. Кокошка и Шиле – это австрийцы. Из немецких можно назвать Нольде и Кирхнера.

Эмиль Нольде. Маски. 1911 г. Художественный музей Нельсона-Аткинса, США. Russiaartnews.ru.

И повторюсь, что яркими экспрессионистами также был норвежец Эдвард Мунк и живший в Париже выходец из Белоруссии Хаим Сутин.

Работы экспрессионистов кажутся отталкивающими. Но, парадокс, в этом скрыта и их притягательная сила.

Ведь интересно же заглянуть в душу другого человека. И увидеть там страх, надрыв, надлом, болезненную страсть. Что мы и делаем, когда смотрим на картины экспрессионистов.

Продолжение — в статье «Экспрессионизм. Стиль живописи, его истоки и изобретатели». 

Абстракционизм часто не любят и обесценивают по типу «Это и я так могу намалевать». 

Но именно этот стиль очень сильно повлиял на наш мир. Поэтому его так важно понять. А полюбить – это уже по желанию :).

Почему возник абстракционизм

Однажды Кандинский увидел в своей мастерской незнакомую картину. Это было что-то несуществующее, но очень гармоничное. Через 10 секунд художник понял, в чем дело. 

Это был его пейзаж, который он сам же прислонил боком к стене. 

Василий Кандинский. Композиция 4. 1911 г. Художественное собрание земли Северный Рейн, Дюссельдорф

Так великого художника осенило, что узнаваемые образы мешают воздействовать на зрителя. Ведь можно просто правильно подобрать цвета и линии, чтобы вызвать ощущение гармонии. Так же, как набор звуков соединяется в мелодию и вызывает приятные переживания у слушателя.

Время расцвета стиля

Для многих художников открытие Кандинского стало откровением. Оказывается, не обязательно ЧТО-ТО изображать. И не обязательно выискивать нужный сюжет или образ, а можно просто экспериментировать с цветом и формой!

При этом у художника все равно оставалась цель. Либо достичь с помощью конкретных сочетаний цветов и форм ощущения гармонии. Либо чтобы вызвать конкретную эмоцию. Но чаще и то, и другое.

Жоан Миро. Улыбка пылающих крыльев. 1953 г. Фонд Жоана Миро, Барселона. Pinterest.com.

Так что абстракционизм расцвёл сразу же после открытия Кандинского в 1910 году и было ведущим стилем в течение всего 20 века. Его расцвет пришелся на середину XX века в том числе благодаря знаменитым абстракциям Поллока.

Джексон Поллок. Осенний ритм (номер 30). 1950 г. Музей Метрополитен в Нью-Йорке, США. Artchive.ru.

Главные черты абстракционизма

Абстракционизм легко узнать. Если Вы не можете на картине узнать образ, значит это абстракция. Недаром его называют ещё беспредметным искусством.

А вот уже сама абстракция может быть самой разной. Но можно выделить два основных ее вида. Лирическую, состощую из текучих форм. Как у Кандинского и Моро.

А второй вид – это геометрическая абстракция. Началась она с квадратов и кругов Казимира Малевича. А продолжилось разноцветными решетками Пита Мондриана. 

Пит Мондриан. Композиция с большой красной плоскостью. 1921 г. Муниципальный музей в Гааге. Wikiart.org.

В США возникла ещё одна разновидность – абстрактный экспрессионизм. Как Вы уже поняли, цель у него была вызвать эмоции у зрителя. Гениально это получалось у Марка Ротко.

Марк Ротко. Желтый и оранжевый. 1968 г. Собрание Филлипса, Вашингтон. Artchive.ru.

Яркий пример абстракционизма

В России абстракционизм четко ассоциируется с Малевичем и его  «Чёрным квадратом». 

Казимир Малевич. Чёрный супрематический квадрат. 1915 г. 79,5 х 79,5 см. Государственная Третьяковская галерея, г. Москва.

О смысле и тайне картины читайте в моей статье «Черный квадрат» Малевича. Почему это шедевр».

Главные художники абстракционизма

Кандинский и Малевич были первыми абстракционистами.

А подхватили их идеи такие гениальные художники, как Пит Мондриан, Марк Ротко, Жоан Миро, Джексон Поллок и Пауль Клее.

Пауль Клее. Статично-динамичная градация, 1923 г. Музей Метрополитен в Нью-Йорке. Abstractcritical.com

Многие плохо относятся к абстракционизму. Тогда как его влияние на нашу жизнь огромно.

Когда художники освободились от необходимости творить только известные образы, они стали много экспериментировать с формой.  Все это переходило в скульптуру и архитектуру. А потом – в мебель и одежду.

И мы не успели оглянуться, как абстракционизм поделил наш мир на «до и после». До него – это виньетки и ажурная мебель. После него – строгий шрифт и лаконичные формы наших шкафов.

Об этом стиле читайте подробнее в статье «Василий Кандинский: как зарождался абстракционизм».

Проверьте себя

Я предлагаю Вам проверить, как Вы усвоили основные стили.

Какая из этих картин написана в стиле рококо?

Какая из этих картин написана в стиле ренессанс?

Какая из этих работ написана в стиле экспрессионизма?

Если Вы ответили на все три вопроса – «слева», значит Вы хорошо разбираетесь в стилях живописи.

В первом вопросе слева – картина Фрагонара “Щеколда”. Справа – картина Рубенса “Охота на волка и лиса” (барокко).

Во втором вопросе слева – картина Рафаэля “Форнарина”. Справа – “Обнаженная в солнечном свете” Ренуара (импрессионизм).

В третьем вопросе: две картины Кандинского. Работа слева написана в 1909 году (Импровизация 3) и на ней мы различаем образы: всадника, здания. Это экспрессионизм.

На работе справа 1913 года («Композиция» из Эрмитажа) образы НЕ различимы. Это уже абстракционизм.

***

Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.

Комментарии других читателей смотрите ниже. Они часто являются хорошим дополнением к статье. Ещё вы можете поделиться своим мнением о картине и художнике, а также задать вопрос автору.

Автор: Оксана Копенкина

Перейти на главную страницу

PS. Проверьте свои знания, пройдя онлайн-курс «Насколько Вы разбираетесь в живописи»

Facebook

Twitter

Вконтакте

Одноклассники

Pinterest

Похожее

Прихожая в стиле барокко (50 фото дизайна)

Оформление помещения в стилистике определенной эпохи подразумевает собой изобилие дорогостоящих деталей и материалов, а также большое пространство помещения. Именно по этой причине дизайн прихожей в стиле барокко можно встретить крайне редко. Данная стилистика подходит только комнатам частных домов или коттеджей, чьи габариты позволяют использовать самые смелые решения в декорировании.

Прихожая в стиле барокко обязательно должна быть светлой и просторной

Особенности стиля

Барокко представляет собой стиль, сочетающий разнообразие форм, роскошь отделки и предметы мебели учитывая лучшие царские традиции. Для создания столь изысканного интерьера необходимо использовать предметы, выполненные исключительно из натуральной древесины с техникой резьбы по дереву или позолоченной поверхностью.

Многоцветная роскошь — именно так можно коротко охарактеризивать этот стиль

Для того чтобы оформить прихожую в стиле барокко, нужно много пространства, которое будет украшено изобилием массивной мебели вкупе с богатыми элементами декора. Причина в том, что данная стилистика из Италии была создана тогда, когда все представители аристократии и купечества предпочитали большие дома и не отказывали себе на украшении дома роскошными предметами.

Барочные мотивы представляют витиеватые позолоченные рамы картин

Главными особенностями стиля барокко являются:

1. Огромное количество различных предметов декора из золота, натуральных материалов;
2. Некая вычурность дизайна;
3. Гармоничное сочетание оттенков, фона и общего обустройства интерьера;
4. Просторные помещения.

Стиль барокко не только роскошен, но и очень элегантен

Цветовая палитра

При выборе цветовой палитры следует основываться на гармонии оттенков. Для данной стилистики редкий случай использования обилия различных ярких деталей, всё должно быть роскошно и изящно. Как правило, используются палитры терракотовых, темно-зеленых, красных, бордовых, коричнево-зелёных, пурпурно и сине-золотых цветов. Немного деталей с цветочным орнаментом придадут прихожей эстетичности и легкости.

Контрастный шахматный узор – очень характерное решение для барочного интерьера

Для прихожей, оформленной в данном стиле, предусматривается белая отделка поверхности стен. В качестве ненавязчивых акцентов используется декор из лепнины, позолоченные пилястры. Вдобавок стены должны идеально комбинировать с полом и потолком.

Роскошная мебель в интерьере прихожей барокко

В стиле барокко характерна отделка пола из дерева, камня керамической или мраморной плитки, каменной мозаики, так как данные материалы служат идеальным фоном для декорирования помещения плавными линиями, цветочными узорами. Для декорирования потолочной поверхности стандартно применение лепнины или фресок. Технику лепнины чаще всего располагают рядом с роскошной люстрой или в углах, а также на колоннах, при их присутствии. Благодаря броским элементам декора, дизайн прихожих в стиле барокко даже на фото выглядят очень эффектно.

Лепнина в интерьере прихожей в стиле барокко

Совет! Для отделки пола прихожей можно использовать шахматную черно-белую плитку, которая является самым распространенным вариантом.

Мебель в стиле барокко

В мебели данной стилистики должны преобладать плавные изгибы, декорирование лепниной, художественной росписью или резьбой по дереву. Текстиль и мебельная обивка необходимы из дорогостоящих, изящных полотен, например, шёлка, бархата, атласа или парчи, с цветочными орнаментами. Они могут быть как нежных оттенков, так и насыщенных и благородных.

Шкаф из дерева дорогих пород в прихожей в стиле «барокко»

Освещение

Для стиля барокко важную роль играет освещение, исходящее из больших окон в помещение и отражающееся большими зеркалами. Но, так как в прихожей редко можно встретить источники дневного света, то используются искусственные светильники. В эпоху барокко с наступлением тёмного времени суток использовались свечи, обрамленные роскошными подсвечниками, выполненных из натурального дерева. На сегодняшний день можно использовать готовые светильники, изготовленные в форме свечей.

Освещение в прихожей в стиле барокко

Также для данной стилистики допустимо применение крупных люстр из хрусталя, различных позолоченных хрустальных светильников или бра, изысканных торшеров с резными ножками.

Роскошная хрустальная люстра в огромной прихожей в стиле барокко

Элементы декора в стиле барокко

Прихожая должна иметь много свободного пространства, благодаря чему каждая грациозная деталь будет выделяться на общем фоне. Дополнительно большая прихожая позволит использовать как можно больше аксессуаров для декора помещения, что характерно для стиля барокко.

Аксессуары

Для придания прихожей данной стилистики атмосферы богатства и помпезности используют различные вазы, подставки, которые размещают на полу или столе, вешалки, урны для зонтов. Данные детали поддерживают королевский и изысканный интерьер с помощью позолоты, лепнины с присутствием плавных форм и изгибов.

Также для барокко характерно применение различных скульптур, хрустальных или фарфоровых статуэток. Для стилизации можно добавить такие детали, как веер, трость, шкатулку на столешнице, старинные позолоченные часы и т.п. Букеты живых пышных цветов в дорогостоящей вазе – отличное решение для подобного интерьера.

Зеркало

Зеркало – важная деталь стиля барокко. Для прихожей допустимо применение нескольких зеркал различных параметров, обрамленных массивной деревянной или позолоченной рамой. Декорирование рам резьбой по дереву или росписью идеально впишется под стилизацию помещения. Металлическая оправа с ковкой также идеально вписывается в интерьер барокко.

 

Текстиль

Дополнить и подчеркнуть общее обустройство прихожей в стиле барокко и рококо помогут шёлковые или шерстяные коврики ручной работы с классическими узорами, хрустальные светильники с различными подвесками или позолотой, что можно увидеть на фото.

Совет! Чтобы ваша прихожая была похожа на комнату королевского дворца эпохи барокко, используйте картины или полотна известных мастеров с роскошной рамой, соответствующие всему интерьеру, для украшения стен.

Стиль барокко будет по нраву тем людям, которые не боятся демонстрировать любовь к роскоши, богатству и аристократичности. Прихожая, выполненная в данной стилистике, благодаря своей гармоничной грациозности произведёт на ваших гостей только положительные и восторженные впечатления, а для вас интерьер будет создавать королевскую атмосферу торжества и красоты.

Видео:

Прически в стиле барокко – фото, картины и история

Государство – это я.
Людовик XIV

«Король-солнце» — именно так называли французы своего короля Людовика XIV из династии Бурбонов. Королем Франции Людовик стал в 1643 году, когда ему не было еще и пяти лет. Регентом при сыне была назначена мать короля Анна Австрийская. Отцом Людовика XIV был Людовик XIII, хорошо известный всем нам по книге А. Дюма «Три мушкетера».

Гиацинт Риго. Портрет Людовика XIV. 1701
В парике.

Времена правления Людовика XIV также не раз упоминались как во многих литературных произведениях, так и становились площадкой для развития сюжетов в кино. К примеру, в начале ХХ века была издана серия романов про Анжелику (авторство Анн и Серж Голон), которые рассказывают не только о судьбе главной героини, но и о самой эпохе правления «короля-солнца».

XVII век, а это и есть время Людовика XIV, период господства в искусстве стиля барокко. Чтобы понять, что такое барокко, достаточно зайти в оперу. Барокко – это чрезмерная роскошь, огромные размеры, тяжелые и дорогие материалы. Барокко – это стиль дворцов. Время для пиров и безудержного веселья.

Кадр из фильма «Анжелика и король»
Прически XVII века

То же самое и относительно внешности – самые изящные наряды, дорогие украшения, обилие косметики, причем как у мужчин, так и у женщин. В период барокко мужчины начинают носить рюши и банты, а также чулки. Еще никогда силуэт мужского костюма не был столь женственным, а необходимость ухаживать за своей внешностью, используя помады, пудру и духи, не была столь обязательной для мужчин. Платья дам становятся все шире, а их вырезы все глубже. Прически вырастают в размерах, а количество украшений в них выходит за все рамки приличия. В XVII веке снова начинают носить парики.

Мужские прически эпохи барокко

В первые десятилетия XVII века в моде еще были короткие стрижки, пришедшие из Испании и возникшие в связи с модой на высокие воротники (воротник-фреза).

Шарль Антуан Куапель. Портрет Мольера.
Прическа из длинных завитых волос и усы «шевалье» — в виде узкой полоски над верхней губой, концы усов завивались.

Однако уже в 20-30-е годы XVII века в моду входят прически из длинных волос – волосы завиваются, подвязываются бантами. Это было связано, в том числе, и с появлением отложных воротников. Таких, которые носили мушкетеры. К примеру, прическа «а-ля каденетт». Названа прическа была в честь герцога Лотарингского Каденетта. Состояла она из подстриженных «лестницей» волос, ровно разделенных на две части. А с левой стороны была завязана тонкая косичка, украшенная бантом и драгоценностями. Плюс на лоб опускалась небольшая ровная челка. Впрочем, прически времен Людовика XIII помнят все, кто смотрел «Трех мушкетеров».

Шарль Лебрен — король Людовик XIV в молодые годы — портрет написан в 1661 году

Во времена Людовика XIV мужчины также будут носить прически из длинных волос и украшать их бантами, но с одним существенным отличием – это уже будут прически не из своих волос, а прически на париках. Считается, что мода на парики была введена Людовиком XIV в связи с одним очень досадным фактом – монарх облысел. После чего парики начал носить как сам Людовик, так и придворные.

Кадр из фильма «Анжелика и король»
Парик и усы «шевалье»

Парики были пышные и с завивкой. Создание париков стало возможным благодаря изобретению королевского лейб-медика Эрве – способу крепления волос к маленькой шапочке, обтянутой шелковой тонкой сеткой. Самыми дорогими считались парики из натуральных волос. Волосы для париков могли продавать либо нищенки, либо заключенные, волосы которых (при условии, что они были хорошими) остригались насильно. Очень ценились парики с белокурыми локонами. Одно время их могли носить только члены королевской семьи. Отсюда и появилась мода осветлять, а именно посыпать пудрой парики других цветов. Франция торговала своими париками. Французские парики покупали и при российском дворе. К слову, доходы от продажи париков были существенной графой в казне Франции.

Женские прически периода барокко

Кроме мужских париков существовали и женские. Однако, дамы все же чаще делали прически из своих волос, лишь добавляя искусственные локоны.

Голландский художник Каспар Нетшер. Портрет леди Филиппы Стонтон, 1668.
Прическа, похожая на прическу «Мадам Севинье»

В период, когда Людовик XIV был еще ребенком, женские прически походили на детские. К примеру, в моде была прическа «аль-анфан» («по-детски»), состоящая из завитых локонов, подвязанных лентой вокруг головы.

Также в середине XVII века была популярна прическа маркизы Севинье – завитые волосы, собранные в пучки вокруг головы. Прическа «фейерверк», которую ввела в моду королева Анна Австрийская, — спереди волосы были плоско уложены, а сзади собраны в массивный пучок, на плечи спускались змеевидные и штопорообразные локоны.

В 60-е годы XVII века носили прическу «Мария Манчини». Прическа была названа в честь итальянской знатной дамы. Она состояла из уложенных над ушами двух полушарий из завитых мелкими локонами волос. Очень похожей по силуэту на прическу «Мария Манчини» была и прическа «юрлю-берлю», популярная в 70-е годы XVII века. Ее авторство принадлежит первой известной в истории женщине-парикмахеру Мартине.

Голландский художник Каспар Нетшер. Елена Катарина де Витте, 1678
Прическа «юрлю-берлю»

Но самой популярной прической была прическа «фонтанж». По легенде данную прическу придумала фаворитка Людовика XIV Анжелика де Фонтанж. Ее прическа растрепалась во время охоты, и она просто завязала свои волосу подвязкой с драгоценностями в высокий пучок на макушке. Людовик XIV был в восторге от данной прически и сделал Анжелике комплимент. После чего все придворные дамы стали украшать свои головы подобным образом. Прическа «фонтанж» имела множество вариантов – ее главная особенность высота (завитые локоны, расположенные горизонтальными рядами надо лбом) и множество украшений. Также существовал и одноименный головной убор – высокий чепчик «фонтанж».

Мария Анжелика де Фонтанж

Портрет королевы Франции Марии-Антуанетты. Прическа «фонтанж».

Прическа «фонтанж»

В последние годы правления Людовика XIV женские прически становятся более скромными. В моду входит прическа «смирение» — гладко зачесанные волосы с пучком на затылке.

В XVII веке Франция становится законодательницей моды. Французский двор начинает диктовать моду для всех королевских дворов Европы. А Париж, как столица Франции, став столицей моды в XVII веке, не теряет своего звания по сей день.

Вильманн Михаэль — немецкий художник, живописец стиля барокко.

Вильманн Михаэль 1630—1706 (нем. Michael Leopold Lukas Willmann, 27 сентября 1630, Кёнигсберг (ныне Калининград Российской Федерации) — 26 августа 1706, Леубус (ныне с. Любиаш) Силезия (ныне Польша) — немецкий живописец стиля барокко.

Первые уроки живописи получил у отца, Кристиана Петера. Решающим для творческого развития М. Вильманна послужила состоявшаяся около 1650 года поездка в Голландию и Фландрию, во время которой он познакомился с картинами, оказавших на него влияние Рубенса, Рембрандта и Ван Дейка. Из-за недостатка средств Вильманн не смог посетить Италию, чтобы завершить свое художественное образование.

В 1657—1658 годах М. Вильманн служил художником при берлинском дворе, недолго в Праге, затем в Бреслау, где около 1656 года у него возник конфликт с местной гильдией художников. В 1660 году живописец переехал и поселился в Леубусе, обзавелся семьей, открыл художественную мастерскую и прожил до конца жизни, работая, в основном, для местных цистерцианцев. Розже поселился в монастыре Лейбус, где писал алтарные картины для окрестных монастырей, а также пейзажи, церковные портреты и мифологические картины («Похищение Европы», 1679).

Библейские сюжеты занимали основное место в творчестве Вильманна. Многочисленные фрески художника до сегодняшнего дня украшают церкви и монастыри Силезии.

Современники называли художника «силезским Рафаэлем».

Самая большая коллекция полотен М. Вильманна ныне находится в национальном музее Вроцлава. Некоторые полотна М. Вильманн, считавшиеся утерянными, находят и сегодня.

Умер живописец в монастыре Лейбус в Нижней Силезии.

 

Интересные факты

В польском Вроцлаве (бывший прусский Бреслау) во время уборки на чердаке католической церкви св. Антония священник Марек Новацки  (Marek Nowacki) обнаружил  ценные картины немецкого художника Михаэля Вильмана (Michael Leopold Lukas Willmann; 1630—1706),  называемого  «Силезским  Рембрандтом».

В частности,  на чердаке  находилась редкая картина художника, изображающая католического святого Иоанна Капестрано (Capestrano, +1456).

Картины Вильмана, по-видимому, были спрятаны  на чердаке после Второй мировой войны.

Вильманн Михаэль

Вильманн Михаэль

Вильманн Михаэль

Вильманн Михаэль

Вильманн Михаэль

Вильманн Михаэль

Вильманн Михаэль

Источник: Википедия

Похожие записи

Искусство и архитектура барокко Обзор движения

Le debarquement de Marie de Médicis au port de Marseille le 3 ноября (ок. 1622-1625)

Художник: Питер Пауль Рубенс

На этой картине изображено прибытие королевы Франции Марии де Медичи, одетый в сияющее серебро, в сопровождении великой герцогини Тосканской и герцогини Мантуанской, высаживается на красный парапет. Солдат в синем плаще с золотым узором fleur-de-lis , обозначающим Францию, открывает руки, чтобы поприветствовать ее. Над ней мифологическая крылатая фигура, представляющая Славу двумя трубами, возвещает о ее прибытии в брак с королем Генрихом IV. Диагональ красного парапета, идущего от золотой носовой части корабля, создает ощущение движения, а также разделяет картину на два разных мира; элегантный и изысканный мир благородства наверху и классическая мифологическая сцена внизу. Три греческие наяды, богини моря, обеспечивающие безопасное плавание, заполняют нижнюю часть кадра. Слева от них Нептун с седой бородой протягивает руку, чтобы успокоить море, а рядом с ним бог Фортуны прислоняется к лодке, управляя ею.Эти мифологические фигуры придают величие и аллегорическое значение прибытию Королевы, но в то же время три обнаженных наяды своей динамичной чувственностью затмевают это событие.

Мастерские композиции Рубенса, сочетающие богатство истории и аллегории с изображением характерных моментов в сценах визуального изобилия, были очень востребованы знати. Беззастенчивая чувственность его обнаженных в полный рост обнаженных женщин также была новаторской, и настолько самобытной, что их до сих пор называют «Рубенески». «Как писал искусствовед Марк Хадсон:« Он импортировал в Северную Европу протобарочную живопись Тициана и Микеланджело и суровый реализм Караваджо, объединив их в физически гигантское, чувственно перегруженное, торжествующее католическое искусство ».

Это было одно. из 24 картин, заказанных Марией Медичи в 1621 году после убийства ее мужа Генриха IV, чтобы создать цикл, увековечивающий ее жизнь. Возможно, она также была мотивирована изображать свое законное положение как напряженность между правящими фракциями во Франции и «иностранная» королева привела к изгнанию из двора в 1617 году.Рубенса, самого известного художника Северной Европы, привлекли к участию в комиссии, поскольку она дала ему разрешение исследовать светскую тему, которую он мог проинформировать с помощью аллегорических и мифологических трактовок. Историк искусства Роджер Авермаэте писал о работе: «Он окружил ее [Марию Медичи] таким обилием приспособлений, что в каждый момент она почти отодвигалась на задний план. Рассмотрим, например, , Высадка в Марселе , где все смотрят только на сладострастные наяды, в ущерб королеве, которую Франция принимает с распростертыми объятиями. «

Работы Рубена оказали влияние на таких художников, как Веласкес, и информировали последующих художников рококо, включая Антуана Ватто и Франсуа Буше. Он также оказал влияние на Эжена Делакруа, Поля Сезанна и Пабло Пикассо. Хотя его пейзажи менее известны, его пейзажи также повлияли на Дж. М. У. Тернера, Джона. Констебль и Томас Гейнсборо. Как писал Марк Хадсон: «От Рембрандта, Ватто и Делакруа до Сезанна и Пикассо, чувственность Рубенеска сильно и глубоко пронизывает западное искусство»

Искусство барокко в 9 картинах, экстравагантность, драма и цвета | by Regia Marinho

Искусство барокко — это художественное направление и стиль, начавшийся примерно в 1590 году в Риме и распространившийся на большую часть Европы.

Это искусство, которое противостоит психологическим и социальным ожиданиям, которое пытается превратить распад во что-то генеративное, реплицирующее в стиле барокко, не связанное с прогрессом и желающее — как выразился Уолт Уитмен — «сдерживать множество . ‘~ Джерри Зальц (искусствовед из Нью-Йорка)

Движение барокко развилось из искусства эпохи Возрождения и последовало за движением маньеризма. А примерно в 1725 году последовало движение в стиле рококо.

Стиль барокко использовал экстремальное движение и легко интерпретируемые детали для создания драматизма, напряжения, изобилия в скульптуре, живописи, архитектуре, литературе и музыке.

Здесь мы взглянем на этот стиль, исследуя его яркое искусство.

Живопись.

Картина в стиле барокко — картина, связанная с культурным движением в стиле барокко. Картина, имеющая характеристики движения

Барокко … Художники использовали интенсивные и теплые цвета, в частности, основные цвета — красный, синий и желтый, часто помещая все три в непосредственной близости.

Художники эпохи барокко работали, чтобы отличаться от художников эпохи Возрождения и периода маньеризма после него.

С этого периода искусства у большинства картин есть одна общая черта: драма.

Художники эпохи барокко, такие как Пуссен и Рубенс, достигли обостренного чувства драмы через движение.

И это действие было вдохновлено сказками из Библии и историями из древней мифологии.

В Риме.

Призвание святого Матфея ; Караваджо 1599–1600. Церковь Святого Людовика французского. Рим.

Призвание святого Матфея ; Караваджо; 1599–1600.Масло на холсте. 3,2 х 3,4 м.

В Вене, Австрия.

Четыре континента Питера Пауля Рубенса. около 1615 года. Художественно-исторический музей. Вена, Австрия.

Четыре континента ; Питера Пауля Рубенса. около 1615 года. Холст, масло. 209 х 284 см.

В Париже, Франция.

Энтони ван Дайк.

Карл I на охоте. около 1635 года.

Холст, масло. 2,66 х 2,07 м. Лувр.

Карл I на охоте Энтони ван Дейка. 1635.

На самом деле важно не то, какой у вас инструмент: барочный или современный, а ваше мышление. ~ Саймон Рэттл.

В Вене, Австрия.

Ян Вермеер.

Аллегория живописи или искусство живописи, 1666–67. Художественно-исторический музей, Вена

Ян Вермеер, Аллегория живописи или искусство живописи , 1666–67, 130 x 110 см., Художественно-исторический музей, Вена

Мы с женой сражаемся за домашний декор.Мой стиль идет от готики до барокко. Она минималистична. ~ Джо Бастианич

В Валлетте. Мальта.

Впечатляющий собор Святого Иоанна — римско-католический собор в Валлетте, посвященный святому Иоанну Крестителю.

Он был построен Великим Магистром Ла Кассиером между 1573 и 1577 годами. Интерьер был в значительной степени украшен Маттиа Прети, калабрийским художником и рыцарем, в разгар периода барокко.

Собор Святого Иоанна, Валлетта. Мальта

В Калифорнии.

Музей Дж. Пола Гетти.

Ян Брейгель Старший, Вход животных в Ноев ковчег , 1613.

Ян Брейгель изобрел «райский пейзаж», поджанр, который включал сочетание пейзажа и живописи животных.

Вход животных в Ноев ковчег.

В Мадриде, Испания.

Диего Веласкес.

Эта картина озаглавлена… Сдача Бреды, 1635 год.Холст, масло. Это в музее Прадо в Мадриде.

Я вернусь в следующем году в музей Прадо, чтобы снова увидеть картины барокко.

Диего Веласкес, Сдача Бреды , 1635, холст, масло, Музей Прадо, Мадрид.

В Амстердаме.

Рембрандт ван Рейн.

Синдики гильдии суконщиков, 1662.

Картина написана маслом на холсте. Размер: 191,5 × 279 см (75,4 × 109,8 дюйма). Рейксмузеум, Амстердам.

Рембрандт ван Рейн, The Syndics of the Clothmaker’s Guild , 1662, холст, масло, 191,5 × 279 см (75,4 × 109,8 дюйма), Рейксмузеум, Амстердам.

Люблю барочные вещи.

~ Кровь Вейеса.

Спасибо и будьте в безопасности.

_Regia Marinho.

Октябрь, 2020

Искусство и архитектура барокко | Оксфорд Арт

Введение

Версаль, вид на фасад Garden Front, работы Луи Ле Вау и Жюля Ардуэна Мансара, 1668–1685; фото: Giraudon / Art Resource, NY

Барокко было основным европейским стилем в изобразительном искусстве 17 века.Этот термин охватывает различные национальные стили, которые варьируются от сложного и драматического итальянского искусства 17 века до сдержанных жанровых сцен, натюрмортов и портретов, характерных для голландского барокко. В Италии Караваджо рисовал алтари и вводил нововведения, такие как драматические световые эффекты, которые повлияли на таких художников, как Артемизия Джентилески. Другие художники, такие как Джованни Баттиста Гаулли и Пьетро да Кортона, исполнили иллюзионистские потолочные картины. Джанлоренцо Бернини, самый знаменитый римский художник эпохи барокко, создал знаменитый балдахино (центральный алтарь) собора Святого Петра и новаторские скульптурные произведения, такие как Аполлон и Дафна .В Испании Франсиско де Сурбаран написал набожные религиозные картины, а Диего Веласкес стал великим художником испанского барокко.

В Северной Европе Нидерланды были разделены на две части: Северные Нидерланды (современные Нидерланды) и Южные Нидерланды (современная Бельгия и часть Франции), каждая из которых обычно именуется Голландией (север) и Фландрией (юг). Питер Пауль Рубенс и его мастерская доминировали в искусстве Фландрии, создав драматические и мощные религиозные запрестольные изображения и портреты правящих семей Италии и Франции.Одним из таких примеров является сложная серия аллегорических персонификаций Марии Медичи. Пейзаж, натюрморт и жанровая живопись были основными видами работ, производимых для голландского рынка. Такие произведения, как цветочные натюрморты Рэйчел Рюйш, интимные жанровые картины Иоганна Вермеера, подвижные религиозные картины и проницательные портреты Рембрандта, иллюстрируют эти новые виды искусства. Во Франции искусство выражало мощь и престиж монархии и преимущественно использовало классицизм греко-римской традиции.Самым обширным архитектурным проектом 17 века был Версаль, его дворец и сады, в котором классический стиль использовался для передачи абсолютистской власти французской монархии при Людовике XIII и Людовике XIV. Многие заботы художников барокко, такие как прямое наблюдение за миром вокруг них, эмоциональное и драматическое выражение, а также манипуляции со светом и цветом, повлияли на более поздние стили, такие как неоклассицизм и романтизм.

Очерки

Биографии

• Бернини, Джанлоренцо
• Борромини [Кастелли], Франческо
• Караваджо, Микеланджело Меризи да
• Карраччи
• Кортона, Пьетро да
• Джентилески, Артемезия
• Гуарини, Гуарино
• Hals, Frans
• La Tour, Georges de
• Мадерно, Карло
• Пьюджет, Пьер
• Рембрандт ван Рейн
• Рубенс, Питер Пауль
• Веласкес, Диего

Назад ко всем предметным руководствам

«Случайное возрождение» на Reddit сравнивает фотографии с великими произведениями искусства.

«Я был поражен тем, как эти маленькие деревянные коробочки, полные клочков бумаги, о которых никто никогда не заботится, вдруг, в этот единственный момент, стали самым священным объекты американской республики », — говорит Кристофер Нигрен, профессор искусства эпохи Возрождения и барокко в Университете Питтсбурга, о том, что видел изображение Дулиери после того, как жестокая толпа штурмовала здание.

На любых других выборах, в любое другое, более стабильное время такая картина не казалась бы столь значимой. Но для Нигрена фотография напомнила средневековые и ренессансные изображения Ковчега Завета.

«Глядя на аналогичное изображение переносимого важного предмета, — говорит он, — вы понимаете, что в конце дня Ковчег Завета был потерян».

За последние четыре года не было недостатка в публичной политической драме — от длинных саг о расследованиях и импичменте в России до повседневных поворотов сюжета: увольнений, исполнительных распоряжений, неожиданных твитов. А дома давление пандемической жизни породило мини-драмы: гнев кофейника, клятва о выполнении домашних обязанностей, тирания коробок для пиццы.

В частных и общественных местах мы сталкиваемся с хаосом. Как говорится, это «беспрецедентно». Но если в нашем мире нет прецедентов, возможно, мы недостаточно оглядываемся назад. Возможно, наиболее убедительный способ понять это, как это делает Нигрен, — через картины. Может быть, мы найдем наши собственные взлохмаченные дома в домах голландского художника Золотого века Яна Стена или ключи к нашему извращенному политическому ландшафту в ярких библейских образах Питера Пауля Рубенса.

Или, может быть, даже в Интернете — на популярной странице Reddit под названием «Случайное возрождение», где почти 800 000 кабинетных историков искусства обсуждают современные фотографии, похожие на классические картины. В 2014 году Алексис Смит, известная под своим именем пользователя «openmindedskeptic», создала страницу после того, как изображение драки в украинском парламенте сравнили с картинами эпохи Возрождения.

Эти сравнения, часто забавные, также кажутся шокирующе честными. Они отодвигают в сторону внешний вид настоящего и ощущение того, что то, что мы переживаем, уникально для времени, в котором мы живем.Остались чистые эмоции, эхом разносящиеся сквозь века.

Интернет-форум с тысячами сообществ, называемый «субреддитами», Reddit известен как бессвязными разговорами на нишевые философские темы, так и причудливыми группами, такими как люди, которые притворяются, что жизнь — это видеоигра. Это место, где царят странные сопоставления.

За кулисами «Случайного возрождения» Барб, которая попросила называть ее только по имени из соображений конфиденциальности, помогает модерировать сабреддит.Поклонница Артемизии Джентилески, склонная к падению в «червоточины Интернета», она иногда перебирает сотни изображений в день, оценивая их художественные достоинства по таким параметрам, как композиция, освещение и предмет — и попутно изучает историю искусства. Это трудоемкий процесс — особенно в связи с крупными новостными событиями, когда сайт переполнен материалами, — и для него требуется очень специфический человек.

«Большинство людей, обладающих проницательностью и глазом, чтобы отличить Ренессанс от всего, что делают гораздо более интересные вещи с их художественной степенью / интересом», — пошутила она в электронном письме.

За пределами Reddit термин «случайный ренессанс» стал разговорным — сокращением цифрового изображения, которое вызывает ощущение просмотра хорошо составленной картины. По крайней мере, эта фраза полезна для обозначения того, что изображение заслуживает большего, чем беглый взгляд, который вы бы бросили на разнообразную фотографию в Instagram.

Но тот факт, что этот термин вошел в обиход, также говорит о времени. Такие историки искусства, как Нигрен, скажут вам, что часть «Возрождения» — неправильное название.Многие изображения, считающиеся «случайным возрождением», отличаются резкими контрастами (светотень) ярких цветов и ярких диагоналей. Они больше вписываются в период барокко, когда изучение человеческих эмоций стало высшим приоритетом европейских художников.

В барокко, по словам Нигрена, все «ставится на 11 баллов». То же самое можно сказать и о мире в 2021 году.

Через призму «Случайного Возрождения» текущие события становятся окнами в длинную визуальную историю. Перед широким столом, в комнате, забитой задумчивыми зеваками, Джеймс Б.Свидетельство Коми вызывает напряжение в «Тайной вечере». В окружении юристов в обрамлении часов, напоминающих ореол, прямо над ее головой, Кристин Блейси Форд становится святым образом , подходящим для картины Рафаэля. А сенатор Тед Круз — с поднятой головой и люминесцентным светом позади него — переосмыслен как «Страсть Круза».

Их сходство с высоким искусством может быть непреднамеренным, но не случайно образы, выходящие из этого момента, поддаются религиозным сравнениям. Политическая поляризация сделала контраст между противоборствующими сторонами столь же интенсивным, как свет и тьма на картинах Караваджо. И высокие ставки — продолжающаяся пандемия, безудержное неравенство, демократия на грани — привели нас к разделению нас и наших лидеров на картину грешников и святых.

То, что также объединяет многие образы, названные «случайным Возрождением», — говорит Нигрен, — это ощущение повествования. Социальные сети обнажили большую часть политической арены; мы знаем сюжетные линии, и мы вкладываемся в персонажей. И поэтому, когда представлен образ двух упавших сторонников Трампа, плачущих с эмоциональностью «Разоблачения Христа» Эль Греко, или женщины, стоящей перед вереницей полицейских с храбростью «Вмешательства сабинянок» Жака-Луи Давида , »Возникает сюжетная линия.Иногда спасенные, иногда презираемые, мы, как набожные любители библейских образов, причастны к тому, что видим.

Но это не , а все такие серьезные. В конце концов, это Reddit.

Несомненно, «случайное Возрождение» отражает нашу политическую среду — где страсти накаляются так высоко, что с таким же успехом можно смотреть, как Давид убивает Голиафа в прямом эфире по кабельным новостям. Но он также раскрывает абсурдность жизни, застрявшей внутри — когда работа с посудой и перемещение по заваленному мусором полу может начать ощущаться как ваша собственная одиссея.

Для Нигрена термин «случайное Возрождение» можно свести к умелому изображению эмоций.

«Художники эпохи Возрождения обладают экономией стиля и масштабов, а также человеческими телами, благодаря которым они могут передать вам всю полноту человеческих эмоций всего на нескольких квадратных футах холста», — говорит он. «То, что мы видим на фотографиях« случайного Возрождения », похоже на это — это несколько квадратных дюймов пикселей, которые достигают чего-то глубоко человеческого».

На недавнем снимке «случайного возрождения», сделанном на мероприятии в Овальном кабинете, президент Трамп рассеянно смотрит вдаль, в то время как бывший борец Дэн Гейбл жестикулирует, как римский оратор, а маленький мальчик лежит на полу в ракурсе, как херувим упал с потолка Сикстинской капеллы.

Вы практически можете почувствовать, как он переживает. Театральное искусство. Драма. Претензии. Над ним.

Когда изображение стало вирусным, новостные сайты опознали ребенка как внука Гейбла. Но, действительно, после событий последних недель он мог быть любым из нас. Он мог быть всеми нами.

42 Захватывающие дух подводные фотографии, которые выглядят более драматично, чем картины в стиле барокко

Гавайский фотограф Кристи Ли Роджерс всю жизнь была одержима водой, и ее последняя работа «Музы» прекрасно это подчеркивает.Будучи пионером в подводной фотографии, Роджерс разработала настолько передовой стиль и технику, что заслужила всемирное признание. Ее работа охватывает уникальное качество преломления света между поверхностью и слоями воды, а ее личный подход — уважать и исследовать хрупкость нашего существования в окружающих нас элементах. Завитки переплетенных фигур и их струящаяся драпировка делают фотографии Роджерса столь же драматичными, как картины 17-го века.

«Я люблю воду и счастлив, когда идет дождь, так что это была естественная связь», — сказал фотограф Bored Panda .«Я вырос в окружении воды на острове Оаху. Сначала меня привлекли эти естественные дихотомии в воде свободы, невесомости, пространства и безмятежности, а затем, с другой стороны, — неспособность дышать, уязвимость, давление и хаос. ; так что это мощный инструмент для выражения тех же проявлений в жизни и особенно в человечестве ».

«Мы все так связаны с водой, состоят из воды и получили жизнь через воду, поэтому это должно быть важно. Но мы принимаем это как должное и загрязняем наши океаны и реки, как опустошительные животные.Мои изображения стали возможны только с водой как художественным источником и инструментом. Это как в фильме «Моана», где вода оживает ».

« Моя голова хаотична, — добавила она. — Вдохновение приходит со всех сторон, причем много раз почти не исчерпывающим образом. Я бы сказал, что музыка — моя главная кровь, фильм и поэзия. Я нахожу огромное вдохновение в диких и романтических историях из древнего фольклора и греческой мифологии, Эльфов Дж. Р. Р. Толкина, Атлантиды, поэзии Микеланджело, идей эпохи Возрождения, фильмов Федерико Феллини, текстов о пространстве и времени, потрясающих костюмах и декорациях. Баз Лурманн, Muse, тексты песен U2, старые фильмы Жоржа Мели, музыка Ицхака Пермана, Ханса Циммера, Coldplay, Imagine Dragons и Дэнни Эльфмана для Cirque du Soleil.Но несмотря на все это, мое главное вдохновение по-прежнему — красота и безумие человечества, включая меня ».

В поисках надежды и свободы Роджерс почувствовала, что просто должна выразить себя именно таким образом. жизнь или она гниет. Однако процесс не был плавным. «Перед каждой съемкой я нервничаю внутри, и я не знаю почему», — сказала она. «Такое ощущение, что так и будет. быть последними изображениями, которые я когда-либо делал. Я пытаюсь увести зрителя в место, которого нет здесь, и в этом есть некоторая облачность.То, что я должен чувствовать, а не задумываться ».

Подробнее: christyleerogers.com | Facebook | Instagram

Приложение, которое превращает ваши фотографии в картины эпохи Возрождения, стало настолько популярным, что рухнуло

Если вы когда-нибудь хотели Чтобы увидеть, как вы могли бы выглядеть глазами Рембрандта или Рафаэля, вот ваш шанс.

Через неделю после того, как интерес к русскому фото-приложению резко возрос, FaceApp заполнила наши новостные ленты старыми версиями наших друзей, новым приложением для преобразования лица поворачивает головы.

Приложение под названием AI Portraits использует искусственный интеллект, чтобы изменить фотографию любого человека так, чтобы она напоминала старую картину, с особым акцентом на портретную живопись 15-го века.

Возможно, он не сломал Интернет, но он перерастает свой домен: в среду веб-сайт не работал в течение нескольких часов.

«Из-за огромной популярности сайта мы в настоящее время закрыты на техническое обслуживание», — говорится в сообщении на сайте.

Если вы когда-нибудь хотели увидеть актера Джейсона Момоа глазами классического художника, AI Portrait может сделать это за вас.Предоставлено: Getty Images / AI Portrait AR

Превратите свое лицо в искусство

AI Portraits использует данные из десятков тысяч картин, от эпохи Возрождения до современной эпохи.

Разработанный исследователями из лаборатории искусственного интеллекта Watson MIT-IBM, AI Portraits использует дуэльные нейронные сети для создания генератора, который «смотрит на примеры и пытается имитировать их», согласно MIT Technology Review.

В данном случае сравниваются фотографии с 45 000 картин в программе старых мастеров, таких как Тициан и Рембрандт.

Технология также создает «дискриминатор», который определяет, является ли данный пример подделкой.

Этот тип алгоритма может использоваться для различных целей, например для обнаружения дипфейков, фальшивых видеороликов, которые выглядят как настоящие записи реальных людей.

У программы действительно есть основное слепое пятно, говорится в MIT Technology Review: поскольку улыбка была редкостью на портретах эпохи Возрождения, ИИ с трудом показывает ваше ликование, если вы вставляете улыбающееся селфи.

Шедевр Караваджо продан таинственному покупателю перед аукционом

Проблемы конфиденциальности

AI Portraits работает иначе, чем FaceApp, который вызывал скепсис в отношении его политики конфиденциальности и того, что он был разработан в России.Политика конфиденциальности

AI гласит: «Ваше изображение будет отправлено на сервер IBM в США, обработано IBM с единственной целью создания портрета в стиле эпохи Возрождения на основе информации о пикселях из загруженного изображения, а затем будет немедленно удалено. »

Все технологические компании глубоко озабочены тем, как они обрабатывают пользовательские данные, и в момент своей славы на FaceApp обратили пристальное внимание.

У него было соглашение о конфиденциальности, которое, казалось, позволяло ему делать практически все, что угодно, с фотографиями, загруженными пользователями.

Но в заявлении для TechCrunch компания сообщила, что «большинство изображений удаляются с наших серверов в течение 48 часов с даты загрузки». FaceApp также отметила, что 99% его пользователей не авторизовались в приложении, поэтому их фотографии нельзя было связать с их личными данными, и что их данные не передаются в Россию.

FaceApp и AI Portraits — не единственные приложения для преобразования фотографий, привлекающие внимание.

В прошлом году Google выпустил функцию в своем приложении Arts & Culture, которая использовала алгоритм сопоставления для анализа лиц людей и поиска двойников из истории искусства.

Нет, эта вирусная фотография не просто картина эпохи Возрождения.

В прошлую субботу правительство Германии опубликовало официальную фотографию с саммита G7, на которой канцлер Германии Ангела Меркель и ее коллеги-мировые лидеры были подписаны как «спонтанная встреча между двумя рабочими сессиями. . » На снимке, сделанном немецким фотожурналистом Джеско Дензелем, Меркель, кажется, привлекает внимание всей комнаты: окруженная почти полностью мужской группой, она стоит над столом, ее небесно-голубой костюм выделяется на фоне моря дипломатического флота. , чтобы взглянуть на Дональда Трампа, который выглядит типично раздраженным, сидящим в углу со скрещенными руками.Неудивительно, что фотография стала вирусной, и историки искусства издали коллективный стон, когда последовал уже неизбежный рефрен: «Это похоже на картину эпохи Возрождения».

Jesco Denzel

Представление о том, что современная фотография может иметь сходство с искусством эпохи Возрождения, стало настоящим мемом. Это восходит к 2014 году, когда по общему признанию фантастическая фотография кулачной драки в украинском парламенте начала распространяться в Интернете со схемой спирали Фибоначчи, которая, как принято считать, хотя и сомнительно, использовалась художниками эпохи Возрождения в качестве модели идеальных пропорций, наложенной на верх.Торговые центры от Guardian до Buzzfeed начали собирать другие примеры фотографий, которые они сочли похожими на картины эпохи Возрождения: сцены пьяных в канун Нового года в Манчестере, профессиональных футболистов, празднующих забитый гол, крича политиков. Каждые несколько месяцев появляется новая запись; Субреддит, посвященный этой теме, r / AccidentalRenaissance, в настоящее время имеет более 400 000 подписчиков.

Сюжеты различных вирусных фотографий, описываемых как «похожие на картины эпохи Возрождения», разнообразны, но у них есть две общие черты: они представляют собой драматические изображения многофигурных групп и совсем не похожи на картины эпохи Возрождения.

Послушайте другие мысли Рэйчел Ветцлер о The Outline World Dispatch.

---

В случае фотографии G7, @palle_hoffstein указал в самопровозглашенном «педантичном до чертиков» опровержении, что ее композиция более характерна для барокко, чем для самого Возрождения: картины из прежнего периода времени, как он утверждал , «равномерно распределены по холсту, равноудалены от зрителя, как будто на сцене», как в «Примавере» Боттичелли (ок. 1482 г.). Напротив, картины в стиле барокко, такие как картины Караваджо или Рембрандта, ориентированы вокруг диагональной оси и обычно используют преувеличенную светотень — контраст между областями света и тени — известный как «тенебризм», чтобы создать ощущение повышенной повествовательной драмы.

Наблюдение Хоффштейна в основном верно, но только в самом поверхностном смысле. Боттичелли был чем-то особенным среди крупных художников-кватроченто, и более распространенной отличительной чертой картин итальянского Возрождения является пирамидальная композиция — сложное, широко симметричное расположение фигур, рационально расположенных в иллюзионистском изображении глубокого космоса (см., Например, Мадонна Леонардо. скал, или Мадонна Рафаэля на лугу).

На самом деле фотография Дензела G7 выглядит именно так: хорошо скомпонованная фотография.Если это имеет какое-то ограниченное сходство с произведениями искусства эпохи Возрождения (или барокко), то это потому, что Италия эпохи Возрождения — это то время и место, где впервые были установлены большинство основных условностей западной живописной композиции. Сказать, что он похож на картину эпохи Возрождения, примерно так же полезно, как назвать любой трагический сценарий «шекспировским».

Мадонна Щегла — картина эпохи Возрождения. Два других — просто классные фотографии.

Это еще один вирусный твит о фотографии G7 от @mikeduncan — «Это похоже на историческую картину, на планирование, составление и завершение которой потребовались годы» — который случайно затрагивает реальную проблему, называя все хорошие фотографии «картинами эпохи Возрождения». .«Фотография по определению не требует лет, чтобы ее спланировать, составить и завершить. Скорее, как писал Анри Картье-Брессон в своем предисловии к «Решающему моменту», среди канонических текстов фотографии 20-го века создание фотографии включает «одновременное признание, за доли секунды, значимости события как а также точной организации форм, которые придают этому событию правильное выражение ».

Другими словами, мастерство фотографа зависит как от зрения, так и от рефлексов: способность мгновенно идентифицировать композицию, поскольку событие находится в процессе развертывания, и нажимать кнопку, прежде чем она быстро исчезнет.Хотя сравнение хорошо составленной фотографии с картиной эпохи Возрождения, по-видимому, задумано как комплимент, но, возможно, это работает, чтобы стереть реальное достижение, связанное с созданием убедительного фотожурналистического изображения.

В своей книге 1972 года «Живопись и опыт Италии 15-го века» историк искусства Майкл Баксандалл описал картины эпохи Возрождения как «залог социальных отношений», в которых художник с одной стороны, а покровитель — с другой. Баксандалл ввел термин «глаз периода» для описания исторически обусловленной природы визуальной интерпретации: изображения не только формировались в зависимости от конкретного контекста, в котором они создавались, но и предназначались для обращения к зрителю, социально-культурно подготовленному к их восприятию.

Средний флорентийский купец, например, был бы хорошо знаком как с математическими пропорциями, так и с Библией, что позволило бы ему оценить перспективное построение, скажем, фрески Пьеро делла Франческа «Благовещение Ареццо», а также нюансы рассказываемой в ней истории. — современные христианские зрители могут распознать основные библейские очертания сцены «Благовещения», но вряд ли оценят, как «ходящий в церковь бизнесмен» Баксандалла 15 века, тонкие различия между одним типом Благовещения и другим. Современная фотография просто не может быть «похожей на картину эпохи Возрождения», потому что она участвует в другом виде социальных отношений, обусловленных иным набором условностей для создания и просмотра изображений.

Я подозреваю, что тенденция находить картины «Случайного Возрождения» на современных фотографиях говорит больше о нашем собственном «взгляде эпохи», чем любое реальное композиционное сходство (в конце концов, размещение спирали Фибоначчи поверх изображения не показывает ничего, кроме базовые знания Photoshop).Фотографии и картины — это принципиально разные типы объектов, но это различие буквально стирается при просмотре на экране: такова логика поисковой сетки Google Image, которая алгоритмически сортирует файлы JPEG на основе нечеткого сходства между точками данных. Приравнивать каждое вирусное изображение к картине эпохи Возрождения имеет смысл только тогда, когда они оба воспринимаются в первую очередь как изображения, не привязанные к материальным основам или различным видам художественного труда.